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Los invitamos a apropiarse de este espacio, vidriera de las diferentes producciones escritas que vayan generando a lo largo del cuatrimestre.
Aquí encontrarán diversas opiniones periodísticas vinculadas a los más variados ámbitos de la cultura, atravesados por la mirada crítica de cada autor.
8 millas, el drama en la vida de un artista
Por Martín Salgeus
8 millas o 8 mile es la película basada en los principios de la carrera artística del rapero estadounidense Eminem, en ella se retratan las duras condiciones de vida a las que se ve sometido al tener que vivir en un barrio marcado por la violencia y las drogas. El joven músico debe salir adelante pese a las dificultades que lo atormentan, además, tiene que enfrentar episodios de discriminación por querer destacar en una cultura que hasta ese entonces, solo era para afroamericanos.
Jimmy Smith, mejor conocido como “Rabbit” es el protagonista de esta trama, un chico apasionado por el hip hop que escribe en sus canciones las situaciones que observa a diario y además disfruta de hacer freestyle, el arte de improvisar rimas. Pese a atravesar problemas económicos y familiares eso no impide que siga con la intención de perseguir su sueño.
La película se sitúa en el año 1995, con Rabbit sucumbiendo ante el pánico escénico y abandonando una batalla de rap debido a su incapacidad de poder expresarse ante una multitud alborotada, a eso se le suma que acaba de cortar con su novia y tiene que irse a vivir con su madre, quien vive en una casa rodante. Junto con su grupo de amigos y el poco dinero que le genera un trabajo precario, trata de ganarse el respeto e imponerse entre los raperos negros que dominan el mundo del hip hop.
Durante el filme se puede observar una fuerte representación social de lo que estaban viviendo en ese entonces las personas de Detroit, luego de que esta ciudad especializada en la industria automotriz perdiera todas las fábricas que alimentaban su economía. Se puede apreciar el ambiente que atraviesan los habitantes que viven en aquellos barrios marginales, conviviendo con armas y pandillas callejeras que ven la violencia como algo necesario.
Es una película entretenida y emotiva que va dirigida a dos públicos. Al espectador común, que seguramente se entretenga y disfrute de las casi dos horas de duración que esta posee y por otro lado, está el que es fan de Eminem o del hip hop, este último claramente va a disfrutar mucho más de la narrativa además de ver en pantalla al famoso rapero.
FICHA TÉCNICA:
Título original: 8 mile
Año: 2002
Duración: 112 minutos
País: Estados Unidos
Género: Musical, drama
Dirección: Curtis Hanson
Protagonistas: Eminem, Kim Basinger, Brittany Murphy, Mekhi Phifer
Productora: Universal Studios, Imagine Entertainment
En la espera de un amor
Por Adriana Vilte
“Everyday I Love You” es una película interesante, donde se cuenta la historia de un joven Ethan Joseph Alfaro, casado con su profesión, que en busca de ascender en su labor, realiza un programa de televisión en otra ciudad, donde conoce a Audrey Locsin. Esta muchacha hace que él se empiece a despejar de su estructura, disfrutando de su compañía, ya que la misma con insistencia, es la protagonista del show televisivo a realizar.
Sin embargo Audrey, no acepta directamente la propuesta de Ethan, para la conducción del programa, debido a su novio Tristan, quien se encuentra en coma.
La trama es atrapante, ya que no sabe qué sucede no solo la relación que se entabla entre la conductora y el director, sino que a su vez en el transcurso de la historia, se ve la comparación con Tristán y la manera de cómo era su noviazgo. Lo que es aún más cautivador, es la incertidumbre que te crea en el espectador, ante la situación del novio de la joven, ¿Se morirá?¿Lo dejará?.
Es un relato muy atractivo que nos hace diferenciar el amor de una ilusión.
Ficha técnica:
Título: Everyday I Love You
Dirección: Mae Czarina Cruz
Reparto: Enrique Gil (Ethan), Liza Soberano (Audrey), Gerald Anderson (Tristán), Ariel Rivera, Marissa Delgado
Año: 2015
País: Filipinas
Duración: 122 min.
El lado más personal del Cuarteto de Nos
Por Santiago Robbio
“Habla Tu Espejo” es el doceavo álbum de la banda uruguaya El Cuarteto de Nos lanzado en el 2014. Cuenta con 10 canciones y fue producida por Juan Campodónico bajo el sello de Warner Music.
El disco está marcado por letras de perfil mucho más personal de lo que acostumbraba el grupo, marcando un segundo quiebre en la historia de la banda dando un giro a lo que fue la trilogía de Raro, Bipolar y Porfiado, los tres trabajos anteriores, que a su vez representaron un gran cambio de los discos previos a la banda, que eran mas independientes y crudos en sus letras, sin tanta metáfora y complejidad que característica a los trabajos musicales más actuales.
Al mismo tiempo, el disco terminó de definir la capacidad multifacética de la banda para cambiar de género musical sin ningún problema, tocando canciones de rock, baladas y cumbias en un solo disco, transicionando entre ellas casi sin esfuerzo. Esta capacidad ya la demostraban también en los discos anteriores, pero con éste, indagaron aún más en este perfil íntimo y de retrospectiva personal.
El único sencillo del álbum es la canción “No Llora”, compuesta por Roberto Musso, líder de la banda, y dedicada a su hija. Es una balada que cuenta como una niña debe enfrentar a las adversidades de la vida, dándole consejos y reconociendo la fuerza que tendrá en esos momentos difíciles.
“21 de Septiembre” es el primer tema del disco. Compuesto también por Roberto Musso, es el tema mas lento y solemne de todos, conformado solo por un piano, un violín y la voz de Musso, es dedicada a su madre y a su abuela quienes padecían de Alzheimer, enfermedad a la que referencia a lo largo de la canción. El 21 de septiembre es también el día internacional de esta enfermedad.
La canción “Habla Tu Espejo” es relatada desde la perspectiva del propio reflejo del narrador, criticando y comentando sobre la vida de su persona real y como es el único que lo acompaña siempre. De a momento crítica como la gente vive de manera pasajera y sin cuidados pero que es a si mismo al que debe responder y su reflejo está ahí para recordárselo.
A diferencia de discos anteriores, Santiago Tavella, bajista y cantante también de la banda, compuso solo una canción: “Whisky en Uruguay”. Ésta es un cover en español de la canción tradicional irlandesa “Whiskey in the jar” la cual narra como un ladrón es entregado a la policía por su propia esposa y debe enfrentar su sentencia.
El disco fue recibido de manera positiva tanto por la crítica como por la audiencia, continuando con el éxito internacional de la banda. Fue seguido por el siguiente y mas nuevo disco de la banda “Apocalipsis Zombi”.
Crítica de “Easy A”
Por Guadalupe Goñi
La película gira en torno a Olive Penderghast (Emma Stone), una estudiante de la secundaria Ojai North High School, en la ciudad de Ojai, California. Ella era una estudiante que pasaba inadvertida a los ojos del resto de sus compañeros y principalmente de los hombres. Pero todo cambia cuando le miente a su mejor amiga Rhiannon (Aly Michalka) en el baño de chicas relatándole cómo tuvo sexo con un chico universitario durante el fin de semana. Para su mala suerte, Marianne (Amanda Bynes), la líder del grupo religioso de su escuela escucha toda la historia y en pocas horas el chisme se extiende a lo largo de toda la institución. Cuando a Olive la castigan con detención después de clases por insultar a una compañera que la llamó “zorra”, conoce a Brandon (Dan Byrd), un chico homosexual que sufre burlas por serlo. Olive le confiesa a este que su historia sexual es mentira y entonces él le pide que mienta y diga haber tenido sexo con él para que dejen de molestarlo. Así comienza la enredada historia en la que Olive no puede evitar sumergirse, con chicos que comienzan a pagarle para poder expandir el rumor de que tuvieron sexo o encuentros sexuales con ella, pero sin realmente haberlos tenido.
A lo largo de la cinta se hacen referencia a diversos libros de la literatura clásica, como Huckleberry Finn, de Mark Twain. Pero la mayor de estas referencias se encuentra en el título de la película “Easy A”. La letra “A” proviene del libro “La letra escarlata”, novela de Nathaniel Hawthorne, en la cual la protagonista Hester Prynne, duerme con un ministro y al hacerlo mancha su reputación, siendo obligada desde ahí en adelante a portar una gran “A” de color rojo en su pecho -“A” por “adúltera”-. Este libro lo estudia la clase de Olive y es ahí en donde una compañera le sugiere, de manera maliciosa, comenzar a usar la misma letra en el mismo lugar.
Se combina drama adolescente con personajes con gran sentido del humor. Los padres de Olive son graciosos y la apoyan a lo largo del camino, muchas veces sin saber exactamente qué es lo que sucede con la vida de su hija, pero siempre confortándola y asegurándole que puede hablar con ellos de lo que necesite.
A pesar de contener escenas extremadamente exageradas se advierte la presencia de distintas temáticas que hoy en día se lucha por erradicar de la sociedad patriarcal. Una de ellas es la concepción de que el hombre es un “ganador” por acostarse con muchas mujeres, pero una mujer es una “zorra” o “puta”, en el lenguaje más vulgar, por tener relaciones con muchos hombres. Otra problemática es la de la dispersión de rumores, muchas veces falsos, en la escuela secundaria, que pueden menoscabar la autoestima de los acusados. “Soy un gordo de mierda”, se escucha decir a uno de los chicos que le pide un “favor” a Olive. Esto demuestra que los adolescentes tienden a asociar la belleza exterior e interior con el número de personas que están interesadas en ellos. Por lo que llegan hasta a mentir con cuestiones sexuales para “encajar”.
Un problema muy importante que sufren las mujeres es visible también en la película. Olive es invitada a una cita por un chico y realmente se siente ilusionada. Luego de una incómoda y extraña cena, cuando salen del restaurante, en el estacionamiento, el chico intenta pagarle para tener sexo con ella. La joven le dice que realmente no tiene relaciones, sino que dice que tiene relaciones, pero él no lo entiende (o no quiere entender) e intenta forzarla. En una época en donde se trata de instalar el discurso de “no es no”, esto es un ejemplo perfecto. Se asocia que a la mujer que vive su sexualidad libremente todos pueden “acceder” a ella cuando realmente no es así. El consenso debe estar presente en todas y cada una de las relaciones que se mantienen con otras personas. Sobre esto mismo, en un momento de la película, Olive intenta que la consejera escolar (Lisa Kudrow) la ayude a desmentir todo, pero como ésta última se encuentra de cierta manera involucrada y saldría perjudicada si Olive cuenta la verdad, le pregunta “si fueras un profesor, ¿a quién le creerías?”, dando a entender de esta manera, que si Olive expusiera lo que sabe de ella, nadie le creería dada su reputación de “chica fácil”.
Resulta entonces una película bastante interesante de ver, cuya hora y media se pasan rápido entre las risas y la historia que Olive va relatando sobre su verdad de los hechos.
Ficha técnica:
Título: Easy A (original), Rumores y mentiras (España), Se dice de mí (Hispanoamérica).
Dirección: Will Gluck
Protagonistas: Emma Stone, Penn Badgley, Amanda Bynes
País: Estados Unidos.
Año: 2010
Género: Comedia adolescente
Duración: 92 minutos.
Idioma: Inglés.
Llenos de Vida, Llenos de magia
Por Lautaro Torres
“A contraluz” es el tercer álbum de estudio de La Vela Puerca y un punto de inflexión en la popularidad de la banda .En él se encuentran temas que marcan un antes y después en la historia del rock latinoamericano.
A partir de “A contraluz” se produjo un gran cambio en lo que La Vela Puerca exponía como banda. Para los más nostálgicos, se perdió el espíritu de murga uruguaya, que se mostraba desde un inicio en el bar “El Tigre”, para otros, fue la apertura a las melodías del otro lado del charco y a una banda que marcaría a más de una generación. La verdad es que el disco expone una realidad, que va desde la vida más íntima de la banda a temas más sociales y una reafirmación de que el rock no solo le canta al amor, sino que puede ser una forma de criticar divirtiéndose.
Desde el punto de vista musical es perfecto y muestra una gran armonía entre los vientos, las cuerdas y la batería. La ubicación de los temas es totalmente armónica y parece estar hecha para el vivo. Empezando muy roquero con “Llenos de vida, Llenos de magia”, pasando por temas más tranquilos, como “Va a escampar “y “Zafar”, hasta llegar a la hermosa melodía de “En el limbo”. Las canciones que forman el CD, demuestran que sin perder sus raíces uruguayas, la banda se animó a sumar toques de spa, reggae, rock. Las letras tienen mucho tinte poético y de crítica social y contienen frases que luego rellenarían las banderas de cada recital, como “Festejar para sobrevivir”, “De Bandera la ilusión”, “Es tu sueño quien lleva los hilos”.
Sin duda hoy, a 15 años de “A contraluz”, podemos decir que es el trabajo que llevó a la banda a la fama y a ser una de las más convocantes en Argentina. Hoy La Vela Puerca está en una etapa de adultez y parece que la “Semilla” seguirá dando frutos por mucho tiempo más
Ficha tecnica.
Nombre: A contraluz.
Año: 2004
Artista: La vela puerca.
Género(s):Rock/ska.
Duración:57:35
Discográfica:Surco / Universal
Productor: Gustavo Santaolalla.
Integrantes: Sebastián Teysera: Voz, y guitarra en «Va a escampar».Sebastián Cebreiro: Voz. Nicolás Lieutier: Bajo. Lucas De Acevedo: Batería. Rafael Di Bello: Guitarras. Santiago Butler: Guitarras. Carlos Quijano: Saxofón. Alejandro Piccone: Trompeta.
Canciones
1 Llenos de magia
2 Sin palabras
3 Dice...
4 De atar
5 Va a escampar
6 Escobas
7 Clarobscuro
8 Zafar
9 Caldo precoz
10 Haciéndose pasar por luz
11 En el limbo
12 Un frasco
13 Doble filo
14 A lo verde
“A contraluz” es el tercer álbum de estudio de La Vela Puerca y un punto de inflexión en la popularidad de la banda .En él se encuentran temas que marcan un antes y después en la historia del rock latinoamericano.
A partir de “A contraluz” se produjo un gran cambio en lo que La Vela Puerca exponía como banda. Para los más nostálgicos, se perdió el espíritu de murga uruguaya, que se mostraba desde un inicio en el bar “El Tigre”, para otros, fue la apertura a las melodías del otro lado del charco y a una banda que marcaría a más de una generación. La verdad es que el disco expone una realidad, que va desde la vida más íntima de la banda a temas más sociales y una reafirmación de que el rock no solo le canta al amor, sino que puede ser una forma de criticar divirtiéndose.
Desde el punto de vista musical es perfecto y muestra una gran armonía entre los vientos, las cuerdas y la batería. La ubicación de los temas es totalmente armónica y parece estar hecha para el vivo. Empezando muy roquero con “Llenos de vida, Llenos de magia”, pasando por temas más tranquilos, como “Va a escampar “y “Zafar”, hasta llegar a la hermosa melodía de “En el limbo”. Las canciones que forman el CD, demuestran que sin perder sus raíces uruguayas, la banda se animó a sumar toques de spa, reggae, rock. Las letras tienen mucho tinte poético y de crítica social y contienen frases que luego rellenarían las banderas de cada recital, como “Festejar para sobrevivir”, “De Bandera la ilusión”, “Es tu sueño quien lleva los hilos”.
Sin duda hoy, a 15 años de “A contraluz”, podemos decir que es el trabajo que llevó a la banda a la fama y a ser una de las más convocantes en Argentina. Hoy La Vela Puerca está en una etapa de adultez y parece que la “Semilla” seguirá dando frutos por mucho tiempo más
Ficha tecnica.
Nombre: A contraluz.
Año: 2004
Artista: La vela puerca.
Género(s):Rock/ska.
Duración:57:35
Discográfica:Surco / Universal
Productor: Gustavo Santaolalla.
Integrantes: Sebastián Teysera: Voz, y guitarra en «Va a escampar».Sebastián Cebreiro: Voz. Nicolás Lieutier: Bajo. Lucas De Acevedo: Batería. Rafael Di Bello: Guitarras. Santiago Butler: Guitarras. Carlos Quijano: Saxofón. Alejandro Piccone: Trompeta.
Canciones
1 Llenos de magia
2 Sin palabras
3 Dice...
4 De atar
5 Va a escampar
6 Escobas
7 Clarobscuro
8 Zafar
9 Caldo precoz
10 Haciéndose pasar por luz
11 En el limbo
12 Un frasco
13 Doble filo
14 A lo verde
El disco de su pleno auge
Por Juan Tejerina.
"Narigón del Siglo" (2000) subtitulado como "Yo te dejo perfumado en la esquina para siempre". Era el fin del menemismo sumado al pleno momento de internet y en ese contexto Divididos se encontraba atravesando el pico más alto de su carrera. El gran trío se pudo dar el lujo de hacer un álbum increíblemente rockero. Experimentando e innovando con elementos a los que no acostumbraban hasta ese entonces, como ritmos o instrumentos alejados del rock nacional.
El disco fue grabado y mezclado íntegramente en los estudios Abbey Road de Inglaterra, el grupo conformado por Ricardo Mollo, Diego Arnedo y Jorge Araujo logró consolidar un sonido crudo, impactante y súper orgánico.
Lo considero como imperdible porque refleja la experiencia en donde se trastoca el ADN artístico de la banda para transformarlo en lo que es hoy. Divididos demuestra que en un disco pueden convivir hits tranquilos y fogoneros con composiciones potentes y agresivas, al mejor estilo hard-rock.
Artísticamente hablando hay composiciones con una enorme potencia rockera, con riffs de guitarras presentes en primer plano, acompañado de una base rítmica muy precisa. También encontramos una faceta multinstrumental, logrando climas poco frecuentes con armonías de sitar y charango hasta sutiles arreglos de cuerdas.
En cuanto a lo técnico, la fidelidad que se percibe en el audio de cada instrumento es excelente. Se reconoce la constante variación tímbrica en los cuerpos de la batería y las guitarras, demostrando una búsqueda artística para lo que necesita cada canción. Personalmente quiero destacar la mezcla y el sonido que presenta "Narigón del Siglo", analógico y natural, compacto pero sin perder espacialidad. La conclusión perfecta para una obra de este nivel.
El Marginal
Por Lara Ducamp
La serie El Marginal trata de la cárcel de Caseros en el cual se puede ver el manejo de la corrupción tanto del Director como de los detenidos que allí se encuentran.
Una muestra de ese grado de corrupción aun estando con privación de la libertad, aunque no todos son iguales ante la ley.
Hay un sector VIP que tiene todas las comodidades: wifi, televisión, celulares, duchas para ellos y el otro sector es el que está ubicado en el patio de la cárcel que apenas tienen un colchón tirado en el piso y chapas para resguardarse.
Tal como ocurre en la vida misma el poder y la corrupción siempre van de la mano, hay un poder que permite y es cómplice de todas las situaciones. Así las estructuras institucionales van replicando de manera idéntica esos accionares corruptos.
Así la serie, como un recorte de la sociedad, va mostrando con crudos relatos las consecuencias de un sistema corrupto que no permite desarrollar su verdadera función, con muertes y despropósitos que agravan una situación de desigualdad social.
Serie de televisión
Genero Policial
Argentina
Temporadas 3
Productores Sebastián Ortega
Dirección Luis Ortega, Mariano Ardanaz, Javier Pérez, Alejandro Ciancio
Spider-Man Into The Spider-Verse. Un Spider-Man diferente a la costumbre.
Por Franco Lopez
Miles Morales es un preadolescente estadounidense que vive en Brooklyn, desde el principio de la película se nos muestra su vida tranquila y cotidiana, por la parte cultural podemos observar su pasión por el hip hop y el arte callejero, más específicamente los graffitis.
En los primeros minutos de la película el personaje logra un gran factor de carisma y de representación, debido a que además de su personalidad está atravesando un cambio de ambiente escolar siendo “el alumno nuevo” de la academia Visions, quienes hayan pasado por esta situación entienden y se ven reflejados en lo difícil que es poder integrarse.
Miles es hijo de un policía quien le prohíbe ciertas cosas y además no acepta los métodos que emplea el héroe Spider-Man en su lucha contra el crimen. Por otra parte Miles idolatra a su tío con quien se siente más libre ya que él lo conoce más que su padre y no le pone limitaciones, esto se puede observar en que apoya su pasión por la pintura llevándolo a un sitio donde podría pintar sin preocupaciones. Es en este lugar donde es picado por una araña un tanto peculiar a lo que Miles no le da mucha importancia, hasta que al día siguiente empieza a experimentar una serie de cambios extraños en su cuerpo otorgándole algunos de los poderes de Spider-Man.
Toma la decisión de volver en búsqueda de la araña y termina enredado en una pelea de Spider-Man, quien se encontraba intentando detener un experimento del villano KingPin el cual quería abrir brechas dimensionales. Aquí es donde Miles conoce a Peter Parker (el Spider-Man original). A lo largo de la película veremos el viaje de Miles por aprender a ser un nuevo Spider-Man, salvar al mundo y cumplir con las responsabilidades que conlleva tener un gran poder.
Desde lo estético esta película de animación logra elevar el aspecto visual a otro nivel con su gran calidad a la hora de animar. Además tiene unos agregados que hacen parecer que estamos viendo un comic animado sin ningún tipo de cortes entre cada movimiento. Por otra parte tanto la música como los colores están presentes constantemente y acompañan a la película a la perfección.
En cuanto al aspecto cultural logra reflejar en Miles Morales y en los ambientes el estilo urbano y la cultura Hip Hop.
Por último pero lo más importante es que el desarrollo tanto de los personajes como de la historia es muy certero, con lo cual nos logra presentar un Spider-Man diferente a los demás desde su origen hasta cómo irá evolucionando. Además agregar que esta película nos dejará más de una enseñanza. Todos estos factores la convirtieron en una digna ganadora del Oscar a la mejor película de animación.
Ficha técnica:
-Título: Spider-Man: Into the Spider-Verse.
-Género: Acción, Aventuras, Animación.
-Año: 2018.
-Duración: 117 min.
-País: Estados Unidos.
-Dirección: Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman
Cowspiracy: el secreto de la sostenibilidad.
Por Agostina Sol Álvarez.
Cowspiracy es un documental que nos invita a abrir los ojos ante problemas que ya no son ajenos a nosotros. ¿Qué tiene que ver la producción industrial de animales y el calentamiento global que nos acecha? Absolutamente todo.
Como ya sabemos se habla mucho del cambio climático, pero este conflicto no es de ahora. Desde hace años tenemos entendido que las grandes empresas y nosotros, los humanos, estamos terminando con el planeta, aunque no es demasiado visible en términos de su difusión.
Una de las causantes del desastre ambiental que ocasionamos es la industria cárnica. Tanto la carne que se consume diariamente en una dieta como el metano que se produce en la digestión de la vaca y luego larga en los gases y el excremento. Uno de los datos que muestra el documental es que la agricultura animal produce muchos más gases de efecto invernadero; criar ganado produce más gases de efecto invernadero que todos los autos, camiones, trenes, barcos y aviones juntos, el 13% comparado con el 51% del ganado. Y además el gas metano del ganado es de 25 a 100 veces más destructivo que el dióxido de carbono vehicular. Esta producción está acabando con nuestros recursos ya que criar ganado consume 34 billones de galones (más de 129 millones de millones litros) solo en EE.UU. Vamos a un ejemplo cotidiano: una hamburguesa de 100 gramos gasta más de 2500 litros de agua para su producción; ¿y cuando dura en la boca?.
¿Tiene una razón lógica seguir consumiendo carne sabiendo todos estos datos y teniendo en cuenta además que la ONU declaró que la carne y sus derivados son unas de las causas de padecer cáncer?. Sumado a eso, esta industria es la más cruel de todas, no tienen porque ser asesinados cruelmente solo para satisfacer nuestras necesidades. Y no, no se trata de una cadena alimenticia que debemos seguir para estar bien de salud y nutridos. Somos personas razonables que ya no tenemos que salir a matar animales para nuestro consumo, hay gran variedad de reemplazos para la alimentación.
El documental sugiere como solución el veganismo. El veganismo es una alimentación sin carne y sin derivados de animales. Aunque creo que es un proceso el cual lleva tiempo ya que cada persona lo va asimilando de distinta manera, a largo plazo si es la solución más factible.
Cowspiracy es una gran puesta en escena que nos hace replantearnos todo, desde lo que estamos consumiendo en nuestra casa, que no estamos conscientes ni de lo que comemos y cómo eso afecta al mundo en el que vivimos.
Ficha técnica:
Titulo original: Cowspiracy: The Sustainability Secret
Año: 2014
Duración: 91 min.
País: Estados Unidos
Género: Documental.
Aladdín
Por Solange Anconetani
La trama de la película tiene lugar en un reino ficticio llamado “Agrabah”, en donde el protagonista principal Aladdín (Mena Massoud) es un pobre ladrón que se enamora de la Princesa Jazmín (Naomi Scott) hija del Sultán (Navid Negahban). Para conquistarla, Aladdín (Mena Massoud) está dispuesto a aceptar un trato con el Visir Jafar (Marwan Kenzari) para conseguir un tesoro en la Cueva de Las Maravillas, en donde conoce al Genio (Will Smith) y sus tres deseos, a partir de allí su vida da un giro drástico lleno de aventuras.
Se nota que para el director (Guy Ritchie) Aladdín, de todos los clásicos de Disney, este es su favorito, ya que si comparamos este film con la animación realizada en 1992 notaremos muy pocas diferencias, haciendo que el público seguidor de Disney se emocione y la nostalgia toque sus puertas. El desarrollo de la misma está muy bien hecho, tanto que no se siente el pasar del tiempo dentro de la sala del cine cuando está siendo vista.
Will Smith como el Genio pudo cumplir completamente las expectativas sobre su papel, ya que se temía que no pudiese igual a Robin Williams. Pudo captar la esencia del personaje, llevarla de manera exitosa a la pantalla y logró que aún nos riéramos con gusto de las ocurrencias del Genio. Y, cómo olvidarlo, cuando se presentan las clásicas canciones “Friend Like Me” o “Prince Ali” se siente la emoción de verlas de nuevo y no se iban las ganas de cantarlas a la par del Genio.
Con respecto a Aladdín (Mena Massoud) su personaje sigue teniendo los mismos orígenes, es un personaje que en todo el film demostró su destreza y astucia en aspectos que la animación de los 90 no. Su forma de conocer a Jazmín se siente abrupta al inicio, pero no dura mucho tiempo la sensación.
La Princesa Jazmín (Naomi Scott) cumple con el feminismo actual del empoderamiento de la mujer, ya que ella quiere que su padre, el Sultán (Navid Negahban), la nombre su sucesora. Con ella se ve claramente la situación actual femenina en grandes partes del mundo, ya que durante el film se ve la lucha de Jazmín (Naomi Scott) contra el patriarcado, siendo representado por Jafar (Marwan Massoud). Para ella fue agregado el número musical individual llamado “Speechless”, el cual expresa que la protagonista no desea cumplir con la frase de Jafar “Princesa, para usted es mejor ser admirada que escuchada”.
El dueto entre Aladdín (Mena Massoud) y la Princesa Jazmín (Naomi Scott) “A Whole New World” es emocionante y no se te ocurre compararlo en ese momento con la versión de los años 90. Tanto para los fanáticos de la versión anterior como para el público nuevo es un momento en el que se te eriza la piel de la emoción.
En conclusión, es una excelente película para ver y disfrutar con la familia. Tiene la fusión indicada de elementos nuevos y de la animación de 1992, para los nostálgicos. No te deja nada que desear, solo volver a verla y admirar el gran manejo de los efectos especiales realizados en el film.
Título original: Aladdin
Año: 2019
Duración: 128 min.
País: Estados Unidos
Reparto: Mena Massoud, Naomi Scott, Will Smith
Productora: Walt Disney Pictures
Género: Fantástico. Musical. Romance. Aventuras | Remake. Cine familiar
Una clara involución
Por Alejandro Silva
Cuando se lee o se escucha en los medios o las redes sociales que una serie, historieta o dibujo de la infancia va a tener su merecido traspaso al cine, a la “pantalla gigante”, genera alegría y altas expectativas en las personas identificadas con ese producto. Se comienza una carrera por anticipar los actores, quien será el director, el género que se empleará o las posibles teorías sobre lo que ocurrirá en el film. Esto se puede decir que era un hecho prácticamente obligado por los fans meses antes del estreno de una película de este tipo, hasta que en el año 2009, a 20th Century Fox se le ocurrió la idea de llevar a cabo el proyecto Dragonball Evolution.
La película es un fracaso en todo lo que una película puede fracasar. Por empezar, se separa casi totalmente de su material original, el cual fue escrito por Akira Toriyama en 1984, contando la historia de Goku, su personaje principal, en un contexto actual con tintes de película juvenil de principios del 2000. A su vez, el casting de actores para nada de renombre y con habilidades actorales nulas generaban muchos momentos donde las personas mirando la película no sabían si estaban viendo la película por la cual pagaron o una parodia de esta misma. Otro aspecto (de tantos) que se le criticó a la película es la elección de actores norteamericanos/europeos para personajes que son, claramente, asiáticos.
Dragonball Evolution nos relata, a su manera, la saga de la llegada del demonio Piccoro al planeta tierra, en su afán por conseguir las esferas del dragón y someter a la humanidad. Aunque como es moneda corriente estos días, esta película nos mostró la dificultad de transformar un material que se publicó durante 30 años y que ocupó más de 1000 páginas a un largometraje que no supera la hora y media. El público ya no fue el mismo luego de este fiasco: aún hoy en 2019, cada vez que se menciona un remake de un clásico del cine o una adaptación de material de nuestra infancia, ya no es emoción lo que invade al público, sino una sensación de terror ante la oportunidad que tienen estas empresas multinacionales de arruinar esos recuerdos que los jóvenes poseen y guardan con felicidad.
Ficha técnica
Nombre original: Dragonball Evolution
Director: James Wong
Género: Acción, fantasía
Año: 2009
Duración: 82 minutos
Actores principales: Justin Chatwin, James Marsters
Campamento en el fin del mundo
Nicolás Conti
La película comienza cuando llega el campamento de verano y cuatro familias envían a sus hijos al llamado “campamento en el fin del mundo”. Cuando se dirigen a la montaña 4 chicos, llamados Alex; Dariush; Gabriel y Zhen Zhen, se encuentran solos cuando escuchan un fuerte estruendo en el cielo. Vuelven al campamento y con un mensaje de que la tierra estaba siendo invadida por extraterrestres, vuelven a oír un fuerte estruendo en el cielo y ven caer una capsula, donde un astronauta les otorga una llave que tendrá que transportar a un centro científico y utilizarla allí.
Si bien la película es cómica y a su vez es de suspenso, es una mezcla que no quedó muy bien en este caso. Las partes cómicas logran ese efecto buscado. En las partes de suspenso los efectos no estaban bien logrados y se notó el abuso de efectos especiales. En partes que mostraban el conflicto entre militares y alienígenas se notó demasiada calidad por la época en la que se quiere situar la película y se podía percibir una mayor calidad en las naves que en el ambiente situado. Se observan acciones que le hacen guiño a otras películas, como por ejemplo, cuando van a buscar bicis para llevar la llave para dársela al científico, uno de los protagonistas (dariush) elige una bici que tenía una calcomanía que decía “por wakanda” haciendo referencia a las películas de Marvel o cuando Alex explica la genética del alíen que podía regenerarse dice “es como wolverine” en tono a la famosa serie de Netflix, Stranger Things con ese tono vintage.
Otro punto bajo el exceso de la marca “Adidas”, es como que pensaron “pongamos unos maniquíes con ropa de dicha marca, teniendo todo un paseo de compras para elegir ropa”. Fue una elección muy obvia y es una escena muy larga para simplemente mostrar la ropa que llevarán puesta. Lo mismo sucede cuando se dirigen al estacionamiento y encuentran un auto que no sufrió ni un rasguño y da lugar a pensar “estás en el medio de una invasión alienígena ¿ni siquiera va a tener un poco de tierra arriba?”.
Ficha Tecnica:
Título original: Rim of the World (2019)
Titulo Latino: Campamento en el fin del mundo (2019)
Fecha de estreno: 24 de Mayo de 2019
Duración: 99 Minutos
País: Estados Unidos
Director: McG
Actores Principales: Jack Gore, Miya Cech, Benjamin Flores Jr., Alessio Scalzotto, Dean Jagger, entre otros.
Género: Ciencia ficción, Aventuras
Temáticas: Extraterrestres, Adolescencia, Comedia juvenil
Coherence
Por Agustín Ferrara
En Finlandia, en 1923, el paso de un cometa desorientó a los habitantes generando una confusión tal que incluso una mujer llamó a la policía para alertar que el hombre que estaba con ella no era su esposo ya que ella había asesinado esa noche a este. Décadas más tarde, un grupo de amigos se reúnen a cenar y con unos sucesos extraños recuerdan lo ocurrido aquella vez mientras se preparan para el paso de un cometa.
Una película de mucha intriga que demuestra que con un buen guión se puede superar a películas con un presupuesto mucho mayor, con escenas muy bien logradas y una banda sonora que acompaña de gran manera. Seguramente se deba ver dos veces o buscar en internet la explicación ya que contiene momentos que son difíciles de entender a la primera vista y explicaciones científicas, pero es excelente, grandes actuaciones de actores no tan conocidos.
Ficha Técnica
Dirección: James Ward Byrkit
País: Estados Unidos
Año: 2013
Duración: 89 min.
Género: Thriller, Ciencia ficción
Calificación: No recomendada para menores de 12 años
Reparto: Nicholas Brendon, Lauren Maher, Lorene Scafaria, Maury Sterling, Hugo Armstrong, Emily Foxler
“Desafiando gigantes”
Por Paola
Uno de los objetivos del productor Stephen Kendrick al realizar esta película fue motivar a las personas a nunca rendirse sin importar los obstáculos que se encuentren en el camino. Ya que observaremos varias escenas con situaciones en donde todo parece venirse abajo y luego todo resulta mejor de lo esperado.
El entrenador Taylor (Alex Kendrick) lleva trabajando seis años en la escuela Shilloh con el
equipo de fútbol llamado "Las águilas de Shilloh”. Sin embargo ha pasado mucho tiempo desde que no logran ganar un partido y mucho menos alguna temporada. A esto se le suma que al irse el mejor jugador del equipo todos se desilusionan y pierden aún más las esperanzas de triunfar.
Por otro lado, el entrenador cansado de tantos problemas decide cambiar su actitud y poner
todo en manos de Dios teniendo dos graves dilemas en mente. Por un lado, el permanecer como entrenador del equipo y por el otro, el deseo de tener un hijo y así formar esa familia tan deseada con su esposa (Shannen Fields).
Él es motivado a orar y así cambiar la mentalidad de su equipo demostrándoles que deben confiar en Dios si quieren alcanzar sus metas.
Es importante mencionar que al ser una película cristiana el productor intenta mostrar al público que los planes de Dios son realmente perfectos y que al poner nuestros sueños en sus manos, nos dará la respuesta que tanto esperamos.
Vale destacar que la musicalización es correcta y muy oportuna para cada momento ya que
logra crear un clímax. Es decir, una combinación casi perfecta para que el televidente reflexione y así ese mensaje que es transmitido pueda llegar al corazón de la persona que lo está viendo.
El fútbol o yo
Damián Baumgartner
Pedro Pintos (Adrián Suar) es un coordinador de call center en una importante compañía de servicios médicos, es un fanático del fútbol sin distinción de club, camiseta, bandera ni nacionalidad. Capaz de ver partidos durante las 24 horas del día. Está casado con Verónica desde hace 20 años, con quien tiene dos hijas adolescentes. Pero casi sin darse cuenta, su obsesión fue minando todos los espacios y, principalmente, sus afectos.
Película argentina referida al fútbol, donde hay dos lecturas posibles. La de las personas que no son fanáticas de este deporte, y la de los amantes del fútbol. Estas primeras son las que seguramente disfrutaron y se divirtieron en gran parte. Y los futboleros, como yo, fueron encontrando cosas para criticar.
Por empezar, muchos errores conceptuales, nadie es hincha de Boca Juniors y Argentinos, por más futbolero que seas. Podes tener simpatía por uno o más equipos e ir a verlos, seguir su campaña y alentar por ellos. Pero hubiera sido más creíble que sea de un equipo grande y de uno chico, de una categoría inferior. En alguna parte se mencionan partidos que serían imposibles, como semifinales en el torneo argentino, cuando sabemos que en Argentina se juegan campeonatos largos y sale campeón el que más puntos coseche. Se nota que los directores y/o guionistas no son muy seguidores de este deporte. Tampoco se utilizan muchas frases o referencias futboleras como uno esperaba.
En cuanto a la actuación es todo muy predecible. Suar actuando de una persona poco inteligente, por no decir otra palabra. Alfredo Casero haciendo de él mismo y Peto Menahem con un personaje que no aporta mucho. En mi opinión este último fue desaprovechado.
En cuanto a su función de hacer reír dejo mucho que desear, generalmente las películas argentinas se basan mucho en el humor. Esta en particular tuvo, por momentos, más partes románticas que de humor.
En fin, redondeando, si sos una persona que lo que busca es ver una película y entretenerte un rato, puede ser apropiada. Pero si sos futbolero, no dudes en irte a la cancha antes que al cine.
Desde la mirada número uno, la puntuaría con un 7 de 10. Con la mirada número dos, un simple 4.
Ficha técnica:
Director: Marcos Carnevale •
Guión: Marcos Carnevale & Adrián Suar
Género: Comedia •
Duración: 105 minutos •
Estreno: 10 de agosto de 2017 • ATP
De Niro fuera de lo común
Por Mauro Esquivel
“Dirty grandpa” o mejor conocida como “Mi abuelo es un peligro” es una película dirigida por Dan Mazer lanzada en el año 2016. Este film humorístico cuenta con las famosas actuaciones de Robert De Niro (Dick Kelly)y Zac Efron (Jason Kelly).
En este rodaje, Robert interpreta un ex coronel de las fuerzas especiales que luego de perder a su esposa decide disfrutar su vida luego de años de 40 años de matrimonio. Para ello decide realizar un viaje hacia Florida, el cual el acompañante seria su nieto, Jason. Zac en este film, comparados con otras de sus películas, hace de niño bueno, culto, alguien que no le gustan las fiestas y prefiere ejercer su oficio de abogado antes de andar de “parranda”. Su nieto emprende el famoso viaje en un Mini Cooper rosa de su prometida, sin saber que tan travesía les esperaba.
La película en lo humorístico es buena, pero creo que el director realizó una muy mala elección de los actores. De Niro, un actor muy reconocido y talentoso, en la película tiene escenas muy desagradables en las cual arruina su imagen, pero sin más las escenas son bastantes graciosas.
Zac, por su parte, genera una cierta empatía hacia los que vimos el film, ya que su futura esposa estaba obsesionada con la boda, además que lo controlaba en todo momento sin dejarlo hacer nada divertido. En un momento del viaje, vuelve a encontrarse en un café con una ex compañera de la universidad, el cual se enamora de ella y gracias a esto decide cancelar su boda para realizar una vida nueva. Este era el propósito de De Niro, mostrarle a su nieto mediante este viaje, que todavía era muy joven para concebir el matrimonio y que todavía podía disfrutar de la vida.
A la película la clasifico con un 6 de 10, como dije anteriormente las escenas de humor son muy buenas, para muchos muy fuertes, pero creo que el director podría haber elegido otros actores ya que estos no estaban especializados en el humor. Recomendable para los que les gustaría ver a De Niro fuera de lo común y para las amantes de Zac Efron ya que en una escena aparece casi desnudo de lo drogado que esta.
Ficha técnica:
Título original: Dirty Grandpa
Año: 2016
Director: Dan Mazer
Duración: 102 minutos
Actores: Robert De Niro, Zac Efron, Julianne Hough, Aubrey Plaza.
La nueva pluma del rock
Por Martín Juliá
Es de público conocimiento que las bandas de rock cada día carecen más de innovación o de letras que puedan dejar algún mensaje distinto al ya trillado “que sea rock”. En este contexto nace la banda “Perro Indio” que, en su primer año de existencia (2017), grabaron el primer disco homónimo.
Perro Indio es un poderoso trío de rock y blues que se acerca con su sonido a las bandas de los años ’70 a partir de riffs y de punteos, con una poderosa guitarra sostenida desde una base sólida de un bajo y una batería, rescatando las verdaderas raíces rockeras.
Dicho álbum es una montaña rusa de sensaciones y deja permanentemente un sentimiento o una emoción en el aire, en el oído, que llama a una reflexión o a una toma de conciencia de las diferentes realidades sociales y personales. Los acordes con una clara influencia de AC/DC le agregan ese tono pesado que hace que el mensaje sea más directo, llegue más profundo y sacuda el plexo de los que tienen la grata oportunidad de escucharlo.
El disco consta de 10 canciones y, si bien fue producido por un sello discográfico independiente, no tiene nada que envidiarles a los grandes sellos puesto que su escucha es limpia y clara, con arreglos de guitarra potentes y eficientes, además de una batería bien marcada y una base de bajo poderosa.
El opus es digno y divertido de escuchar, su mezcla con el blues le agrega un valor estético y auditivo, además cada tema parece estar estratégicamente colocado para generar esa montaña rusa de sensaciones y sentimientos.
No caben dudas que este trío (Rodrigo Álvarez, Sergio Coccaro y Cristian Gauna) saben lo que quieren y, además, saben plasmarlo en un disco que no es más que la antesala de la salvación del rock y sin exagerar es válido pensar que asoman para ser “la nueva pluma del rock.”
PERRO INDIO
01- Caos
02- El hombre
03- Me voy
04- La raíz
05- Malabar
06- Habitación a oscuras
07- Perdido
08- Mente inquieta
09- Mientras tanto
10- El recuerdo
Cristian Gauna: Bateria .
Sergio Coccaro: Bajo .
Rodrigo Alvarez: Guitarra y voz .
Ilustraciones: Marcelo Dueip .
Diseño gráfico: Brian Daratha, Silvana Fabre (Pogo Under) .
Grabado, mezclado y masterizado por Fernando Iácono .
Producido íntegramente por Perro Indio .
Letra y música de todos los temas pertenecen a Rodrigo Alvarez
¡Finis-him!
Por Matías Soria
Hace más de dos semanas se lanzó la entrega N°11 del videojuego Mortal Kombat, un clásico en la categoría de lucha. Esta vez, con muchas novedades como mejoras gráficas, realismo y exceso de gore en sus famosas “fatalities”.
Producido por Warner Bros. y desarrollado por NetherRealm Studios, Mortal Kombat 11 está catalogado como un juego para mayores de 17 años, ya que es muy violento y sangriento (como lo fue siempre).
Tiene un panel de 25 luchadores, trayendo como novedad a 3 de ellos (Cetrion, Geras y Kollector). Además, cuenta con el regreso de Baraka y Sonya Blade y con los clásicos de siempre como Raiden, Scorpion, Sub Zero, Liu Kang, entre otros.
Al momento de luchar, tenemos varias opciones para hacerlo. En primer lugar está la famosa y clásica torre, donde aumenta la dificultad cada vez que subimos de escalón, el modo “pelear” (online o contra un amigo), la ya conocida “krypta” que nos da monedas para luego cambiarlas por objetos, las “torres del tiempo” (también sirve para desbloquear objetos en el juego) y por último se encuentra el modo historia. Este último trae una nueva trama argumental donde se mezclan las lineas de tiempo y con ello la aparición de los actuales personajes pero en sus formas “clásicas”. Sin dudas esto traerá recuerdos para los viejos seguidores del juego.
Todo esto se encuentra dividido en los menús de “Konquistar” y “Pelear”. Además, el videojuego cuenta con la sección de “Personalizar”. Aquí se podrá cambiar el vestuario a los personajes y cambiar las monedas conseguidas en la “krypta”.
Con respecto a la jugabilidad, esta edición consiguió tener una velocidad lenta. Es decir que ya no se podrá correr con los personajes al momento de estar peleando, cosa que en ediciones anteriores se podía. Por otra parte, sumaron una barra de defensa y otra de ataque, las cuales según el accionar del luchador se van desgastando pero se regenera con el paso del tiempo. También añadieron un golpe especial: “fatal blow”. Este se podrá usar cuando le quede poca vida a nuestro combatiente y el daño que produce es muy grave. Ya hay una estrategia para salir de apuros.
Si es la primera vez que lo jugás, podrás notar que en la pantalla principal está la sección de “Aprender”. Acá hay una serie de tutoriales que te enseñarán a manipular de buena manera a los peleadores a la hora de ponerte en combate, ya sea aprendiendo combos, poderes especiales o las ya mencionadas fatalities.
Es un juego que promete mucho, ya sea por su nombre o por el realismo con el que cuenta. Tal es así que hace unos días Mortal Kombat entró al “Hall of the Fame” (Salón de la Fama) de los videojuegos, catalogado como uno de los mejores de la era moderna.
Ficha técnica
Nombre: Mortal Kombat XI
Desarrollador: NetherRealm Studios
Producción y distribución: Warner Bros.
Fecha de lanzamiento: 23 de abril de 2019
Género: Lucha
Clasificación: M (mayores de 17 años)
Plataformas: PlayStation 4, Xbox One, PC y Nintendo Switch
Starting Over Again- ¿Un amor para siempre?
Por Adriana Vilte
Empezar de nuevo, es una película filipina, romántica/dramática.
Esta empieza con el relato de un primer amor, en el cual una estudiante de arquitectura Ginny, intenta de diferentes maneras conquistar el corazón de un profesor de la universidad, Marco. Quien luego de varias situaciones va aceptando, ante la cautivante inocencia, la compañía de la estudiante, iniciando así, dicho romance.
Las situaciones causan en el espectador un aire de ternura, pero que al desarrollarse la trama empiezan los interrogantes debido a la ruptura ilógica que termina cautivando nuestra mirada. De esta manera terminamos observando con inquietud y a su vez con intriga ¿Qué pasó con Ginni?, ya que la misma recibe una carta electrónica, email, en donde Marco, a pesar de los años de ruptura, le declaraba su amor y su espera ante allá.
A pesar de los años transcurridos ambos se vuelven a encontrar mediante un proyecto de un restaurante. Ahí crece más la incertidumbre ¿qué pasará?. Sin más decir es una buena película donde los saltos en el tiempo y la combinación de relato con recuerdos dan un aporte exquisito. Allí los recuerdos se van diluyendo y se convierten en un tipo de respuesta; lo más cautivante son las hipótesis que uno se va generando y que muchas veces terminan refutándose.
La historia me hace recordar alguno mensajes que muchas veces escuche “si en verdad, es amor, eso volverá” u “olvidar es cuestión de tiempo”.
Frases muy escuchadas, pero para los amantes de películas románticas nos empieza a sonar, creo que está basada para averiguar esto y es cuestión de verla para quedar atento ante aquel sonido intrigante.
Ficha técnica:
Género: Drama/Cine romántica
País: Filipina
Duración: 130 minutos
Director: Olivia M. Lamasan
Reparto:
Piolo Pascual (Marco)
Toni Gonzaga (Ginni)
Iza Calzado
El mundo de Pokémon más real que nunca
Por Martín Salgues
Detective Pikachu es la nueva película de la famosa franquicia de Pokémon, en ella se narra la historia de Tim, un joven que vive en un mundo donde estas fascinantes criaturas habitan por doquier y que se ve envuelto en la misteriosa desaparición de su padre, pero no está solo ya que un Pikachu que habla y aparentemente solo puede comunicarse con él lo acompañará durante toda la aventura.
Las películas de Pokemon siempre fueron animadas, hechas con el característico estilo de la animación japonesa, pero ahora The Pokemon Company junto con Warner Bros tomaron la decisión de introducir actores reales junto con las más de 800 criaturas de esta marca en un solo mundo que parece más real que nunca.
El filme, al igual que la serie de televisión, se encuentra basado en los videojuegos hechos por la compañía nipona de Nintendo. En la hora y media que dura la obra se dejan ver decenas de Pokémon totalmente rediseñados para darles un aspecto mucho más realista, esto para algunos fans puede resultar un tanto raro de ver al principio pero después es una de las cosas que más llama la atención de la película.
La trama comienza con Tim, un joven que vive en un pueblo y debe adentrarse en la Ciudad Ryme, un lugar donde humanos y Pokémon habitan juntos de una manera totalmente pacífica, ayudándose entre sí. Cuando va al departamento donde solía vivir su padre para buscar pistas sobre su paradero, se encuentra a un Pikachu con un sombrero de detective, quien parece entender perfectamente su idioma y además, tiene el mismo objetivo que él.
Ryan Reynolds, quien actuó en películas como Deadpool, es el encargado de darle la voz a la famosa criatura amarilla, dotándola de una personalidad muy carismática y haciendo chistes sobre cualquier situación a cada rato, logrando que se vuelva el verdadero protagonista. Gracias a este personaje es como la película logra combinar el humor con momentos emotivos para hacer de esta una aventura memorable para todos los espectadores.
Claramente la obra cinematográfica está hecha para los amantes de Pokémon, se deja ver desde el primer momento con algunas escenas, como cuando Pikachu canta la famosa intro de la serie de televisión de los 90. Aun así esto no es un impedimento para cualquiera que quiera disfrutarla y que este sea el primer acercamiento a la franquicia que tiene, es una película hecha para que todos, tanto grandes y chicos la disfruten por igual.
Título: Detective Pikachu
País: Estados Unidos, Japón
Dirección: Rob Letterman
Año: 2019
Género: Live Action, misterio, fantasía, aventuras y ciencia ficción
Clasificación: PG
Duración: 104 minutos
Reparto: Justice Smith, Ryan Reynolds, Kathryn Newton
Distribución: Warner Bros Pictures, Toho
Renovándose con un estilo viejo.
Por Santiago Robbio
“Tranquility Base Hotel & Casino” es sexto álbum de estudio de la banda británica de rock indie Arctic Monkeys. Teniendo que mantenerse a la altura de su álbum anterior, “AM”, el grupo decidió virar hacia un estilo distinto encarando el nuevo proyecto.
El primer disco de la banda llamado “Whatever people say i am, that’s what i’m not” presentó un estilo frenético lleno de elementos de garaje rock como distorsión de guitarra, ritmos frenéticos y letras que enfoca la vida de la juventud moderna con una critica sentida y desde adentro. Y si bien este fue su inicio, la banda fue evolucionando poco a poco hacia una narrativa más profunda y producciones con más variedad y limpieza. Este camino los llevó a su sexto álbum, marcado fuertemente por el estilo futurista setentero, influenciado por géneros como el rock espacial o el pop psicodélico que le dan un toque antiguo a sus canciones y una ambientación que, acompañada por las letras, sitúa al oyente en un futuro fantástico.
El disco es el primer adentramiento de la banda en el género de la ópera rock, género caracterizado por hacer que todo un trabajo discográfico cuente una historia coherente y continua, contando las historias y experiencias de los huéspedes del hotel y casino Tranquility Base.
El primer single del álbum lanzado fue “Four Out of Five”, con 05:12 cuenta el funcionamiento del hotel y algunas características del mismo afirmando que tiene una nota de reseña de cuatro sobre cinco, algo nunca antes visto. Al mismo tiempo la canción es una carta de cariño en honor de el ex bajista de la banda, Andy Nicholson, que dejó la banda luego de la gira del primer disco debido a no poder soportar la vida pública del éxito, de ahí la frase “cuatro estrellas de cinco” refiriéndose a que la banda nunca estuvo completa sin él y la frase “tómatelo con calma y ven con nosotros que es un viaje agradable” expresándole que siempre será bienvenido a estar con ellos y no es tan mala la vida de famoso.
El segundo single, de nombre homónimo al disco, dura 3:32 y narra las experiencias vividas por los huéspedes del hotel, contando con un estribillo cantado en primera persona desde la piel del recepcionista del hotel.
La primera canción del disco es “Star Treatment”, que dura 05:55 y cuenta cómo es la vida real de las estrellas que son idolatradas por las masas como seres superiores y superficiales cuando realmente son gente con problemas reales y vidas profundas y complejas que ha tenido éxito en lo que se dedica, comparándolas con como las estrellas son maravillas gigantes a millones de años luz de distancia y son reducidas a un punto brillante en el cielo.
El trabajo discográfico logra transmitir esta experiencia “vintage” utilizando combinaciones de sonidos similares a canciones antiguas y referenciando muchas técnicas de los años sesenta y setenta, mostrando un gran nivel de producción y composición por parte de la banda y su equipo, demostrando que la banda está dispuesta a arriesgarse a los cambios además de demostrar que son una de las mejores bandas que el rock moderno tiene para ofrecer.
UNA DE SUS TANTAS OBRAS DE ARTE
Por Juan Tejerina.
"Fuerza Natural" (2009) es el quinto trabajo discográfico de Gustavo Cerati como solista, en donde encontramos reflejada toda su trayectoria como artista. Logra combinar a la perfección la simpleza acústica del folk con la vibración del pop y todo el poder del rock, y a su vez, se suman detalles electrónicos que completan la obra. Considerado por él mismo como su disco más libre, en el que da rienda suelta a su lírica tan elevada y a todo su talento compositivo.
En este disco, Cerati engloba como eje temático el concepto de viaje. No únicamente haciendo referencia a lugares físicos, sino que también a lugares internos, en donde aparecen signos de un enigmático misticismo.
Producido por él mismo y co-producido por Héctor Castillo, la grabación del Álbum contó con la participación de varios músicos como: Leandro Fresco, Fernando Nalé, Fernando Samalea, Gonzalo Córdoba, Richard Coleman, entre otros.
Gustavo, una persona súper talentosa y a la vez obsesiva, que nos regaló gran cantidad de obras imperdibles para cualquier amante de la música.
Artísticamente hablando: "Fuerza Natural" a diferencia de sus discos anteriores, se creó desde el deseo personal y no tanto de la necesidad. La fineza y la sutileza de las guitarras y los arreglos musicales son excepcionales. Acá el artista nos muestra una faceta más alternativa e intimista. Con gran amplitud musical en sus composiciones, cambios radicales de ritmo, modulaciones tonales y letras muy profundas.
En cuanto a lo técnico: es un disco que presenta una calidad de audio excelente, dejándonos apreciar la sonoridad exacta de cada instrumento. Principalmente sobresale su variante acústica, perfectamente aprovechada en una mezcla clara y homogénea. Donde se perciben constantemente detalles muy sutiles que enriquecen y le dan color a toda la obra.
“Avengers Endgame”. El cierre de un ciclo.
Franco Lopez
Luego de 11 años y 22 películas el universo cinematográfico de Marvel llega a su fin. La responsabilidad de cerrar este ciclo recae sobre la última película de la saga “Avengers Endgame” estrenada el 25 de abril de 2019 y fue dirigida por los hermanos Russo.
Endgame tiene lugar después de los sucesos ocurridos en “Avengers Inifinity War”, debido a esto veremos como los súper héroes de Marvel se encuentran desbastados por haber fallado en su misión de proteger al planeta del villano Thanos (Josh Brolin).
Marvel nos tiene acostumbrados a las conexiones entre los superhéroes de su universo. En esta ocasión se cumple la llegada de la aclamada Capitana Marvel protagonizada por Brie Larson, ella es la encargada de rescatar a Tony Stark (Robert Downey Jr) y a Nébula quienes se encontraban en el espacio. Al volver a la tierra los sobrevivientes al chasquido de Thanos deciden reunirse e ir a enfrentarlo nuevamente.
Luego de esto la película nos ambienta en un futuro donde los vengadores no pudieron deshacer las acciones de Thanos. Además se nos muestran nuevas facetas de estos y cómo es el mundo 5 años después y con una población escasa.
Los hermanos Russo supieron dirigir esta película de una manera esplendida, con una duración de más de 3 horas lograron desarrollar la evolución de los distintos héroes frente a lo acontecido dándoles participación a la mayoría de ellos, solo algunos pierden protagonismo pero es debido a los límites de tiempo del cine.
Durante la película los fanáticos experimentarán una montaña rusa de emociones, risas, llanto, emoción, sorpresa e incluso una mística de desconocer el cierre de esta larga historia. Además este film es un guiño constante para los fanáticos tanto de las películas como de los comics con referencias a momentos icónicos. Por otra parte la película no se llegaría a disfrutar en su máximo esplendor si no se conoce la saga debido a que en las anteriores películas dan a conocer los héroes.
El éxito de esta película se ve reflejado en la gran cantidad de ventas de taquillas, que ya logró colocarla como la segunda película con más recaudación de la historia.
Sin duda es una película de gran calibre, producción, ambientación tanto en escenario como musical totalmente adecuada. Avengers Endgame cumple a la perfección su rol de cierre de este universo, o al menos de una parte de él…
Ficha técnica:
Título: Avengers: Engame
Año: 2019
Duración: 181 min
Dirección: Anthony Russo, Joe Russo
Productora: Marvel Studios
Género: Ciencia ficción, superhéroes, comics.
Reparto: Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Don Cheadle, Paul Rudd, Brie Larson.
“Pitch Perfect”
Por Guadalupe Goñi
La historia gira en torno a Beca (Anna Kendrick), una estudiante del primer año de la Universidad Barden. Su gran sueño es ser DJ profesional pero su padre la convence a probar un año estudiando en la universidad, alentándola a la misma vez, a integrarse a algún grupo. Es así como Beca decide unirse a las Barden Bellas, el grupo femenino de canto a capella. Estas vienen de un año de malas experiencias compitiendo internacionalmente y están en desesperación de formar un grupo con voces y talentos nuevos. Pero el grupo formado no será el esperado, sus distintas personalidades se irán entremezclando, para bien o para mal. Y deberán juntar esfuerzos o rendirse ante sus eternos enemigos, los Treblemakers, grupo masculino de canto a capela. Al mismo tiempo, Beca se ve inmersa en medio de sentimientos románticos que surgen entre ella y Jesse (Skylar Astin), un Treblemaker.
La película combina música con mucho humor. La caracterización de muchos de los personajes alienta también a esta mezcla. Nos encontramos con “la gorda Amy” (Rebel Wilson), con una personalidad totalmente desenfadada y exagerada; que hace todo lo posible por evitar la actividad física y destacar con su aguda voz. También está Stacey (Alexis Knapp), adicta a las relaciones sexuales; su exageración constante en los gestos sexuales al cantar provocan carcajadas en el público. Cynthia-Rose es otro personaje cómico: no puede ocultar su homosexualidad y la demuestra en variedad de situaciones con sus compañeras de canto. Otro ejemplo es el de Lilly Onakuramara, una chica que habla demasiado bajo para ser escuchada pero dice frases tenebrosas como “¿quieren ver un cadáver?”. Sin duda Aubrey (Anna Camp) entra en esta categoría; ya en los primeros minutos de la película sorprende con un súper-vómito.
Dentro de los personajes masculinos nos encontramos con Bumper (Adam DeVine), quien no deja de alardear de su talento menospreciando, a la vez, a aquellos que cree “nerds” o a las mismas Barden Bellas. También con Benji (Ben Platt), un “freak” obsesionado con Star Wars y la magia.
Los dos presentadores de las competencias, que a la vez actúan de comentaristas, son otra fuente de risas. Su obvia tensión sexual, sumados a comentarios nefastos acerca de las presentaciones tales como “este número es como un pedo de elefante en la cara del público” aportan a ese ingrediente cómico que se desarrolla a lo largo del filme.
Respecto a la musicalización, es muy variada: con clásicos como Don’t You (Forget About Me), de Billy Idol, Turn the Beat Around de Gloria Estefan y Like a Virgin, de Madonna; y canciones más modernas como Titanium, de David Guetta, Party in the USA, de Miley Cyrus, Just the Way You Are de Bruno Mars y Price Tag de Jessie J. También Becca canta un tema propio, When I’m Gone, ayudándose con sólo un vaso como instrumento musical.
El canto a capela consiste en interpretar canciones, es decir la letra y la melodía, usando únicamente la voz. Y en esto cabe resaltar que todos y cada uno de los protagonistas y actores que en la película participaban en estos grupos, realmente son cantantes, algunos incluso profesionales en éste área. En ningún momento se utilizaron instrumentos musicales o arreglos de las voces.
Título: Pitch Perfect
Dirección: Jason Moore
Protagonistas: Anna Kendrick, Skylar Astin, Ben Platt, Brittany Snow, Anna Camp.
País: Estados Unidos
Año: 2012
Género: Comedia, música.
Duración: 112 min.
Idioma: Inglés.
De regreso a “oktubre”.
Lautaro Torres
Oktubre es el segundo CD de estudio de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Fue lanzado en 1986 por el sello discográfico Wormo. El álbum se caracteriza por un sonido que incorporó influencias del new wave y el post punk (lo cual significó un cambio con respecto a su álbum anterior, Gulp), y por su narrativa con elementos políticos de la época tanto local como internacional .El arte de tapa, diseñado por el artista plástico Rocambole, está inspirado en la Revolución rusa de 1917. En 2007, la revista Rolling Stone Argentina situó a Oktubre en el puesto nro. 4 en su lista de Los 100 mejores álbumes del rock argentino.
Oktubre probablemente sea el disco más conocido por los fans ricoteros, pero eso no significa que sea el mejor .El álbum es una interpretación estética de la época y funciona bárbaro como obra histórica conceptual. En cuanto a letras se refiere esta tenido de negatividad y critica, sin embargo al estar acompañadas por excelentes melodías, contenidas principalmente en la guitarra de Skay, que le regala a la audiencia solos excepcionales y riffs penetrantes como los de “Ya nadie va a escuchar tu remera”, “música Para Pastillas” y “JiJiJi “(Que será recordada para siempre como la canción que ambientaliza el pogo más grande del universo) hacen que el disco tenga una atmosfera oscura y súper rockera al mismo tiempo. Oktubre será recordado para siempre como el trabajo que le dio la fama a Los Redondos pero en mi opinión musicalmente está muy por debajo de los siguiente 3 CD de la banda (Un Baión Para el Ojo Idiota, ¡Bang! ¡Bang! Estás liquidado y La mosca y la sopa) a mi creteri cuenta con 3 de los mejores 10 temas de los redonditos (Ya nadie va a escuchar tu remera”, “música Para Pastillas” y “JiJiJi).
Oktubre
01. FUEGOS DE OCTUBRE
02. PRESO EN MI CIUDAD
03. MÚSICA PARA PASTILLAS
04. SEMEN UP
05. DIVINA TV FÜHRER
06. MOTOR PSICO
07. JIJIJI
08. CANCIÓN PARA NAUFRAGIOS
09. YA NADIE VA A ESCUCHAR TU REMERA
Patricio Rey y sus redonditos de ricota
Año: 1986
Estudios Panda, Argentina, Buenos Aires.
Duración: 41 m
Integrantes: Carlos “Indio” Solari: Voz. Eduardo” Skay” Beilinson: Guitarra.
Daniel Fernando "Semilla" Bucciarelli: Bajo. Tito «Fargo» D´Aviero: guitarra
Willy Crook: saxo. Juan «Piojo» Ábalos: Batería.
Mi obra maestra
Lara Ducamp
La película nos muestra en un pintoresco recorte parte de la realidad que viven algunas personas que dedican su vida al arte, como el personaje de Renzo llevado a cabo por el actor Luis Brandoni.
En ese ahondar de la vida de un artista inconformista valoriza, con criterios que van más allá de la ética, el valor que puede tener una amistad a través del tiempo.
Guillermo Francella en el personaje de Arturo, un galerista con pocos escrúpulos, que intenta ayudar a su amigo Renzo, quien cuando tiene la oportunidad de cortar su mala racha y poder vender por encargue, con su carácter típico realiza una broma en lugar de la obra pedida, desterrando esa oportunidad que le hubiera dado la posibilidad de poder pagar parte de los gastos básicos de su vida.
Con un toque de humor negro y traspasando algunos valores morales, la película resalta el verdadero valor de la amistad, esa que puede vencer diferencias, barreras y escollos para perdurar en el tiempo.
Esta película sea quizás, para los argentinos la verdadera obra maestra del culto que día tras día rinden a la amistad.
Título original Mi obra maestra
Año 2018
Duración 100 minutos
Dirección Gastón Duprat
Reparto Guillermo Francella, Luis Brandoni, Raúl Arévalo,
Por Agustín Ferrara
En el año 2046 en la instalación espacial ubicada en Marte, Olduvai, se comunica sobre un problema que requiere de cuarentena, aislando a todos los que trabajan allí.
Tras cancelar las vacaciones, un grupo de 8 marines son enviados a investigar la situación liderados por Sarge (Dwayne Johnson), pese a que “Ripper” (Karl Urban) tiene el permiso de no alistarse debido a un trauma de la infancia por la pérdida de sus padres en dicha estación decide unirse al grupo.
En Olduvai los reciben el técnico Pinky (Dexter Fletcher) y la doctora Samantha (Rosamund Pink) –hermana del soldado “Ripper”- quienes les explican la situación y les hacen oír la única grabación donde se oyen gritos en el lugar del incidente. Una vez adentrados con la orden de “eliminar la amenaza, asegurar la instalación y recuperar las propiedades de UAC (Unión Aerospace Corporation)” creen que todo parece más sencillo de lo que en realidad sería, pero para su mal, se adentraron en un infierno.
La película basada en un videojuego de nombre homónimo obtiene una gran adaptación al cine del juego.
La trama por momentos se torna intensa, con momentos violentos y sangrientos, poco humor pero acción a montones que, para los apasionados del cine de acción mezclado con terror es una película muy buena. La actuaciones son muy notables, un elenco que interpreta muy bien sus respectivos roles y con escenas verdaderamente impresionantes.
Lo sonoro es bastante aceptable y se adapta perfecto al drama de algunos momentos, lo más negativo es, en cierto punto, que se dirige a un público limitado y por ello algunas personas despreciaron este film que está muy bien logrado.
Random, Charly García.
Agostina Alvarez.
Random, el último álbum del rockero argentino Charly García lanzado en 2017 fue sorprendente para todos, ya que en el año anterior pasó por dos internaciones preocupando a todos sus fans.
En el lanzamiento de su corte de difusión “La máquina de ser feliz” en los primeros días de febrero de 2017 sabíamos que algo bueno se venía, no podía dejarnos con una canción nada más. Random, publicado el 24 de febrero de 2017, es el número 13 desde que Charly está de solista, el séptimo desde que compone para Sony Music y el primero desde que salió de rehabilitación (2008) Justamente por eso, con este trabajo dijimos: ¡Volvió Charly!.
Contiene 10 canciones: “La máquina de ser feliz”; “Ella es tan Kubrick”; “Primavera”; ”Rivalidad”; “Otro”; ”Lluvia”; “Believe”;”Amigos de Dios”; “Spector” y “Mundo B”. Luego de mucho tiempo Charly vuelve a realizar él mismo el disco íntegro, desde las letras, las composiciones y hasta la tapa; y todas están conectadas por el paso del tiempo de su carrera, desde su niñez hasta los días de más excesos.
Mezcló su rock and roll que lo caracterizó siempre pero con un poco de modernidad, sonidos electrónicos que hacen las melodías pegajosas, siempre auto-refenciadas e irónicas. Luego de Kill Gil (2010, su ante último disco presentado, aunque él estaba en rehabilitación, el disco ya se encontraba grabado) donde sus canciones tenían un espíritu melancólico, con éste nuevo volvió a sus letras contestatarias, criticando todo lo que ve. Como lo expresa en la canción “Los amigos de Dios” donde una parte de la letra dice: “es media noche en la televisión, cuando uno quiere algo de diversión, con maquillaje sin disfraz, aparecen los amigos de Dios” y casi al final canta: “toda esta mierda sucedió el día que Tinelli nació”. Excelente critica, un programa de televisión que se instala en la vida de todos, donde esos todos lo miran y aplauden con los ojos cerrados, sin ver realmente lo que muestra. “[..] todos se esconden bajo de un telón [..]”.
En la expresión ¡volvió Charly! ahí estábamos todos, nos hizo disfrutar nuevamente de su música que tanto extrañábamos, nos hizo parte de su vida y nos compartió su rock.
Charly es rock and roll.
El Silencio
Por Nicolás Conti
El silencio, la nueva apuesta de Netflix. Un título que recuerda a bird box (A Ciegas). Está película de terror/suspenso comienza cuando unos investigadores rompen una cripta que dentro contenía unas criaturas que son liberadas.
Luego de este video de introducción el film arranca con una joven llamada Ally Andrews de 16 años, que perdió la audición a los 13 en un accidente automovilístico y es importante ya que las criaturas se guían por el sonido. La familia de ella, el mejor amigo del padre y la abuela lucharán para sobrevivir tanto de las criaturas como de otro ente maligno que quiere adueñarse de los sentidos de la joven.
La película al comienzo no atrapa del todo, si bien el sonido, sobre todo en las partes en que nos quieren hacer entender que la chica es sorda está bien lograda. El punto más débil es la trama, si bien estos “demonios” solo pueden oírlos es algo similar a lo que pasa en Bird Box, donde los actores no pueden abrir los ojos. Se les saca uno de los 6 sentidos para ver cómo logran sobrevivir con esto. A su vez se repiten escenas en ambas películas, como lo muestra en el tráiler, la familia se encuentra en el auto haciendo silencio mientras que en “A Ciegas” sobreviven tapándose sus ojos, además de repetir escenarios como el del bosque.
Otro punto en contra es que cuando comienza la catástrofe, tienen señal, luz e internet, lo que genera un gran impacto a la hora de pensar “está muriendo todo el mundo y podes mandar mensajes de texto”.
Si no viste Bird Box y vez primero El Silencio, sin dudas después cuando veas la primera te darás cuenta que es una copia, nada más que cambia el sentido humano que se pierde.
Ficha Técnica
Dirección: John R. Leonetti.
Basada en: The Silence de tim Lebbon.
Música: Tomandandy.
Montaje: Michele Conroy.
Protagonistas: Kirnan Shipka; Stanley Tucci; Miranda Otto; John Corbett.
The Phantom of the Opera
Por Solange Anconetani
La trama de la película se basa en un triángulo amoroso— ambientado en París, en 1870— entre Christine Daaé (Emmy Rossum), Vizconde D´ Chagny “Raoul” (Patrick Wilson), y el fantasma “Erik” (Gerard Butler) siendo el punto de conflicto la decisión de Christine sobre a quién de sus dos enamorados escoger y las consecuencias a partir de ello.
El film es una joya para el género musical del cine. Este clásico tragi-romántico es lo ideal para aquellos que se quejan del patrón comúnmente establecido en las películas románticas. La misma está muy bien desarrollada, obviamente teniendo puntos fuertes y débiles, pero, pisa fuerte en el terreno musical. Se nota en gran medida como Andrew Lloyd Webber esta presente durante la filmación de la misma, queriendo que los números musicales igualen a su obra teatral. El director Schumacher decidió ser muy fiel a la creación de Webber, no hubo casi diferencias entre película y teatro.
El fantasma (Gerard Butler) se gana el corazón del público al tener ese aire misterioso que produce curiosidad, también es romántico, sensual y acomplejado haciendo que, cuando uno conoce la verdad sobre él, sienta una gran empatía. No importa cuántas veces aparezca este emblemático hombre, uno disfruta cuando él ingresa a la toma. Todas ellas son espectaculares, pero, las más destacables son en los números musicales: “The Phantom of the Opera” y “The Point of No Return”.
Sus compañeros protagonistas, Christine Daaé ( Emmy Rossum) y Raoul Chagny (Patrick Wilson), también se ganan la atención del público mostrando el romance ideal— teniendo ambos una conexión desde la infancia— pero, sufrido porque hay alguien que les impide llegar a esa felicidad total: el fantasma (Gerard Butler), quien, a pesar de no ser elegido por la protagonista, despierta en ella otras sensaciones y emociones que ni el mismo Raoul puede hacer, ya que su amor con ella es totalmente inocente. Su más emblemático número musical es “All I Ask of You”.
En conclusión, es una excelente película para verla con tranquilidad y disfrutarla al máximo. Todos los personajes presentados no dejan que desear y la escenografía es magnífica, por ello cada uno de estos puntos hace que, mientras se está viendo el largometraje, la vista no se vaya de la pantalla.
Ficha Técnica
Año: 2004.
Duración: 143 min.
País: Estados Unidos Estados Unidos.
Dirección: Joel Schumacher.
Guion: Andrew Lloyd Webber, Joel Schumacher (Obra: Andrew Lloyd Webber. Novela: Gaston Leroux).
Música: Andrew Lloyd Webber.
Reparto: Gerard Butler, Emmy Rossum, Minnie Driver, Patrick Wilson
Productora: Warner Bros. Pictures / Odyssey Entertainment.
Género: Musical. Romance | Siglo XIX. Ópera.
“Acido Argentino” Disco de la banda Hermética
Por Franco Vega.
Hay bandas que nacieron para ser grandes y Hermética es un ejemplo claro de este fenómeno.
Después de tener un gran debut, la banda liderada por Ricardo Iorio se tomaría el atrevimiento de sacarse debajo de la manga lo que se transformaría en lo que se considera como el mejor álbum de metal argentino. Para ponerlo en contexto es como si uno tuviese que elegir un álbum por cada país y en ese caso Argentina sería representado por este, así de grande se representa a este álbum.
La producción de este disco estuvo a cargo de Radio Trípoli así como en su trabajo anterior, pero esta vez con la salida del baterista Tony Scotto de la banda y entraría como nuevo refuerzo Claudio Strunz, músico con una técnica bastante más notable que el anterior, lo cual otorgó a la banda más dinámica en los arreglos de base rítmica logrando una gran mejora en este aspecto. Pero eso no es todo, la producción es muy interesante, con un sonido en la guitarra poderoso y ultra cortante dando un efecto sonoro violento pero muy placentero al oído.
Pero en esto, no solo la producción es importante ya que las letras que contienen todas las canciones son impresionantes. Uno puede tranquilamente escuchar este disco simplemente siguiendo las letras y ya se le ponen los pelos de punta. Para entender esto como ejemplo podemos tomar a la canción
“MEMORIA DE SIGLOS”
"En lo que digo nadie se engaña
Nos libramos del vencido…
Todos barremos con saña, a los ídolos caidos!! […]
La culpa ajena es barata, regalarla no nos cuesta!!!
Pero retomando por partes. Al tomar el álbum en nuestras manos vemos una portada singular, en la que aparecen imágenes de cosas como el famoso Tío Sam, aborígenes, manos que con solo verlas se te viene a la mente una sola palabra, corrupción. En fin, un poco de las cosas que habla este disco es sobre la clase trabajadora. Luego de ver el disco y colocarlo en donde sea que lo escuchemos, empezará a sonar un violento Riff a cargo del Tano que abre el viaje y ya no hay vuelta atrás. “Robo Un Auto” azota como un látigo de Metal furioso el cual cobija dentro de sí una melodía fantástica, conteniendo una potencia y una furia estruendosa y súper poderosa, y el solo de este tema es otra maravilla como en todas las canciones. Porque claro como debe ser, en este disco los solos son un espectáculo aparte y es donde el señor Antonio Romano entraría para siempre en todos los corazones de cada metalero argentino que oye por enésima vez esta obra maestra y no puede evitar sentir la emoción en cada nota del “Tano”.
El disco continua por el mismo camino, este álbum es especialmente un trabajo muy sentimental que se basa en escuchar y dejarse llevar, es un trabajo hecho con el alma y con todas las ganas. El sentimiento y pasión le chorrea por todos lados, son esos álbumes que uno oye y siente como si pudiese conectar con cada músico por separado, es una sensación espectacular
Aquí aparece el poeta en todo su esplendor, claro hablando de Ricardo Iorio Y es que el trabajo aquí ya de plano no es bueno, sino que deja sin palabras luego de entender las letras. Simplemente aquí el tipo la descose completa escribiéndose letras sencillas pero que logran transmitir a la perfección lo que se trata de decir. Si vamos a algunos casos tenemos por ejemplo:
*La realista pintura urbana de “En las Calles de Liniers”
*La lucha aborigen expresada con mucha precisión en “La Revancha de América”
*La emocionante despedida de un hermano/amigo en “Atravesando Todo Limite”
*El sentimiento Metalero de “Evitando el Ablande” y de la espléndida “Vientos de Poder”…
Y así se puede seguir por horas, También por supuesto hay que darle el mérito que se merece el señor O’connor, que canta con una furia y un sentimiento que rebosa los límites de lo común, teniendo una performance igual de legendaria como histórica, sino escúchenlo en partes como cuando grita HERMANO MIOOOOOOO!!! En “Atravesando todo Limite”, si eso no es sentimiento. No sé qué puede ser.
Una fantasía que se hizo leyenda
Por Alejandro Silva
1997 fue un año revelación para el mundo jugabilístico. La consola PlayStation de Sony avanzaba a pasos agigantados y se consolidaba como fuerte competidor de otras marcas establecidas como Sega o Nintendo. Y alcanzó su máximo esplendor tanto en calidad de juego como en potencia de motor gráfico cuando Squaresoft (hoy Square Enix) lanzó al mercado las primeras copias de lo que llamaron Final Fantasy VII. La saga de rpg (role playing game, o juego de rol), que ya contaba con seis títulos previos, dio su salto de calidad del 2D al 3D con esta última entrega y sorprendió tanto a propios y extraños.
Final Fantasy VII nos introduce en la historia de Cloud Strife, un ex soldado de la compañía energética Shin Ra, el cual se da cuenta del mal uso que ésta tiene con los recursos del planeta y se revela en contra de las personas que alguna vez fueron sus compañeros de trabajo. Cloud se unirá al grupo terrorista Avalanche y junto con ellos iniciará ataques a la ciudad de Midgar, donde se encuentra la compañía Shin Ra, para terminar con el dominio energético de unos pocos.
El juego posee como características principales el ser el primer Final Fantasy llevado al 3D, tanto para los personajes como para los ambientes en los que se desenvuelven. Un sinfín de escenarios esperan a todo aquel que se adentre en la historia, tanto dentro como fuera de la ciudad principal, así como también un mundo amplio y lleno de enemigos a cada esquina. La entrega combina música de aventura con sonidos propios, todo orquestado por el reconocido Nobuo Uematsu.
Un videojuego altamente recomendado para todo aquel fanático de los clásicos, los rpg y esos juegos en los cuales podes invertir horas y horas y aun así no habrás completado ni el 10% de todo lo que la experiencia tiene para ofrecer. Un título obligatorio para la “biblioteca gamer”, que tendrá su remake este año y que se espera transmita la misma sensación de aventura y heroísmo que su material original.
Ficha técnica
Nombre original: Final Fantasy VII
Desarrolladora: Squaresoft (Japón)
Director: Yoshinori Kitase
Año: 1997
Género: RPG, aventura
Clasificación: T (adolescentes)
Plataformas: PlayStation, PC, Steam, XboX
Los videojuegos atacan
Por Mauro Esquivel
Pixeles es una película dirigida por Chris Columbus lanzada en el año 2015. Cuenta con la famosa actuación de Adam Sandler y Kevin James que siempre realizan sus trabajos juntos. Esta comedia mezclada con ciencia ficción no tiene clara su identidad ni a qué público quiere llegar, es una película que hace recordar a la infancia de muchos cuando se pasaban tiempos disfrutando de las consolas viejas como el family y el sega.
Pixeles se articula como un videojuego cinematográfico planteado en torno a tres fases, a tres enfrentamientos con tres excelentes juegos: el Centipede, Pac-Man y Donkey Kong. Tres escenas muy dinámicas en las que Chris Columbus demuestra que sigue en plena forma y que suponen lo mejor de la función.
La trama de dicho film cuenta que, unos extraterrestres malinterpretan las imágenes de estas consolas en 1982 y piensan que son una amenaza para ellos y deciden atacar al planeta Tierra, usando los modelos de los videojuegos como tripulación para realizar el ataque. Ahí es donde el presidente de los Estados Unidos, Will Cooper (Kevin James), decide hacer algo al respecto y lo que hace es contactar a su gran amigo de la infancia, Sam Brenner (Adam Sandler), el cual era el campeón de las consolas de los videojuegos en los años 80. Actualmente el trabajo de Sam era el de instalador de sistemas en home cinema, pero luego encabezaría un grupo de expertos jugadores para la guerra.
El problema principal de esta entretenida película es Adam Sandler, este actor está tan pasivo que cualquiera hubiera podido hacer mejor su papel. La acción se centra en Adam y la película tarda demasiado en entrar en lo importante y se torna aburrida en algunos momentos, más que el actor genera una sensación de cansancio y molesta.
Como dijimos antes esta película apela a tu nostalgia, a aquellos maravillosos momentos de la década del 80/90 en donde estos juegos eran todo una moda y novedad en el cual la gente se la pasaba jugando.
A partir de ahí no es que la película sea una maravilla, pero por lo menos es más dinámica, con otra velocidad. Los efectos especiales de los extraterrestres en forma de videojuegos están muy bien hechos que se supone que es lo más importante que se tiene que mostrar en este film.
Para cerrar, en mi opinión, a la película le pongo un 8 sobre 10, los dos puntos que le faltan son por algunas actuaciones de los personajes, a mí gusto, como Sandler que ya noto que no tiene muchas ganas de actuar y sus películas podrían ser mejores si lo haría otro actor.
Ficha técnica.
Título: Pixeles
Director: Chris Columbus
Actores: Adam Sandler, Kevin James Michelle Monaghan.
Género: Comedia, fantasía, ciencia ficción
Duración: 150 minutos.
Un remake especial, pero sin magia.
Por Santiago Robbio
Dumbo es el remake del clásico animado de Disney de mismo
nombre estrenado en 2019 y dirigido por Tim Burton. La trama narra cómo un
elefante llamado Dumbo, nacido en un circo de los años 40, es utilizado como
animal de mofa en los shows por sus enormes orejas hasta que Joe (Finley
Hobbins) y Milly Farrier (Nico Parker) junto con su padre (Colin Farrell), los
encargados en cuidarlo, descubren que el pequeño animal puede volar.
Como cualquier película dirigida por el aclamado director
Tim Burton, Dumbo es estéticamente preciosa, con colores obscuros, pero con
resaltados vibrantes, presenta un contraste entre los escenarios que tan
característicos han sido en su carrera. Danny DeVito, quien interpreta al
director del circo Max Medici y Eva Green, quien le da vida a la francesa
Colette Marchant, llevan a cabo las actuaciones más destacables del film
mientras que otros actores de gran calibre, como Michael Keaton o Colin
Farrell, dejan bastante que desear con actuaciones carentes de sentido y que se
sienten vacías. Los niños por su parte tampoco demuestran grandes capacidades actorales,
pero, siendo tan pequeños y actuando por primera en cine, cumplen con su papel
de manera esperable sin destacarse pero tampoco trayendo inconvenientes a la
trama.
El mayor problema de la película y la razón contraria por
la cual la versión animada de 1941 se mantiene hoy en día como uno de los
clásicos más importantes de Disney, es que Dumbo, al ser caracterizado como un
animal real sin capacidad de hablar, pierde protagonismo de manera
significativa, siendo relegado a un elemento que utiliza la trama para avanzar
y darle foco a lo que es el desarrollo de los personajes humanos y sus
conflictos personales.
Es por esto que Dumbo de 2019 es una película buena y
disfrutable, pero falla en pasar a la posteridad como lo hizo su predecesora,
demostrando una vez que la ola de relanzamientos de acción real o hechas por
computadora de Disney buscan tan solo captar la esencia que dio vida y magia a
sus películas animadas tantos años atrás.
Título: Dumbo
Director: Tim Burton
Actores: Colin Farrell, Michael Keaton, Danny DeVitto
Género: Fantasía, Infantil, Aventura.
Defendiendo su propia causa perdida
Damián Baumgartner
Agarrate Catalina volvió a participar del carnaval
oficial 2019, la última vez fue en el 2015, donde quedó afuera en las pruebas
de admisión. Este año el espectáculo se denomina “Defensores de causas
perdidas”, los murguistas se reúnen en un club a polemizar, defendiendo cosas
que ya nadie defiende, la gran mayoría imposible de defender y ese es el hilo
conductor del cual derivan los cuplés. Los arreglos corales son de Tabaré
Cardozo, al igual que los textos, compartido con su hermano Yamandu Cardozo. El
vestuario estuvo a cargo de Paula Villalba.
El show comienza con un saludo, que, si bien no es el
mejor de la murga, tampoco es malo, es bueno para el oído. Y desde la primera
nota se hace inevitable la comparación con ellos mismos. La murga de los
Cardozo tenía la vara muy alta, había generado tanta expectativa entre el
público carnavalero, que iba a ser difícil cumplirla.
La función sigue adelante con el salpicón. En mi opinión
lo mejor del show, ya que le dan un toque humorístico, transformándolo de
alguna manera en un cuplé, “de su propia medicina, criticado el criticón”. Algo
que caracteriza a esta murga, es que siempre están innovando, buscando cosas
nuevas y mezclar un popurrí con un cuplé es una muestra de esto.
Punto aparte para el vestuario. El mejor de este carnaval
y ganador a la mención “mejor vestuario de murga” y “mejor vestuario de
carnaval”. Una propuesta muy bien realizada, con mucho colorido y brillo.
La nueva causa perdida con la que sigue desarrollándose
el show, es la lucha de clases. Un cuplé bastante interesante donde muestran la
brecha entre burgueses y el proletariado. Esto termina con una canción sobre la
grieta que nos separa por ser de un equipo o de otro, por ser de un partido
político o de otro, o por el simple hecho de pensar distinto. En este punto
deja una reflexión a la gente.
Los arreglos corales a cargo de Tabaré Cardozo no tienen
puntos flojos en ningún momento. Si algo se puede destacar de “La Catalina” es
la variedad de voces que tiene, todas de muy buena categoría. El más destacado
y, hasta en algún punto por demás, fue “el zurdo” Bessio, teniendo muchas más
participaciones en el saludo y en el final.
La retirada, en esta ocasión, es un homenaje a las murgas
de La Teja, barrio cuna de Agarrate Catalina. Una retirada agradable pero no
llega a parecerse a históricas despedidas como “El viaje” o “El fin del mundo”.
Una vez más volvemos a caer en la comparación con años anteriores, lo que
terminó perjudicando de alguna manera su actuación este año.
En aspectos generales fue una buena actuación, pero no
terminó de cumplir las expectativas. Poca critica (ya sea con humor o directa),
no hubo momentos de explosión, y el público esperaba algo más. Algún cuplé más
original o mucho más humor de parte de la murga.
Es un espectáculo de esos que mientras más lo miras, le
vas encontrando más sentido y te puede gustar cada vez más, aunque llegaría un
punto en que no lo volverías a mirar.
En mi opinión, redondeo una actuación de 7 puntos sobre
10. Aprobada, buena, pero no con la altura de quedarse con el primer puesto en
este carnaval.
A prueba de fuego
Por Vanesa F
Es una película cristiana estadounidense de drama, dirigida por Alex Kendric y protagonizado por Kirk Cameron y Erick Bethea.
Trata de un joven bombero que tras una valiente acción se convierte en un héroe para toda la ciudad y pasa sin embargo por una grave crisis matrimonial, ya que
han pasados los años y no funciona muy bien la pareja o al menos eso cree Catherine que es la esposa de Keiler.
Después de varias peleas Catherine decide pedirle el divorcio a Keiler y éste acepta en un principio, hasta que su padre que es cristiano le habla de las cosas de Dios y le da un libro que se llama “Un día a la vez” .Ése libro sirve para darle consejos a Keiler de cómo debe de tratar a su esposa, brindándole amor, tenerle paciencia entre otras cosas.
A pesar de los esfuerzos de Keiler por llevarse en paz con su esposa, ella no le cree nada y piensa que él lo hace porque quiere quedarse con todo en la pelea del divorcio.
El director de esta película, es el mismo de los creadores de la película “Facing the Giants” (Desafiando a los gigantes) y vuelven a conseguir otro sorprendente éxito de taquilla.
Con un presupuesto estimado apenas de 100.000 dólares, recaudó 10 millones y se puso en su primera semana en el 4° puesto del box office americano recaudando 6,5 millones con este drama romántico protagonizado por Kirl Cameron, conocido por la serie “ Los problemas crecen”.
Califico la película como muy buena por la calidad cinematográfica. Ya que no solo se invirtieron millones en efectos especiales sino porque el producto final se ve espectacular. Vale destacar, que esos efectos están a la altura de ese súper héroe que protagoniza el personaje principal de reparto y deben estar a nivel del mismo.
También encontraremos impactantes escenas en la actuación, está muy bien narrada, buenos argumentos, ideas y la combinación casi perfecta en lo que se refiere a la sonorización. Precisa y justa a cada momento.
Por último es importante señalar, que en este discurso fílmico se ve el interés por los valores morales, se observan mensajes positivos y de conciliación.
Ficha técnica:
Director: Alex Kendrick
Actores: Kirl Cameron,Erin Bethea, Ken Bevel, Alex Kendrick, Bailey Cave, Harris Malcom.
Género: Romance.Drama
El álbum que revolucionó el movimiento urbano
Por Matías Soria
Se cumplen 15 años del disco “Barrio Fino” lanzado por el artista puertorriqueño Daddy Yankee, el cual lo catapultó a la fama a nivel mundial. Con más de 10 millones de copias vendidas y digitalmente 15 millones de descargas, es el álbum que puso en boca de todos el “reggaetón.”
Los temas “Puerto Rico Activao” y “Castigalos” fueron los sencillos promocionales para el disco, lanzados en 2003. A fines de ese mismo año, comenzó una gira mundial para la promoción del CD, pasando desde República Dominicana hasta Estados Unidos en el “Madison Square Garden.”
Producido por Raymond Ayala (quien canta), los DJ´s Luny Tunes, Urba & Monserrate, Eliel, entre otros, en 2004 fue sacado mundialmente por el sello discográfico El Cartel Records y VI Music y contó con la distribución de Machete Music y Universal Music Group.
Canciones como “Gasolina” o “Lo que pasó, pasó” fueron designados como “himnos” de este género ya que, gracias a ellas, el disco logró la tan inesperada fama.
Tal es así que la primera tuvo 4 nominaciones (Grabación del año por los Grammy Latinos, “La más pegajosa” por los Premios Juventud, Premio MTV 2 por MTV Video Music Awards y Mejor video de Reggae por MTV Video Music Awards Japón) y obtuvo uno de esos; mientras que la segunda ganó el premio a Canción urbana del año otorgado por Premios Lo Nuestro.
Volviendo al disco, se llevó premios a Mejor álbum urbano (Grammy Latinos), Álbum urbano del año (Premios Lo Nuestro) y Mejor álbum de reggaetón (Latin Billboards). La Cámara Argentina de Productores de Fonogramas y Videogramas, la Asociación Mexicana de Productores de Fonogramas y Videogramas, A.C. y la Recording Industry Association of America (Estados Unidos) certificaron el CD con varios discos de Oro, Platino y Diamante.
Pero no todas son canciones “que te hacen bailar” en Barrio Fino: temas como “Corazones” o “Salud y Vida” tienen una temática o referencia tanto política y social como de protesta porque hablan de la maldad que existe en la sociedad, donde siempre se busca el bien de uno mismo perjudicando al otro.
También, las letras de los temas “No me dejes solo”, “El empuje” y la ya mencionada “Gasolina” son fuertes y se prestan para una doble interpretación a primera vista. Esta última fue la más criticada por su contenido sexual, pero el mismo Daddy Yankee fue quien dijo que no era así, que trata de una mujer a la que le gusta salir a bailar. No todo fue rosas para este disco…
Es un álbum que logró captar la atención de muchos, tal vez de gente a la que no le gustaba el reggaetón y luego de Barrio Fino cambió de parecer. Si nunca lo escuchaste, si solo conoces sus principales temas, o si te gusta este género, te recomiendo que lo escuches y retrocedas 15 años de tu vida.
Uno para uno y todos para todos
Por Evangelina de la Cal
El gerente de una empresa sale de su despacho con una urna llena de papeles en sus manos, y le dice a sus empleados que vayan a la sala de reuniones para hablar de algo importante. Una vez allí hace un relevamiento expresando su conformidad acerca de que en 11 años la empresa sólo creció. Ningún empleado renunció ni murió. Entonces propone un sorteo, quien salga sorteado va a morir.
“Democracia” tiene una perfecta utilización del lenguaje audiovisual. El montaje y los planos mostrando la totalidad, haciendo referencia a la sociedad. Es capaz de llevar al espectador por las dos perspectivas fuertemente marcadas.
El guión plantea una temática radical y la expresión de los actores la aborda desde lo absurdo. Además tiene una utilización fascinante de la música, mantiene la expectativa y concentración hasta último minuto.
El cortometraje se burla de los métodos “democráticos”, haciendo razonar acerca de la honestidad y la importancia del trabajo en conjunto, mostrando el individualismo extremo con la intención de perjudicar al otro con tal de sacar ventaja.
Siempre es interesante ver cortometrajes. No lleva mucho tiempo y presentan temáticas de interés social con gran profundidad, haciendo juicio de valor implícitamente e invitando a la libre interpretación; también suelen tener un trabajo de preproducción meticuloso notable y perfectamente llevado a cabo. En este caso, recomiendo Democracia porque se asemeja a las relaciones que se establecen, aunque de forma exagerada, en cualquier lugar y a cualquier escala: trabajo, familia, escuela, gobierno, etc.
Cortometraje: Democracia
Género: Comedia
Duración: 11 minutos
Reparto: Óscar Ladoire, Luis Bermejo
Música: Aránzazu Calleja
Director: Borja Cobeaga
Año: 2013
Deadpool 2
Por Rebeca Casal
Deadpool es una película de comedia cinematográfica estrenada el pasado 18 de Mayo. Esta misma fue dirigida por David Leitch y producida por Lauren Shuler Donner, Simon Kinberg, Ryan Reynolds.
La trama cuenta la historia Wade Wilson (Ryan Reynolds) quien se ha convertido en un mercenario que trabaja alrededor del mundo, matando a varios criminales bajo el apodo de Deadpool. Después de fallar en matar al líder del cartel de drogas en Nueva York, Wilson regresa a su hogar con su novia Vanessa Carlysle (Morena Baccarin), para celebrar su aniversario. Más tarde, esa noche, el principal vendedor de las drogas ataca su casa y asesina a Vanessa. Wilson lo persigue a través de las calles y lo alcanza antes de ser golpeados por un camión que mata a este traficante.
Desde sus primeros avances, hasta en sus posters se pudo ver que la película tuvo la intención de seguir con su tono humorístico. Esta vez el personaje principal demuestra una mayor necesidad en hacer un equipo de acción y un lado mercenario más humanístico, aunque esto pareciera difícil de creer para quienes vieron los comienzos de Deadpool.
Se puede analizar que esta película está dirigida al mundo de los comics. Sin embargo también se pueden escuchar en ella chistes referidos a otras películas, a la televisión, sobre política y hasta escenas con humor que involucran a la música, dándole un toque más cómico.
Cabe destacar la actuación de Ryan Reynolds, donde sus gestos van acompañados de su arsenal verbal riéndose de lo que va ocurriendo en la aventura y rompiendo la cuarta pared para dirigirse al público en escenas determinadas, con un gran efecto en la mayoría de sus chistes.
En un par de actuaciones Deadpool bromea sobre la pereza creativa del guion, siendo esta una gran estrategia de los productores para demostrar la unión de esta trama. Si la anterior película era divertida, que generaba la sensación de no querer que se terminara, las dos horas de estas se sienten en el cuerpo cuando pensamos en lo cómica que es, o en volver a verla.
En cuanto a los personajes secundarios, se pueden rescatar algunas actuaciones como la de Domino (Zazie Beetz) una de las integrantes de X- Force, que le daba un toque de humor con sus miradas cómplices o con algunos de sus comentarios. Pero el resto de los personajes realmente se ven como secundarios, algunos con un poco más de humor y otros desastrosos y aburridos como lo es el de Russell, que pareciera que no tiene expresión en su rostro o no le interesara estar en la película.
Pero definitivamente es recomendable para verla, ya que sin duda alguna quien concurra al cine o espere que sea subida a las páginas de reproducción se va a divertir.
Título: Deadpool 2
Director: David Leitch
Actores: Ryan Reynolds, Morena Baccarin, T. J. Miller, Leslie Uggams, Brianna Hildebrand, Stefan Kapičić, Zazie Beetz, Josh Brolin, Jack Kesy
Duración: 2 horas.
Género: Comedia, acción y cine fantástico.
Al filo del mañana
Por Gabriel Linch
La película está basada en una novela ligera japonesa militar y de ciencia ficción, All You Need Is Kill, y es protagonizada por el gran Tom Cruise, interpretando a un coronel que se encuentra en contra de su voluntad involucrado en una batalla para salvar el planeta de una invasión alienígena.
Al filo del mañana presenta el papel de un hombre atrapado insoportablemente en el tiempo, condenado a repetir una y otra vez el mismo día, reiterando las últimas 24 horas de su vida. Aunque en un principio parezca que la repetición de escenas agotara al público, es ahí donde reside la virtud de este film, las pequeñas variaciones que se van acumulando en una interminable batalla que lo hacen cada vez más hábil y eficaz en su lucha contra los alienígenas. Solo conseguirá salir si logra eliminar al Omega, el cerebro que se encuentra detrás de la invasión de la letal raza de los miméticos.
El director juega a la perfección con el bucle temporal, agregando correctamente a través de Willian Cage (Cruise) una dosis de humor y comedia dándole fluidez al metraje.
Los últimos minutos y escenas finales quedan a criterio de cada cinéfilo, aunque parecieran sobrarle algunos minutos o el final podría haber sido otro, no hay que olvidar que esta clase de films, están realizados para complacer a un público mayoritario.
Gran parte de la película es una versión futurista del Desembarco de Normandía, extrayendo solo lo justo y necesario de la novela original, Al Filo del Mañana es un claro ejemplo de buena y entretenida ciencia ficción, un nuevo triunfo de Cruise en este tipo de género.
Título original: Edge of Tomorrow
Año: 2014
Duración: 113 min.
País: Estados Unidos
Dirección:Doug Liman
Reparto: Tom Cruise, Emily Blunt, Bill Paxton, Jonas Armstrong, Brendan Gleeson,Kick Gurry, Tony Way, Noah Taylor, Charlotte Riley, Franz Drameh, Dragomir Mrsic.
Género: Ciencia ficción. Acción
Brava! El décimo disco de Paulina Rubio
Por Luciana Barragán
“Brava!” así tituló Paulina Rubio su último trabajo discográfico que salio a la venta el 15 de Noviembre de 2011 y desde ese entonces no sacó más discos sólo singles y colaboraciones con otros artistas.
Brava! Es un disco en el cuál Paulina se involucra más en la composición de sus letras, de las diez canciones que componen el álbum nueve las escribió ella, la inspiración surgió de dos momentos muy marcados en la vida de la artista, primero el nacimiento de su primer hijo y segundo la pérdida de su padre. El track número 9 titulado “Que estuvieras aquí” no cabe duda de que es la canción más emotiva del disco no solo por la letra sino también por ese ritmo lento y el tono melancólico con el cuál lo interpreta. El resto son muy alegres, ideales para bailar de principio a fin.
Se puede decir que es un álbum mixto, no sólo por los ritmos fusionados y las mezclas musicales que tiene como las rancheras mexicanas, hip hop, pop, rock y dance-techno, sino también respecto al idioma ya que no es español en su totalidad, hay dos canciones que están completamente en ingles “All Around the word” y “Heat of the night” y otra que en Spanglish “Hoy me toca a mí” la cual la acompaña Taboo, integrante de la banda The Black Eyed Peas.
Sin duda alguna Brava! tiene la pura esencia de Rubio. Algo curioso es que la única foto que posee el libro que compone el disco, es la de la tapa en la cual aparece en primerísimo primer plano la cara de Paulina con un efecto fotográfico. La contra tapa no combina mucho respecto a lo que es el diseño del disco, ya que tiene fondo negro con el nombre de las canciones en color rosa y en el centro de estas aparece una “P” en gran tamaño. Si tuviera que calificar éste disco musicalmente le pondría 5 estrellas porque se destaca el gran trabajo que hay detrás de cada canción, ahora bien si lo tuviera que calificar a nivel estético en cuanto al diseño le pondría 3.
Ficha de Brava!
Tracks Nombre de la canción Minutos
Track1: - Me gustas tanto 3:44
Track2: - All around the world 3:47
Track3: - Cásate con tu mamá 3:04
Track4: - Olvídate de mi 2:54
Track5: - Sabes que te amo 3:26
Track6: - Hoy me toca a mi 4:04
Track7: - Heat of the night 3:19
Track8: - Me voy 2:48
Track9: - Que estuvieras aquí 4:55
Track10: - Volvamos a empezar 3:42
En tus manos dejo flor de espadas
Por Alexis Bernaola
En 1998 la banda bonaerense ALMAFUERTE lanza su tercer disco cuyo nombre se titula “ALMAFUERTE”.
A finales de los noventa el rock nacional se encontraba en pleno desarrollo, por lo que la discografía de la banda se postulaba como una más entre la gran cantidad y variedad de bandas que salieron a la luz en esos años.
El disco ALMAFUERTE, es uno de los cds más emblemáticos de la banda Argentina liderada por RICARDO IORIO. Hoy, a 20 años de su lanzamiento la temática, ideales y valores transmitidos durante los 40 minutos que dura la placa, son más actuales que nunca.
Los temas son portadores de un gran contenido de verdades e historias que nacen de una sociedad dura y violenta, donde la soledad es la única que los invita a escapar por la gran puerta de este mundo de hoy, donde quien no calla verdades está destinado a sufrir los rechazos de la sociedad, y solo hay que ser uno mismo para poder triunfar.
Un disco muy recomendado para todo amante del rock en español, de los solos de guitarra eufóricos y la mezcla entre poesía y realidad que convierten a Ricardo Iorio en uno de los principales referente del rock Nacional Argentino.
Artista: ALMAFUERTE
Título: ALMAFUERTE
Publicación: 1998
Genero: HEAVY METAL
Duración: 40 MINUTOS
Discográfica: INTERDISC
Productor: RICARDO MOLLO
K-Pop el nuevo fenómeno musical en Argentina
Por Rocío Arguello
El K-Pop es el género musical nacido en Corea del Sur en los años 90. Comenzó su fenómeno mundial luego del hit de PSY “Gangman Style” y actualmente causa furor en los jóvenes argentinos.
La novedad invadió Argentina, se multiplicaron los fans y las locuras que el K-Pop provoca en los adolescentes.
Bandas con muchos integrantes, impactantes coreografías que ya se han hecho presentes en escenarios del país donde sus entradas se han agotado en tiempo récord.
El K-Pop impone un estilo novedoso, con ritmos alegres, pegadizos, vestuarios coloridos y detalles que van marcando tendencia. El uso de barbijos que algunas bandas aplican en sus videos de Youtube, son una manera de expresar la nueva fiebre coreana.
Likes y más likes ganan los “nuevos ídolos juveniles” en cada publicación que realizan a través de las redes sociales, herramienta que juega un papel fundamental en la inserción de las nuevas tendencias.
Parece que no existen barreras para esta “ola coreana” que va creciendo día a día, muchos hasta estudian el idioma para poder entrar en una cultura que, aunque, muy diferente a la nuestra, cada vez genera más incertidumbre conocer un poco de ella.
Avengers Infinity War
No solo un hito para el cine de superhéroes: Avengers Infinity War, el principio del fin de un acontecimiento épico
Por J. Ignacio Ucci
Thanos, un ser extremadamente poderoso que va de planeta en planeta dejando muertos y destrucción por doquier, quiere incrementar su poder por medio de las Gemas del Infinito, y comienza a recolectarlas. Estas son unas gemas que contienen fuerzas asombrosas y se encuentran dispersas por el universo, pero en manos de Thanos nadie le podría hacer frente. Recaerá en los héroes más fuertes del planeta Tierra, y la ayuda de un montón de seres provenientes de otros rincones del espacio luchar contra el Titán Loco (como es conocido este temible villano) y defender la vida. ¿Tendrán la fuerza para conseguirlo?
Es imposible analizar esta película como eso, como solo una película, porque es una parte crucial de un gran evento cinematográfico que se viene gestando desde hace más de diez años, y es solo el comienzo del fin de una historia que se estuvo construyendo pedacito a pedacito a través de las 20 películas que le precedieron.
Avengers Infinity Wars tal vez no sea la mejor película del mundo, tal vez no sea una pieza de arte revolucionaria, y seguro que no será la más conocida en la historia de la humanidad. Pero no se le puede negar el mérito de significarle un montón de alegrías a su público, y no hay motivo alguno para desprestigiar ni su calidad visual como su audaz guion. Sin ser la mejor película que vas a ver en tu vida, igualmente merece ser reconocida como una película de diez sobre diez.
Es más de lo que se espera en cualquier película en todos los aspectos, y porque merece que se recuerde bien todo lo que lleva a sus espaldas. No todas las películas realizadas por Marvel fueron demasiado memorables más que por el mero entretenimiento, y es verdad que su público principal son los jóvenes y los niños, pero lo cierto es que la dedicación puesta en cada una de las películas rompió esa barrera.
Sin embargo, no es igual de disfrutable para todas las personas. Los niños, quienes no necesitan para disfrutar de una buena película de acción y superhéroes, pueden admirarla con toda tranquilidad. Para aquellos un poco más despiertos a los detalles, pero que no hayan visto las películas que le preceden, no les significará lo mismo que a quienes si las hayan visto. Porque a pesar de que esta tercera entrega de la saga Avengers desarrolla su historia como un nuevo conflicto único para esta película, y logra integrar a todos los personajes que venimos conociendo de a poco (en una locura de guion, una hazaña increíble realmente), la película juega con muchas contextualizaciones que enriquecen la historia si, y solo si, la conoces al completo. Por no mencionar todos los sentimientos que recibes si es que ya tienes un conocimiento previo, y hasta un encariñamiento, de estos maravillosos personajes.
El ritmo también es muy destacable, porque tratándose de una película tan larga que fácilmente podría tornarse aburrida, fue muy inteligentemente agilizada mediante el clásico humor de Marvel, aunque en este caso se lució. Bien implementado, sin perturbar la seriedad del relato, los chistes se usan en el momento justo y te hacen doler las costillas.
La cantidad de actores, y todos grandes pesos de la industria del cine como también muchas futuras promesas, lo dan todo de sí. Su compromiso con la historia que quieren contar y la forma en que encaran sus papeles es ejemplar, se preocupan por respetar la esencia que los personajes traen de sus orígenes en los comics y les aportan mucho más. Hacen suyos los papeles, y pisan tan fuerte, que nadie puede imaginar a otros ocupando sus lugares.
Esta es una película diferente, definitivamente no es “otra más de superhéroes”. Avengers Infinity War cambia las reglas de juego, centra el eje en el villano, te hace emocionar, te hace sentir miedo por los personajes que tanto queres, te llena los ojos de alegría al ver como se unen todos los héroes que admiras desde chico… Y, aunque esta maravillosa historia esté cerca de su fin, te deja con ganas de mucho más. Dejaron la vara demasiado alta para el resto de las entregas pero, tratándose de Marvel Studios, estoy seguro de que tienen guardada infinidad de sorpresas para nosotros.
Título: Avengers: Infinity War
Año: 2018
Duración: 156 min.
País: Estados Unidos
Reparto: Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Benedict Cumberbatch, Chris Evans, Mark Ruffalo, Scarlett Johansson, Chris Pratt.
Productora: Marvel Studios
Victimas espirituales
Por Patricia Berrutti
“Las Inocentes” está basada en hechos reales que ocurrieron durante la Segunda Guerra Mundial, cuando los miembros del Ejército Rojo llevaron a cabo una violación masiva de mujeres en su avance hacia Alemania. Entre las víctimas están las monjas polacas del convento que aparece en la película.Mathilde, médica francesa de la Cruz Roja, será quién ayude a las hermanas en el parto.
Además de ser una crítica a los soldados que hicieron lo que quisieron en los países liberados tras la II Guerra Mundial, se plantea la disyuntiva moral de las monjas, que tienen que decidir entre guardar secreto o recibir ayuda del mundo exterior. La vergüenza y la culpa son los sentimientos que marcan el film.
El aborto no estaba instalado como alternativa y menos aun siendo parte de una educación religiosa, aunque si sale a la luz podría significar el cierre del convento y quedar expuestas en la sociedad. Por esto se puede apreciar las diferentes reacciones de las hermanas con respecto a la maternidad. A través de un relato histórico, brinda un mensaje de fe y a favor de la vida.
Los planos son excelentes, fotografiados en tonos oscuros y sombríos. Además la ausencia de luz durante el film nos permite meternos de lleno en ese ambiente de los conventos, dedicados a la oración y el trabajo.
Una muy buena película, de excelente fotografía. La música es lo más bajo del film. Para recomendar.
Ficha técnica
Título: Las inocentes
Director; Anne Fontaine
Reparto: Lou de Laâge, Agata Kulesza, Joanna Kulig, Agata Buzek, Anna Próchniak, Vincent Macaigne
Duración: 117 minutos
Año: 2016
País: Francia
Género: Drama
In-Justicia
Por Evangelina de la Cal
Justicia por mano propia es una serie brasilera distinta a lo que se encuentra en la televisión regularmente. Cuenta la historia de cuatro personas que son arrestadas la misma noche por distintos delitos. Muestra que todas las historias están unidas por lugares y personajes secundarios, quienes se develan de distintas formas según cada perspectiva.
La primera historia se basa en un femicidio, un hombre descubre a su novia con otro hombre y la mata. La segunda es la de Fátima, una mujer que mata el perro del vecino porque es una amenaza para sus hijos, el vecino se venga poniendo droga en su patio para que la lleven presa. La tercer historia es la de Rose, quien es llevada presa por tener droga en una fiesta y ser la única revisada por la policía por ser negra. La cuarta, por último, es la de Mauricio, quien mata a su esposa porque ella se lo pide luego de ser atropellada y quedar con todo el cuerpo inmóvil.
Sin duda que Justicia por mano propia muestra delitos, injusticias y venganzas dentro de las realidades de cada clase social y el punto donde se unen todas. Así como también la culpabilidad e inocencia de cada personaje, y poniendo en evidencia abusos de los que toda América Latina está siendo víctima actualmente.
Lo “innovador” es el relato. Tiene 16 capítulos los cuales son divididos en 4 para contar las historias desde su protagonista, es decir, el primero corresponde a la primera historia, el segundo a la segunda historia, y así sucesivamente. Al llegar el 5º episodio se vuelve a la primera historia, en el 6º se continúa con la segunda, y continúa.
Este formato innovador no lo es tanto. A muchos fanáticos de Los Simpsons les hará tener presente el capítulo “Trilogía del terror” donde se relata un día de primavera desde el punto de vista de Lisa, luego de Homero y por último el de Bart. A su vez, ese capítulo se inspira en la película “Viviendo sin límites”.
Es divertido para el espectador ver los puntos de enlace de las historias, lo que se vio un día desde una perspectiva, al otro se ve desde el otro lado. Algo que seguramente fue un desafío para los actores y camarógrafos, ya que en muchos casos se entrelazan dos planos secuencia.
Es una serie que promete mucho en sus primeros cuatro capítulos pero que en el camino va perdiendo la tensión y el enganche que fue la principal atracción. Sin embargo, promete cerrar cada historia con justicia, lo que mantiene la expectativa de que algo sucederá a lo último de forma inesperada.
A pesar de las interpretaciones que surgen de ésta crítica, la serie es buena. Tiene muy buenos actores, que son conocidos de forma internacional, argumentos interesantes, que logran conmover y poner piel de gallina, y una calidad filmográfica fascinante. Sería muy interesante que haya más producciones como esta en la televisión.
Serie: Justicia por mano propia
Director: José Luiz Villamarim
Elenco: Débora Bloch - Adriana Esteves - Cauã Reymond - Jéssica Ellen - Leandra Leal - Marina Ruy Barbosa - Jesuíta Barbosa - Luisa Arraes - Marjorie Estiano - Pedro Wagner.
Género: Drama
Año: 2016
Otro punto de vista
Por Agostina Monzón
La película “No soy un hombre fácil” abarca muchos temas referidos al patriarcado (sociedad donde el hombre es superior), pero en un mundo al revés, es decir donde el hombre es el que sufre de una sociedad puramente feminista.
Dicho filme, rompe con el esquema de que la mujer es inferior, las mismas hacen las actividades que la sociedad de hoy en día dice que es específica para ellos y lo más importante, las empresas están dirigidas por ellas. El empleo del hombre es denigrante y su vestimenta es corta y ajustada. El abuso de poder, de parte de las mujeres, queda claro en cualquier situación de la vida cotidiana que se da a lo largo de esta película.
Es interesante como explica el acoso que las mujeres sufrimos día a día, ya sea en el trabajo o en la calle, pero desde otro punto de vista. Quizás no explica mucho cómo era la vida machista del personaje principal, lo muestra muy por arriba al principio, el giro de la historia se da muy pronto y eso hace que se cree una confusión y sea un poco difícil entender el eje principal de la historia. Quizás la mayoría sepamos los comportamientos que tiene un hombre machista, pero no todas las personas lo saben.
Hay que aclarar que en dicha comedia la historia principal es romántica, pero eso logra que sea una historia atrapante, cada detalle es importante y hace que no se pierda el interés, además sirve para concientizar que ninguno de los extremos están bien. También muestra el rol de un movimiento similar al feminismo de hoy en día, pero a cargo de los hombres.
Es una película altamente recomendable por su forma de mostrar todo lo que se vive cotidianamente pero desde el humor con los roles invertidos, la pueden ver adolescentes y adultos, en ella se especifica que es para mayores de 13 años. La podemos encontrar en muchas plataformas, pero la oficial es Netflix, con el nombre traducido en español.
Ficha Técnica:
Título original: Je ne suis pas un homme facile. (No soy un hombre fácil)
Año: 2018.
Duración: 1 hora 38 minutos.
Género: Comedia.
Dirección: Eleonore Pourriat.
Reparto: Vincent Elbaz (Principal), Marie-Sophie Ferdane (Principal), Pierre Bénézit, Blanche Gardin, Moon Dailly, Céline Menville, Camille Landru-Girardet
Dos más dos
Por Gabriel Linch
Diego y Emilia (Adrián Suar y Julieta Díaz) cardiólogo y meteoróloga respectivamente, son matrimonio desde hace 16 años con un excelente pasar económico y un hijo adolescente. Con el fin de mejorar la relación, aceptan la propuesta de una pareja amiga; Richard y Betina (Juan Minujin y Carla Peterson) dos experimentados en ser swingers.
Dos más dos presenta una estructura propia de una comedia, no se excede en provocar la carcajada del público, lo cual hace que todo sea más natural. Cada escena encaja perfecta, todo luce atractivo ya que se da en ambientes del alto estrato social. Cuatro figuras conocidas en el ámbito interpretan perfectamente a dos modernos matrimonios que se animan a jugar al intercambio de parejas y ponen al cinéfilo en la incómoda situación de qué decisión tomarían ellos en su lugar.
La propuesta caerá en Diego como un balde de agua fría, que se resiste hasta que se lo permite la presión del entorno. Inmerso en este novedoso terreno sexual, el director Diego Kaplan, acierta plenamente con su elenco actoral, convocando a dos bellezas argentinas y dos grandes cómicos.
Una vez lanzados al juego, los cuatro pensarán que esto solo lleva a involucrarse corporalmente, pero no cuentan con que la realidad y el futuro inmediato les colocará el sentimiento por encima de todas las cosas.
Este filme no debería decepcionar a nadie, salvo a aquel que se haya encontrado en situación similar. Una comedia de las de toda la vida, de las buenas. Disfrutable por su guion, resolviendo perfectamente las escenas en la que los actores deben permanecer desnudos, tomando precauciones para no herir susceptibilidades y con un tramo final que no desentona, resulta ser una película más que aceptable; partiendo de la premisa y la cuestión: ¿Ser o no ser swingers?
Fecha y lugar: 2012. Argentina
Dirección: Diego Kaplan
Elenco: Adrián Suar, Carla Peterson, Julieta Díaz, Juan Minujín, Alfredo Casero
Duración: 107 minutos
Calificación: apta para mayores de 16 años.
El poder del silencio
Por Blas Martínez
“Deja que las palabras que hables sean las palabras que me lleven de nuevo a ti”. Con esa frase decide Eric Howell empezar el filme que nos dejará más de 90 minutos expectantes a los extraños sucesos que ocurren en un antiguo caserón italiano.
Malvina, una mujer joven (Caterina Murino) muere frente a su hijo Jacob, pidiéndole que sus palabras hacia otra mujer que llegue evoquen su recuerdo. Siete meses después, el niño (Edward Dring) no ha pronunciado palabra alguna, y su preocupado padre (Marton Csokas) decide contratar a Verena (Emilia Clarke), una nodriza para ayudar en su recuperación. Verena se muda a la Rocciosa, caserón en el que también viven el mayordomo, Alessio (Remo Girone) y Lilia (Lisa Gastoni), la abuela. La nodriza se dedica a acompañar a Jacob mientras intenta que el niño vuelva a hablar, pasando por situaciones de lo más extrañas y perturbadoras.
La planta de cámaras del director ha ambientado perfectamente la producción: Cada plano se asemeja una pintura renacentista. Además de la composición, cada escena aporta a la generación del ambiente dramático y de suspenso, el cual se mantendrá durante toda la película -y es posible que hasta después de terminarla-.
Actores de primer nivel, una trama fascinante y un montaje espectacular se unen para formar esta pieza de una calidad excepcional para tratarse de una producción independiente.
El soundtrack del film es simplemente majestuoso. Interpretado por una artista de alto calibre, aporta mucho más de lo que podría parecer a la construcción de la realidad dentro del relato.
Presenta algunas escenas subidas de tono, por lo que no es aconsejable verla con menores. Fuera de esto, una película muy recomendable.
Título original:Voice from the Stone
Año: 2017
Duración: 94 min.
País: Estados Unidos
Director: Eric D. Howell
Reparto: Emilia Clarke, Marton Csokas, Edward Dring, Caterina Murino, Remo Girone, Lisa Gastoni
Género: Drama sobrenatural
Ha vuelto
Por Luciana Barragán
“Ha vuelto” es una película de David Wnend, la cual está basada en la novela homónima y bestseller escrita por Vermes Timur. Es un film muy llevadero y entretenido, su recurso sustancial sin duda alguna es el humor, juega mucho con la dualidad ficción/realidad. Si bien el personaje principal es nada más y nada menos que Adolf Hitler, una figura muy importante en la historia militar a nivel mundial, este mismo se ve un poco ridiculizado ya que por arte de magia se despierta en pleno siglo XXI, donde se encuentra con una Alemania muy diferente y moderna con las nuevas tecnologías que hoy tenemos. Respecto al actor (Oliver Masucci) que le dio vida al personaje de Hitler a pesar de que compartía algunas características faciales, por ejemplo el bigote, no se parecía mucho al Adolf original, es decir, en otras películas de esta misma índole han puesto actores más perecidos o los han lookeado para que luzcan casi iguales, cuestión que, a pesar de que lo caracterizaron, no se logró muy bien, sin embargo el nivel actoral del mismo es excelente y bien logrado.
En cuanto al vestuario no es la gran cosa, básicamente para el personaje principal utilizaron el típico traje gris alemán que solían utilizar los militares del siglo XX, por consiguiente la ropa del resto del elenco era muy simple, y es sumamente notorio que no fue diseñada para la película en sí, sino que eran prendas comunes que uno mismo puede comprar en cualquier sitio. Si tuviera que calificar este film, le pondría cuatro estrellas por el simple hecho de que logra sacar reiteradas risas a las personas que la ven.
Ficha:
Año : 2015
Título original: Er ist wieder da / Ha vuelto
Duración: 116 min
Director: David Wnendt
Actores: Oliver Masucci,Fabian Busch,Christoph Maria Herbst,Katja Riemann,Franziska Wulf,Lars Rudolph
País: Alemania
Genero: Comedia.
ROOM
Por Valeria Villavicencio
Room es una película dirigida por Lenny Abrahamson y escrita por Emma Donoghue, basada en la novela del mismo nombre de Donoghue.
Para Jack, un niño de cinco años, la habitación es el mundo entero, el lugar donde nació, donde come, juega y aprende con su madre. Por la noche, mamá lo pone a dormir en el armario, por si viene el viejo Nick. La habitación es el hogar de Jack, mientras que para su madre es el cubículo donde lleva siete años encerrada, secuestrada desde los diecinueve años.
Con gran ingenio, la joven ha creado en ese reducido espacio una vida para su hijo. Su amor por él es lo único que le permite soportar lo insoportable. Sin embargo, la curiosidad de Jack va en aumento, a la par que la desesperación de su madre, que sabe que la habitación no podrá contener ambas cosas por mucho más tiempo.
Comienza la película con esta habitación, que fotográficamente está muy bien lograda, la forma en que se mostró la interacción y las distintas actividades que generan la madre y el hijo para estar en ese lugar, porque a pesar de que más adelante en la película nos damos cuenta de que era un lugar muy pequeño, a través de la vista de Jack se ve como un universo bastante expandido. Podríamos pensar que una película que empieza con una joven secuestrada con la compañía de su hijo y, por supuesto, el secuestrador, va a ser algo deprimente, morboso e insano. Nada más lejos de la realidad. Room es un film de auto superación, Lenny Abrahamson retrata la vida cotidiana de madre e hijo en su encierro. Por momentos se vuelve imposible apartar los ojos de la pantalla, la tensión que acompaña a las imágenes es admirable y casi inaguantable para el espectador.
El escape resulta un tanto inverosímil, partiendo de la repentina decisión de la madre por salir de la habitación comienza a idear un plan de escape donde vuelca toda la responsabilidad en el niño, además de desmentirle de un momento a otro todo el universo que le construyó durante años. Una vez que la situación de Joy y Jack ha cambiado, ambos se enfrentan a la adaptación en el mundo exterior después de tanto tiempo de cautiverio, lo que le da a la historia un giro interesante, pero donde quedaron varios conflictos sin resolverse que se podrían haber utilizado para analizar la psicología de los personajes. Aun así, resulta en su conjunto una película que despierta muchas sensaciones y reflexiones acerca de cómo se puede empezar a reconstruir una vida completamente rota por una experiencia demoledora.
TITULO: LA HABITACION (Room), Canadá / Irlanda, 2015.
Dirección: Lenny Abrahamson
Producción: Ed Guiney, David Gross
Fotografía: Cohen Morrison
Reparto: Brie Larson, Jacob Tremblay, Joan Allen, Sean Bridgers, William H. Macy
Duración: 118 min.
Escrito con el corazón
Por Patricia Berrutti
Esta crítica puede estar teñida de subjetividad ya que Virginia, además de ser una gran escritora, es una entrañable amiga personal. Una compañera de vida, una persona que suelo llamar: Alhama, mi ángel de la guarda.
Trataré de ser objetiva y les presentaré el libro dejando de lado la admiración que siento por la escritora.
“Conversando en tus ojos. El antes y el después de un cáncer” se basa en la experiencia personal de Virginia García.
Una mujer madrileña que sufre de cáncer durante una etapa de su vida.
De esta forma Amanda (nombre del personaje) se sirve de una parte de Virginia/Alhama y escribe un relato lleno de enseñanza y simbología.
La lectura es “amigable”, ya que es un texto contado con un lenguaje muy claro. Además, hay que resaltar la utilización de un tipo de letra y tamaño de fuente, porque es adecuado para facilitar la lectura a personas que tienen algún tipo de limitación visual.
Nos muestra otra mirada ante una situación límite. Con mucha fortaleza sacando lo positivo de una situación muy dolorosa, guiada siempre por su propia luz interior.
El libro dividido en dos partes, muerte y renacimiento, emociona y nos plantea una literatura que invita a seguir avanzando.
La primera parte habla de su muerte, no física, de sus vivencias en cuanto al diagnóstico y los tratamientos que tuvo que atravesar por el cáncer de mama. En realidad, nos conecta a un pasado, un dolor que puede sufrir cualquier persona ante una enfermedad.
“El cáncer está a la orden del día. Ataca a niños y a ancianos, a ricos y a pobres, a creyentes y no creyentes, a buenas y a malas personas, a cualquier tipo de ser humano. Es como una plaga que te deja un mal sabor de boa, tanto a ti como a todos los que te rodean”.
En su segunda parte, narra ese “renacer” y cómo Amanda (en primera persona) consigue ver en los lugares de quimioterapia los ojos de otros ese dolor, la tristeza y la soledad. Para luego convertirlos en entusiasmo, fortaleza y trabajo interior.
“De pronto, una pequeña chispa de luz encendió de nuevo la vela para dar paso a una llama cada vez más y más centelleante”.
Como lo dice en su título, el cáncer de mama es un antes y un después. Pero luego de leer su relato, les aseguro que recuperarán la autoestima, valorarán esas pequeñas cosas que nos ofrece la vida.
Sin lugar a dudas y parafraseando a Héctor Alterio, un reconocido actor argentino diré: “La Puta que vale la pena estar vivo”.
El único aspecto negativo que puedo resaltar, es que es un libro que se comercializa solo en España, no está a la venta en Argentina. Aunque se puede solicitar por correo a su autora (alhamamarcos@hotmail.es )
Un libro que llena el alma, plantea una nueva mirada y la enriquece. Deja huella, esperanza y aprendizaje.
Muy recomendable.
Ficha técnica
Título: Conversando en tus ojos. El antes y el después de un cáncer.
Autor: Alhama Marcos (seudónimo)
Editorial: Ediciones Amaniel
Páginas: 125
Encuadernación: tapa blanda
Año de edición: 2009. Segunda edición 2010
Género: narrativa
País: España
Una serie como pocas
Por María Sol Medek
Merlí es una serie que tiene mucho éxito en su país (España) y se hizo muy popular en Argentina. Consta de tres temporadas de aproximadamente 13 capítulos cada una. Resulta muy atrapante de principio a fin. Mantiene el hilo a lo largo de la historia y, también, en cada capítulo presenta algo nuevo.
Se basa en la vida de un profesor de filosofía que empieza de un día para el otro a convivir con su hijo, y, a su vez, a conocerlo, ya que antes no se hacía cargo. Además de compartir la casa y el parentesco, Merlí toma un cargo en el instituto donde asiste su hijo, Bruno, y tienen que aprender a convivir allí dentro también. Paralelamente, cada uno de los alumnos y demás profesores van mostrando su historia y aunque en un principio Merlí es algo inusual y estresante, terminan teniendo una relación muy allegada con este nuevo profesor. Él les enseña a pensar por sí mismos, a reflexionar y cuestionar las cosas.
La serie es muy real y abarca distintos aspectos muy profundos y problemáticas de la vida, en las cuales muchos se sienten identificados. A su vez, para el que le gusta, aporta sobre filosofía de una manera muy llevadera y entretenida.
En cuanto a los personajes, están todos muy bien interpretados, sobre todo el personaje principal (Francesc Orella). Merlí es una especie de referente, es el profesor que la mayoría desearían tener. Con sus virtudes y defectos, de alguna manera u otra, en la serie todos lo terminan queriendo.
Tiene un buen final, muy emotivo, dramático. Es original y acorde al resto de la serie.
Tìtulo: Merlí
Año: 2015
País: España
Temporadas: 3
Episodios: 40
Duración: 50 min
Dirección: Hector Lozano, Eduard Cortés, Menna Fité
Reparto: Francesc Orella, Pere Ponce, Pau Durà, Mar del Hoyo, David Solans, Carlos Cuevas, Elisabet Casanovas, Ana María Barbany, Marta Marco
Contratiempo
Por Camila Butassi
Adrián Doria (Mario Casas) es un exitoso empresario que despierta en la habitación de un hotel junto al cadáver de su amante. Al ser acusado del asesinato, decide contratar los servicios de la mejor preparadora de testigos y coartadas del país, recomendada por su abogado. En el transcurso de una noche, ambos trabajarán para encontrar una justificación razonable.
Los detalles son los que garantizan a la película el gran éxito que ha tenido desde el momento en que fue lanzada. Es muy notorio en el guión del film que lo que buscó el director es poner al público en papel de detective, ya que “Contratiempo” logra mantener la atención del espectador desde el arranque buscando pistas u otros elementos que se muestran para la resolución del caso.
Pero, su guión entre giros y giros, hace que en partes la película quede con algunos agujeros y resulte un poco agobiante. Sin embargo, lo que resulta interesante destacar es que el trato entre los personajes resulta un tanto frío, lo que le da más credibilidad al film.
Contratiempo denota un profundo trabajo de revisión para pulir casi todos los detalles. La actuación de los protagonistas es muy buena y se puede considerar una de las mejores películas de suspenso del último tiempo.
Título: Contratiempo
Dirección: Pablo Oriol
Música: Fernando Velázquez
Guión: Lara Sendim y Pablo Oriol
Protagonistas: Mario Casas, Bárbara Lennie, José Coronado, Ana Wagener, Francesc Orella, Paco Tous.
Duración: 104 minutos
Conociendo al héroe mas grande en la historia de las viñetas
Por Ignacio Ucci
La editorial norteamericana DC Comics demuestra, en su historial de 80 años de publicación ininterrumpida de su superhéroe más icónico, Superman (recién cumplidos este abril de 2018), la costumbre por refrescar ciertos conceptos. Y es que cada cierta cantidad de años, y con las intenciones tanto de acercar la historia de sus héroes a tiempos más actuales como de renovar su público e introducirlos de forma sencilla, acostumbran la decisión de publicar una nueva historia de orígenes que narre los comienzos de sus personajes. “Superman: Origen secreto” es otro ejemplo de esto.
Pero la renovación del superhéroe más famoso del mundo, en esta ocasión tuvo mucho más valor que en otras ocasiones. No solo se buscó renovar la vigencia del personaje cambiando los que lo limitaban épocas y contextos ya no vigentes de la era corriente, sino que la renovación acarreaba motivos mucho más profundos. Geoff Johns, quien cuenta con una extensa carrera dentro de DC Comics, se encargó de adentrarse en los sentimientos más profundos e inexplorados del personaje. Así vemos que el foco de esta historia no es la carrera superheroica del superhéroe máximo de todos los tiempos, sino su infancia, su adolescencia, y todo lo que llevará al personaje a tomar la iniciativa de ser un héroe.
A lo largo de los 6 capítulos que conformaron Superman: Origen Secreto se logra evidenciar que el personaje se convierte en un héroe gracias a los valores inculcados por sus padres adoptivos, y esa idea prevalece por encima de los combates y las escenas increíbles que plantea. Ese merito se lo debe al excelente guion que no para de remarcar en los valores positivos del personaje, de formas muy trasladables a nuestra vida cotidiana e indiscutidamente positiva para la moral de los lectores, especialmente los más jóvenes.
También cabe destacar el gran nivel que se lleva el equipo encargado de las ilustraciones en este producto. El dibujo de Gary Frank es capaz de humanizar los rasgos de los personajes de manera muy lograda, pero su fuerte realmente es el asombroso traslado que decidió y logró realizar, al inspirar y reinterpretar múltiples escenas de la película Superman de 1978.
La reinterpretación definitiva de Superman es, claramente, esta historia. Tanto para aquellos que siguen todas las aventuras del personaje como para las personas que se quieren adentrar en sus aventuras y comenzar desde cero, no cabe duda que su lectura obligada es Superman: Origen Secreto.
Nombre: Superman: Origen Secreto
Publicación original: 2009-2010
Editorial: Dc comics (EEUU)
Traducido y reeditado por: Salvat (ESPAÑA)
Guion: Geoff Johns
Ilustraciones: Gary Frank (dibujo), Jon Sibal (inta), Brad Anderson (color)
Un camino a casa (Lion)
Por Rocio Arguello
Una historia de vida basada en hechos reales, lo que genera atracción e incertidumbre al saberlo, un guion que juega con ese drama y que va creando al personaje de un niño de apenas 5 años expuesto a una dura realidad. La película está inspirada en la vida de Saroo Brierley, un joven indio que estuvo perdido por veinticinco años.
La primera parte muestra los lazos familiares de Saroo: a Guddú su hermano mayor, por quien tenía gran admiración, su pequeña hermana y su mamá Kamla. Una familia que vivía en condiciones precarias y en la cual los niños trabajaban junto a su madre para poder sobrevivir.
Una noche los hermanos salen de su casa para ir a trabajar y es allí donde comienza el calvario del pequeño Saroo.
Perdido en Calcuta sin entender el idioma y sujeto a las crueldades de las grandes ciudades: abusos, robos y a la mirada indiferente de las personas.
Un comienzo que nos mantiene expectantes, que logra la atracción necesaria con imágenes y sonidos que perfeccionan ese ambiente durante el día y la noche, con poco diálogo de los personajes, algo que deja volar la imaginación.
Vagando un largo tiempo y miles de kilómetros, pero con “un Dios aparte”, el niño es adoptado por una familia australiana de clase media. Allí fue donde creció, rodeado de amor y educación. Una mitad del film que no despierta tanto interés, muestra a un chico normal con su familia, su novia, sin demasiados aportes a la historia.
Recién en la parte final puede verse a un adulto Saroo perturbado por su pasado y con gran desesperación por encontrar su lugar de origen y volver a tener contacto con su familia biológica.
Es aquí donde la tecnología juega un papel importante, a través de una aplicación de internet (Google Earth) comienza la intensa búsqueda. Meses pasaron hasta encontrar el lugar que tanto soñó, para poder vivir y hacer vivir un reencuentro más que emocionante que eriza la piel de cualquiera.
Desde que tenía 5 años Saroo pronunció mal su nombre, el cual era “Sherú”, que significa “León”, ¿casualidad o causalidad?
LION / UN CAMINO A CASA- Australia, 2016.
Dirección: Garth Davis
Duración: 120 min minutos
Guion: Luke Davies (de la novela de Saroo Brierley)
Producción: See-Saw Films / Screen Australia / Sunstar Entertainment / Weinstein Company.
Reparto: Dev Patel, Sunny Pawar, Nicole Kidman, Rooney Mara, David Wenham, Nawazuddin Siddiqui, Tannishtha Chatterjee, Deepti Naval, Priyanka Bose, Divian Ladwa.
Orphan Black
Por Rebeca Casal
Orphan Black es una serie de ciencia ficción, que se terminó convirtiendo en una revelación a lo largo de sus cinco temporadas. Creada por Graeme Manson y John Fawcett en el año 2013, donde cuentan la historia de Sarah Manning una joven marginada y huérfana cuya vida cambia tras presenciar el suicidio de Elizabeth Childs, una mujer exactamente igual que ella. Sarah le roba la identidad, el novio y la cuenta bancaria, pero sus problemas se multiplican.
A lo largo de la serie se puede ver como Sarah descubre más mujeres como ella (clones), que se unirán para averiguar de dónde provienen, y por qué no pueden tener hijos, a excepción de Helena y Sarah, que tiene una hija llamada Kira. Todas se ven atrapadas en una conspiración, donde son perseguidas por un asesino que hace lo posible por acabar con ellas y las personas que las rodean. Deberán hacer cosas impensables para mantenerse con vida mientras investigan quiénes son y de qué tipo de experimento forman parte.
Esta serie cuenta con cinco temporadas de diez capítulos cada una y sin duda alguna se extrañara en la pantalla por su estimulación visual y entretenimiento. Pero una de las cosas que más se extrañaran de ver es sin duda alguna la actuación de Tatiana Maslany, quien interpreta once personajes a la perfección. Esta actriz le otorga a cada personaje una identidad propia y definida y su nivel de trabajo queda plasmado en todas las escenas en la que varios clones interactúan entre sí.
La serie tiene la capacidad de desarrollar una trama enérgica, en donde cada temporada se engancha fácilmente con la otra. Hay algunos giros que buscan sorprendernos, pero que no se generan de la nada, siempre vienen enganchados por acciones de los personajes que vamos siguiendo.
Los personajes secundarios contribuyen al enriquecimiento de la misma, sobre todo el de Felix papel interpretado por Jordan Gavaris, quien es el hermano homosexual adoptivo de Sarah a quien ella recurre siempre que está en problemas y quien deja algunos de los momentos más divertidos de la serie a la vista.
También podemos ver el personaje del detective Art Bell interpretado por Kevin Hanchard quien podríamos decir que es el personaje menos logrado de todos en los primeros episodios, aunque a lo largo de la trama puede que tome un poco mejor de protagonismo ya que se ve más implicado en algunos aspectos.
Los villanos no son como estamos acostumbrados a verlos en series, pero sí mantienen un aspecto de personas que se encuentran por encima del bien y del mal.
Aunque la temática de la serie no explota a fondo temas filosóficos o científicos, deja pensando sobre el comportamiento del hombre, la naturaleza y la influencia que genera en la sociedad. Lo que se puede analizar es que la serie se preocupa de que se muestren cómo son cada uno de los personajes, sus pasiones, las cosas que los motivan, ya que los giros se dan a partir de ellos, como mencionamos anteriormente.
Orphan Black se despide ejemplarmente. Sus temporadas tuvieron altos y bajos, pero no deja de ser una muy buena serie para recomendar.
Título: 'Orphan Black'
Directores: Graeme Manson y John Fawcett
Actores: Tatiana Maslany; Jordan Gavaris; Dylan Bruce; Kevin Hanchard; Maria Doyle Kennedy; Évelyne Brochu; Kristian Bruun; Skyler Wexle.
Duración: 5 temporadas de 10 capítulos.
Género: Ciencia Ficción.
UNA PELI PARA PASAR UN BUEN RATO
Por Patricia Berrutti
Hugo y Braulio, dos jóvenes españoles universitarios, cansados de no encontrar trabajo ni futuro en su país de origen, deciden irse a Alemania en busca de nuevos horizontes. Muy pronto descubrirán que no todo es como se lo cuentan y que ir tras un sueño no significa lograr el éxito que anhelaban.
El cine te puede presentar infinidad de temas, algunas películas nos dejan una enseñanza, nos atrapan con suspenso e intriga otras simplemente nos dejan una sonrisa y pasamos el rato.
“Perdiendo el norte” tiene una mezcla, crítica social con humor, aunque presentada superficialmente. Por momentos podemos sentirnos identificados con el problema y a la vez nos reímos un rato.
Los protagonistas del film tienen estudios universitarios y todas las ganas de superación. Como en su país no encuentran lo que necesitan, deciden emigrar a otro lugar. Lo que al principio parece una excelente oportunidad puede terminar siendo una pesadilla.
La película utiliza el humor para atrapar al espectador y consigue lo que se propone: que lo pases bien y disfrutes de un rato de humor.
Nos ofrece situaciones y pequeñas reflexiones sobre los prejuicios y realidades de buscar empleo en el extranjero. También se proyecta el mensaje de que tratemos de ser lo que queremos, no lo que podamos ser. Porque de lo contrario podríamos condenarnos a no ser felices.
Realiza una ironía sobre la situación de crisis, la economía y los jóvenes de España, pero a mi entender, la crítica social podría haber sido más profunda.
En definitiva, una propuesta simpática y para pasar un momento divertido.
TITULO: PERDIENDO EL NORTE
Dirección: Nacho G. Velilla.
Guión: Antonio Sánchez, David S. Olivas, Oriol Capel, Nacho G. Velilla
Reparto: Yon González, Blanca Suárez, José Sacristán, Javier Cámara, Carmen Machi, Arturo Valls, Julián López,
Música: Juanjo Javierre
Género: Comedia. España, 2015.
Duración: 102 minutos.
Artistas de nivel
Por Evangelina de la Cal
“Hablando de eso” es la primera joya de la banda pop-rock platense Teka Rutera, la cual está compuesta por Cristian Blache (voz y guitarra), Julio Ruani (Bajo) y Emiliano Reguera (Batería).
Es una propuesta fuera de lo conocido en material de composición y edición; muestra un estilo claro y avanzado. Con solo un año, Teka realizó una producción profesional más que satisfactoria.
El diseño grafico, a cargo de Juan I. Bernasconi y Estudio Groznik muestra una armonía de colores y tonos de grises, con presencia de leyes de la Gestalt. El diseño tiene la particularidad de generar afinidad, tranquilamente ampliable para ponerlo en un cuadro en el living de la casa.
La relación entre el diseño visual y sonoro es perfectamente asociable. Ambos muestran la mezcla de dos estilos distintos: lo clásico y lo innovador. Pintura manual y edición gráfica en computadora en el material tangible, y presencia de electrónico, dando la unión del Pop, el Rock y la cumbia en lo sonoro.
Cristian Blache, tiene una voz inconfundible, su timbre da vida a la banda y el tono particular. Sin embargo, es característica la forma en la que se complementan todos los instrumentos. Bajistas a parar la oreja, Julio Ruani dedica esmero en cada composición, algo destacable porque las bandas que recién comienzan no suelen resaltar la importancia del instrumento.
“Hablando de eso” no va a permitir que te quedes quieto. Es ideal para compartir con amigos, para viajar, y si encontrás su música en la radio, seguro que dejas el dial para seguir escuchando.
Artista: Teka Rutera
Álbum: Hablando de eso
Año: 2015
Canciones: Si la ves – Paparazzi – Costal – Lolita – Los súper destellos – Horas eternas – Aromas de un clavel – Luz – A la vuelta – Otra vez.
Producción: Mariano Bilinkis y Cristian Blache.
Grabado y mezclado: U! Studio / Afro Recording Studio, Bs. As., Argentina
El futuro es brillante
Por Agostina Monzón
Es una serie original de Netflix donde muestra cómo la tecnología es utilizada de diferentes formas en el futuro y a la vez, cómo dicha tecnología puede afectar nuestra vida de un momento a otro.
Cada episodio cuenta una historia en particular, por ende, cada uno tiene características gráficas diferentes. Algunos episodios son en blanco y negro, otros tienen una calidad más baja que los demás dependiendo de la ubicación y la historia que quieran contar; la mayoría tienen una buena calidad no solo de imagen sino también en audio.
Toda historia toma un giro inesperado y eso lo hace aún más interesante porque resulta atrapante y llevadera.
Nombre: Black Mirror
Primera emisión: 2011
Géneros: Serie. Ciencia ficción, Drama televisivo, Serie antológica y Cine distópico
Creador: Charlie Brooker
Temporadas: 4
Episodios: 19
Acerca de Ramdom
Por Luciana Barragán
“Ramdom” así se llama el último trabajo discográfico del gran músico argentino Charly García, dedicado a los fallecidos guitarristas que formaron parte de su banda: María Gabriela Epumer y el Negro García López. El CD cuenta con diez canciones compuestas en su integridad por Charly, entre ellas hay una especialmente dedicada a Fabiana Cantilo la cuál tituló “Ella es tan Rubrick” y otra a Marcelo Tinelli titulada “Los amigos de Dios”. Es un disco armónico y de una gran calidad sonora. Se nota el gran trabajo de producción musical, hay mucho teclado y sintetizadores en todas las canciones, en algunas hay efectos sonoros (lluvia, audio de una película, golpes en una puerta, entre otros). Algunos se pueden apreciar fácilmente, otros hay que afinar un poco el oído y escuchar detenidamente, las guitarras están muy marcadas y equilibradas, respecto a la percusión y si mi oído no falla, en algunas canciones me atrevo a decir que hay incorporación de una batería electrónica, por ejemplo en “Lluvia”.
Sin duda alguna, Ramdom tiene toda la esencia de García, quizás su voz en este disco particularmente no es la misma de antes, tiene otro sonido, un poco más apagado pero aún así sigue siendo una voz inconfundible.
Ramdom salió después de siete años del último disco del artista, es un poco escueto en cuanto a la cantidad de canciones seleccionas, si bien es excelente cada una de ellas, hubiese sido estupendo si hubiera incluido más tracks. Finalmente la parte estética del disco es maravillosa, la portada es un trozo de una fotografía en la cual se ve una cocina, la misma esta intervenida con un dibujo de una mujer, en la parte inferior izquierda se ve la figura de un pez, el cual posee dentro el nombre del disco. Por otro lado, el libro interno tiene mucho color, figuras abstractas y figurativas, algo que me resultó curioso y aún no terminé de comprender es que el título de las canciones y las letras están tachadas, esto hace que se pierda la legibilidad de las mismas.
Track1: - La máquina de ser feliz 4:43
Track2: - Ella es tan rubrick 3:04
Track3: - Primavera 4:37
Track4: - Rivalidad 3:07
Track5: - Otro 2:13
Track6: - Lluvia 3:45
Track7: - Believe 2:08
Track8: - Amigos de dios 3:48
Track9: - Spector 3:21
Track10: - Mundo B 3:32
Con cara de velorio
Por Alexis Bernaola
La ley de la ferocidad nos cuenta la historia de Gabriel Reyes, un personaje cuya existencia está inspirada en las propias vivencias del autor.
El protagonista enfrenta una de las situaciones más complejas y que más dejan huellas en la vida de cualquier persona normal, como es el caso de la muerte de su padre. La llamada ley de la vida o según el autor, la “ley de la ferocidad”, sería un hecho definitivo en su manera de vivir, en su arrogancia y en su manera de ver al mundo.
El lenguaje explícito y las fuertes temáticas tratadas en esta obra, no solo atrapan al lector, sino que también lo introduce en un mundo lleno de odio y corrupción propio de la sociedad en la que vivimos. Un mundo que se encuentra frente a nuestros ojos y que el autor nos permite conocer por medio de descripciones detalladas y envueltas en una atmósfera de marginaciones y placeres.
La narración en primera persona nos muestra la dureza y confusión del personaje principal y su fuerte deseo por dejar atrás sus hábitos más oscuros y enterrarlos junto con el rencor y la distancia hacia su progenitor.
La ley de la ferocidad es una novela nueva, fresca y muy recomendable para personas que les guste una lectura fluida y realista.
Ficha técnica
Nombre: La ley de la ferocidad
Autor: Pablo Ramos
Publicación: 2011
Género: literatura contemporánea - Novela realista
Editorial: Alfaguara
“NIEVE NEGRA”. 2017
Por Gabriela Gomez
Suspenso. Coproducción Argentina-Española. DIRECCIÓN: Martín Hodara. Duración: 87 minutos.
Actores de gran trayectoria como Leonardo Sbaraglia y Ricardo Darín trabajan por primera vez juntos, aunque han tenido participaciones en una misma película, esta vez comparten un set de grabación. Los acompañan actores de renombre con Federico Luppi, Dolores Fonzi y Saia Costa, una actriz española que no es conocida en nuestro país, con participaciones menores.
La locación del filme se desarrolló íntegramente en Los Pirineos, aunque es una simulación debido a que la historia en la ficción, ocurrió en la Patagonia.
Una trama de secretos y mentiras familiares que mantienen al espectador en permanente atención, hay hechos que se van conociendo con el transcurso del tiempo y es difícil imaginarse cuál es el punto de conflicto. El dinero en primer término como el factor de disputa, no dilucida el mayor punto de tragedia. Muertes y codicia esconden una terrible situación familiar.
Es destacada la actuación de Ricardo Darín en un papel en el que cuesta reconocerlo, saliendo del estereotipo del galán para convertirse en un ermitaño y oscuro personaje. Una película que sorprende con el final y que deja al descubierto como la ambición y la avaricia, generan las actitudes más ruines.
Sing ¡ven y canta!
Por Daiana Eberle
Dirección: Gareth Jennings
Género: animación, comedia musical
Duración: 108 min
Estreno: 21 de diciembre 2016.
Sinopsis:
En un mundo de animales, un koala llamado Buster busca recuperar la gloria perdida de su teatro. Para conseguirlo convoca a un concurso de canto en el que le darán $100.000 al ganador. Siendo así acuden motivados por el dinero, la fama y la gran oportunidad de demostrar su talento.
Película simple y divertida. La musicalización y la puesta en escena son importantes y se desarrolla de manera sencilla para que los chicos puedan comprenderla. Al ser un concurso de música, es increíble la cantidad de animales que buscan audicionar y demostrar sus cualidades. Se van desarrollando múltiples escenas que impactarán al público, por el gran talento de los protagonistas. Divertida e emocionante para grandes y chicos.
Rescatando a Sara
Por Gladys Zubeldia.
Es una miniserie dramática española en 2 capítulos basada en hechos reales. Dirigida por Manuel Ríos San Martín y escrita por Mónica Martín-Grande, la historia es recogida por el “periodista Javier Ángel Preciado” (quien escribió el libro que lleva el mismo nombre de la miniserie). Fue rodada en el año 2.012 y estuvo en “cajón” por dos años, hasta que la cadena televisiva de Antena 3 de España la estrena en 2.014 -
Sinopsis:
La historia de vida comenzó cuando una mujer española conoció y se enamoró de un musulmán radicado en España. Fruto de ese amor nace Sara, pero la educación de la niña en un país occidental y tras haber tenido un fuerte conflicto con los hijos que ya tenía dicha mujer, cambiaría la postura del padre de Sara y finalmente se produciría la ruptura de la pareja. Así es que el padre decidió secuestrar a la niña de 9 años de edad y llevársela a Basora, Iraq, aún a sabiendas de que el país seguía en guerra. A partir de ese momento, la madre comenzó a vivir una terrible experiencia, en una lucha más que titánica en cuanto a lo legal y administrativo por recuperar a su hija menor, incluso peligrando también su vida por ir a un país en conflicto bélico, pero nada la detendría. Por suerte, esta “madre coraje” contó por más de dos años con la ayuda de un periodista de investigación que la acompañó además en sus viajes a Iraq.
Es una miniserie que no necesita más que de estos dos capítulos, porque de extenderla, al ser un hecho de la vida real, seguramente se comenzarían a inventar situaciones que ensuciarían demasiado el guión en la veracidad de los hechos. Deja al espectador atrapado en un estado de suspenso y ansiedad, de angustia y amor, al ver de lo que es capaz una madre por un hijo. Ante cualquier situación que se pueda considerar que se está perdiendo, si se clama, se insiste y se denuncia inmediatamente ante los medios, y estos colaboran, las respuestas serán indefectiblemente en favor de la víctima. Esto se ve claramente en esta muestra de abuso de una nación que regida bajo el poder del islam, data como la afortunada relación con un medio periodístico muy interesado en el caso les abrió puertas antes negadas, como negociaciones, un juicio justo en un país con leyes y costumbres culturales muy aferradas que le niega derechos a la mujer.
5 pulgares arriba por hacer de este tipo de película o miniserie, para despertar el cuidado de quien se enamora sin medir consecuencias y por la actuación de los protagonistas que se vieron muy convincentes.
Actores protagonistas y coprotagonistas:
Carmen Machi es: Leticia (la madre)
Sandra Melero es: Sara
Abdelhatif Hwidar es: Abdel (el padre)
Fernando Guillén Cuervo es: Javi el periodista (Fernando Preciado)
Moonrise Kingdoom
Por Juan Manuel Beier
Moonrise Kingdom es una comedia dramática estadounidense dirigida por Wes Anderson que se estrenó en el año 2012. Focus Features llevó a cabo la distribución.
Si uno se deja llevar sólo por el encanto vintage de las estética de Wes Anderson, lo que se desprendería en primera instancia de la historia sentimental entre Susie y Sam sería la puesta en escena del encanto del primer amor pre adolescente, una vuelta a los años inocentes, en clave más o menos nostálgica.
Pero la nostalgia es una trampa de la memoria. Entorpece la acción sobre el presente porque la idea de felicidad parece congelada en un pasado distante, inaccesible.
La película no se queda ahí. No es el cuento de lo que fue y no vuelve. Es la insistencia en la potencia del amor liberado de las presiones sociales, culturales, históricas, que lo oprimen; o que tratan en todo caso de encerrarlo en un sentido “normativo”. Porque ¿qué otro rol cumplen sino los adultos en esta película? Padres con rencores y amores irresueltos, instituciones (policía, scouts, orfanato) tratan de poner los sentimientos de los niños en el lugar donde -se supone- que deberían estar.
Moonrise Kingdon es la celebración del amor sin ataduras. Del descubrimiento permanente. Nada sintetiza mejor esa fuerza que la escena del baile en la playa, y el beso torpe y sincero, entre Suzie y Sam. Ahí está una clave a la que cada uno debería volver en el agotamiento de la vida adulta.
CRÍTICA: “SULLY, HAZAÑA EN EL HUDSON”.
Por Gabriela Gomez
2016, Drama, película biográfica. Duración 1H 36M.
La película refleja lo sucedido en el Río Hudson cuando el vuelo 1549 de US Arways acuatiza debido a una emergencia.
El Director Clint Eastwood elige como protagonista para este film cinematográfico al reconocido y premiado Tom Hanks. Este actor se ha convertido a través de los años y por su trayectoria en éxito garantizado.
Hanks encarna a Sully Chesley el piloto que debió tomar una drástica decisión acuatizando en un Río de los Estados Unidos con el resultado de ninguna víctima fatal, poniéndolos a todos a salvo luego de la increíble e impensada maniobra peligrosa.
Lo destacable de esta película que siendo un evento importante dentro de lo que son los accidentes más recordados de los últimos tiempos, situación conocida y vivida a través de los medios de comunicación y transmitido en vivo para el mundo, este film sostiene en vilo al espectador hasta el último segundo. Las diferentes situaciones que deberán atravesar el piloto y copiloto frente a la tripulación, a la opinión pública y a los que juzguen su proceder mantendrán expectante a todos.
“El tesoro”, lo nuevo de El Mató.
Por Juan Manuel Beier
El single salió hace una semana y ya supera las 80 mil visitas en YouTube.
El mató a un policía motorizado es una banda de la ciudad de La Plata, que tras un largo recorrido en una combi por todo el país y viajando por España y toda Latinoamérica, llevó su música del estilo indie rock, a ser grabada en Texas, Estados Unidos.
Este álbum es el quinto single, que en este formato lo predecía “Chica de Oro” del 2012, aunque llevan tres discos completos, cuatro EP (extended play) y cinco singles (incluyendo “El Tesoro).
En una entrevista realizada por la revista Inrockuptibles Santiago Barrionuevo, cantante de El Mató habló de cómo se siente grabar en territorio texano. “Era muy loco: estás en un desierto, en medio del campo. Siempre me pareció algo muy mentiroso eso de que el lugar donde grabás se te meta en el disco, pero me pasó. Me parecía un cliché. Igual es muy poquito, una frase puntual y me pasó por no tener antes la letra. El paisaje allá es muy extraño, muy de película de terror. Ahí cosechan nueces así que en invierno están todos los nogales pelados y la casa en la que paramos está al lado de un arroyo seco. En la letra hablo de un río sin agua. Siempre me dio demasiado vértigo no llegar con las letras completas, pero Bergallo (el productor) me decía que era muy común que las bandas terminen de escribir los discos en el estudio.”
El nuevo single es el adelanto al próximo disco que en teoría saldría en Junio, y su estreno será en simultáneo con los sellos de España y Estados Unidos. “El tesoro” se puede escuchar en todas las plataformas online y además se puede conseguir el disco en todas las disquerías, en formato CD y vinilo.
La llegada...Película impactante, compleja y conmovedora.
Por Daiana Eberle
Doce naves extraterrestres llegan a la Tierra, ubicadas en diferentes puntos del Mundo, dejando en estado de pánico a la población. Los Militares piden ayuda a una experta Lingüística (Amy Adams) para entender el idioma alienígeno y para dar con la verdadera razón de su llegada.
El director de este film logra jugar con el tiempo, los recuerdos y con la forma en que se desarrolla la llegada de estos invasores. El lenguaje, que le es difícil de interpretar a Louise (Amy Adams) y Ian Donelly (Jeremy Renner, científico), no es impedimento para comprender cuál es el motivo de su llegada y qué pretenden. La protagonista principal es ella (Louise) ya que la mayoría de las escenas transcurren alrededor de su historia de vida.
Dentro de los personajes, llaman enteramente la atención los invasores, no se llega a entender cuál sería su rol en la película, ya que por momentos pierde protagonismo y pasan a hacer secundarios en el film. El comienzo y el final de la película fueron los más emocionantes.
Dirección: Denis Villenueve
Reparto: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Tzi Ma y Mark O’Brien.
Estreno: 18 noviembre 2016.
Género: Ciencia Ficción-Drama.
Duración: 116 Min.
Bailar en soledad.
Por Juan Manuel Beier
“Los paranoicos” es una película argentina de 2008 dirigida por Gabriel Medina y protagonizada por Daniel Hendler.
Los paranoicos nos cuenta la historia de uno de los momentos que atraviesa Luciano Gauna (Daniel Hendler). Es nervioso, tímido e incapaz de soltarse a pleno con su entorno, entretiene a niños y niñas en fiestas con su traje de payaso, se preocupa por el HIV y le pega un portazo a un amigo. Además cocina bien y esconde el porro en un monstruo psicodélico.
Junto a su novia Sofía, desde Europa, llega el egocéntrico y canchero Manuel, un amigo de Gauna que se acerca con la serie que la está rompiendo en España “Los paranoicos”, que tiene como personaje principal a uno que se llama… “Luciano Gauna”.
Me colman de bronca las escenas en donde es llamativa la presencia de presión absoluta por parte de un amigo que quiere que estés online todo el tiempo. Gauna no es así, el tiene un tiempo más lento pero más intenso, con más cuerpo, preocupado por todo.
Las miradas en la cena entre los novios y Luciano resulta increíble, el ambiente que genera la luz cálida, la música independiente y el humo forman la atmósfera necesaria para un juego de emociones tensas.
Estar solo y ser un desecho social significa a veces estar en una serie en donde ni siquiera te preguntaron si querías estar. ¿Cómo un canchero se puede apoderar del humilde y preocupado corazón de un escritor treintañero?
El amor contempla todo y manifiesta definitivamente y en cualquier momento los verdaderos sentimientos, Gauna y Sofía se abrazan en el medio de una calle, después de un recital, después de un baile solo, que al fin y al cabo no fue solo, fue más frenético que nunca, junto a Sofía, la chica intrascendente.
Buenas noches y buena suerte
Por Gladys Zubeldía
Es una película del director y actor George Clooney, que en esta oportunidad hace de productor de David Stratharin, quien tuvo el papel principal como el afamado periodista Edward R. Murrow. Otros actores participantes, también como periodistas de la CBS, estuvieron encarnados por Robert Doweney Jr., Jeff Daniels, Frank Langella y Patricia Clarkson.
La película habla de la censura y de las presiones políticas como patrocinadores de los medios de comunicación. En ella cuenta el enfrentamiento histórico que existió entre Murrow como periodista y presentador de un programa informativo en un estudio de televisión junto a su productor, contra el anticomunista senador Joseph McCarthy en los años 50 en EE.UU.
Se conoció en aquella época como la “caza de brujas” comunista, inventando mentiras sobre un teniente de aviación, acusándolo de que era un peligro para la seguridad nacional. Al ver el senador que el periodista lo ponía en evidencia en su programa, este se lanza en una serie de más mentiras, pero ahora en contra del Murrow, a quien también acusaba de comunista falsificando pruebas.
Es una película ágil, de no muy larga duración, aproximadamente 1 hora 15 minutos. Realizada en blanco y negro, aporta un impacto sensorial muy distinto al acostumbrado, donde se incluyen además las canciones de jazz, el vestuario y la ambientación reflejando una época que marcó la historia del comienzo del periodismo en ese medio.
Si el guion atrapó al espectador, este se puede ver inmerso en aquel mundo de periodistas que corrían a la hora de dar una noticia bomba y en cómo funcionaba además un estudio de televisión con un gran equipo de incondicionales compañeros apoyando la causa pese a las presiones del gobierno y sintiéndose orgullosos cuando veían en la prensa escrita como resaltaban en su favor la noticia en cuestión.
Hoy a casi 70 años de este hecho reflejado en el film, es creíble ver la película y escuchar frases en un discurso de quien hace de periodista, tales como…“las pruebas de nuestra decadencia, escapismo y aislamiento de la realidad del mundo en que vivimos”… ”adolecemos de una alergia innata a la información que nos perturba”…”como no dejemos de considerarnos como un negocio y no reconozcamos que la televisión está enfocada básicamente en distraernos, engañarnos, entretenernos y aislarnos…la televisión, los que la financian, los que la ven y los que la producen, podrían percatarse del error demasiado tarde”.
Porque cualquier parecido con la realidad…no es mera coincidencia.
5 pulgares arriba
Las “Mujeres” de Eduardo Galeano
Por Lautaro Peñaflor
Eduardo Galeano es dueño de una pluma inigualable. Nada hay de novedoso en esas palabras, pero es una afirmación obligada para hablar de su obra. Claro que la situación no cambia en “Mujeres”, su primer libro póstumo.
Un libro antológico, compuesto por varias decenas de relatos referenciales a distintas mujeres que conmueven e inspiran por su desafío a las reglas impuestas en su época. Luchadoras visibles a invisibles, desde la individualidad o en lo colectivo, latinoamericanas y transcontinentales, pero todas ellas dignas de ser conocidas y admiradas.
De Sherezade, personaje de Las Mil y Una Noches, a Eva Duarte; de Rigoberta Menchú a Marilyn Monroe. Así de diversa es la oferta en este libro que se inmiscuye en la esencia de cada una de estas mujeres, para regalarnos lo más jugoso de sus historias.
Las palabras en cada relato están magistralmente ubicadas. Las narraciones son breves, conforme al estilo del autor. Galeano despliega su maestría en este libro y, en pocas frases, logra dejar pensando a sus lectores como muy pocos escritores pueden lograrlo.
Es dueño de una claridad conceptual e ideológica incomparable. Sólo de esa forma, puede lograr mensajes de una estructura muy sencilla, pero tan llenos de contenido, que resultan capaces de hacer sucumbir el ideario de cualquier persona.
Portador más representativo de la ideología de izquierda y latinoamericano, Eduardo Galeano deja su impronta en cada frase, en cada palabra. La lectura merece detenimiento y atención. Es agradable, pero enérgico. La división del libro en historias breves, permite interrumpir la tarea y retomarla en otro momento.
Las Madres de Plaza de Mayo, Juana de Arco, Alfonsina Storni, Rosa Luxemburgo, Frida Kahlo, Marie Curie, entre otras tantas, desfilan a lo largo de la publicación, ofreciendo la interesante visión del autor acerca de la historia de cada una de estas mujeres. Cuando suelen escribirse libros enteros acerca de cada una de ellas, a Galeano le bastan unas pocas líneas para capturar lo más intenso de sus biografías.
“Mujeres” interpela y desafía, a través de la intensidad de las personas a las que refiere. Una obra excepcional, única, imperdible para comprender la lucha de las mujeres a lo largo de la historia, y alrededor de todo el globo terráqueo.
Ficha Técnica:
Título: “Mujeres”
Autor/autora: Eduardo Galeano
Editorial: Siglo XXI Editores
Número de páginas: 237
Año de publicación: 2015
Género: Biográfico
Comer, rezar, amar.
Por Abigail Biragnet
La protagonista emprende un viaje por Italia, la India y Bali en busca de una renovacion emocional, ya que no se siente satisfecha con su vida, aunque pareciera tenerlo todo. En su transcurso descubre lo bien que se siente comer todo lo que quiera, aunque eso afecte su talla, luego aprende a rezar y meditar para lograr el equilibrio en su vida, e inesperadamente encuentra al amor de su vida. A lo largo de las dos largas horas de film, se pueden apreciar los paisajes de los diferentes lugares que la protagonista visita y también tienen lugar las diferentes costumbres y tradiciones de los mismos a los que ella intenta adecuarse.
Titulo: Comer, rezar, amar.
Año: 2010
Actriz: Julia Roberts
Director: Ryan Murphy
Una vuelta de tuerca a la concepción de la vida
Es una película del director y actor George Clooney, que en esta oportunidad hace de productor de David Stratharin, quien tuvo el papel principal como el afamado periodista Edward R. Murrow. Otros actores participantes, también como periodistas de la CBS, estuvieron encarnados por Robert Doweney Jr., Jeff Daniels, Frank Langella y Patricia Clarkson.
La película habla de la censura y de las presiones políticas como patrocinadores de los medios de comunicación. En ella cuenta el enfrentamiento histórico que existió entre Murrow como periodista y presentador de un programa informativo en un estudio de televisión junto a su productor, contra el anticomunista senador Joseph McCarthy en los años 50 en EE.UU.
Se conoció en aquella época como la “caza de brujas” comunista, inventando mentiras sobre un teniente de aviación, acusándolo de que era un peligro para la seguridad nacional. Al ver el senador que el periodista lo ponía en evidencia en su programa, este se lanza en una serie de más mentiras, pero ahora en contra del Murrow, a quien también acusaba de comunista falsificando pruebas.
Es una película ágil, de no muy larga duración, aproximadamente 1 hora 15 minutos. Realizada en blanco y negro, aporta un impacto sensorial muy distinto al acostumbrado, donde se incluyen además las canciones de jazz, el vestuario y la ambientación reflejando una época que marcó la historia del comienzo del periodismo en ese medio.
Si el guion atrapó al espectador, este se puede ver inmerso en aquel mundo de periodistas que corrían a la hora de dar una noticia bomba y en cómo funcionaba además un estudio de televisión con un gran equipo de incondicionales compañeros apoyando la causa pese a las presiones del gobierno y sintiéndose orgullosos cuando veían en la prensa escrita como resaltaban en su favor la noticia en cuestión.
Hoy a casi 70 años de este hecho reflejado en el film, es creíble ver la película y escuchar frases en un discurso de quien hace de periodista, tales como…“las pruebas de nuestra decadencia, escapismo y aislamiento de la realidad del mundo en que vivimos”… ”adolecemos de una alergia innata a la información que nos perturba”…”como no dejemos de considerarnos como un negocio y no reconozcamos que la televisión está enfocada básicamente en distraernos, engañarnos, entretenernos y aislarnos…la televisión, los que la financian, los que la ven y los que la producen, podrían percatarse del error demasiado tarde”.
Porque cualquier parecido con la realidad…no es mera coincidencia.
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Las “Mujeres” de Eduardo Galeano
Por Lautaro Peñaflor
Eduardo Galeano es dueño de una pluma inigualable. Nada hay de novedoso en esas palabras, pero es una afirmación obligada para hablar de su obra. Claro que la situación no cambia en “Mujeres”, su primer libro póstumo.
Un libro antológico, compuesto por varias decenas de relatos referenciales a distintas mujeres que conmueven e inspiran por su desafío a las reglas impuestas en su época. Luchadoras visibles a invisibles, desde la individualidad o en lo colectivo, latinoamericanas y transcontinentales, pero todas ellas dignas de ser conocidas y admiradas.
De Sherezade, personaje de Las Mil y Una Noches, a Eva Duarte; de Rigoberta Menchú a Marilyn Monroe. Así de diversa es la oferta en este libro que se inmiscuye en la esencia de cada una de estas mujeres, para regalarnos lo más jugoso de sus historias.
Las palabras en cada relato están magistralmente ubicadas. Las narraciones son breves, conforme al estilo del autor. Galeano despliega su maestría en este libro y, en pocas frases, logra dejar pensando a sus lectores como muy pocos escritores pueden lograrlo.
Es dueño de una claridad conceptual e ideológica incomparable. Sólo de esa forma, puede lograr mensajes de una estructura muy sencilla, pero tan llenos de contenido, que resultan capaces de hacer sucumbir el ideario de cualquier persona.
Portador más representativo de la ideología de izquierda y latinoamericano, Eduardo Galeano deja su impronta en cada frase, en cada palabra. La lectura merece detenimiento y atención. Es agradable, pero enérgico. La división del libro en historias breves, permite interrumpir la tarea y retomarla en otro momento.
Las Madres de Plaza de Mayo, Juana de Arco, Alfonsina Storni, Rosa Luxemburgo, Frida Kahlo, Marie Curie, entre otras tantas, desfilan a lo largo de la publicación, ofreciendo la interesante visión del autor acerca de la historia de cada una de estas mujeres. Cuando suelen escribirse libros enteros acerca de cada una de ellas, a Galeano le bastan unas pocas líneas para capturar lo más intenso de sus biografías.
“Mujeres” interpela y desafía, a través de la intensidad de las personas a las que refiere. Una obra excepcional, única, imperdible para comprender la lucha de las mujeres a lo largo de la historia, y alrededor de todo el globo terráqueo.
Ficha Técnica:
Título: “Mujeres”
Autor/autora: Eduardo Galeano
Editorial: Siglo XXI Editores
Número de páginas: 237
Año de publicación: 2015
Género: Biográfico
Comer, rezar, amar.
Por Abigail Biragnet
La protagonista emprende un viaje por Italia, la India y Bali en busca de una renovacion emocional, ya que no se siente satisfecha con su vida, aunque pareciera tenerlo todo. En su transcurso descubre lo bien que se siente comer todo lo que quiera, aunque eso afecte su talla, luego aprende a rezar y meditar para lograr el equilibrio en su vida, e inesperadamente encuentra al amor de su vida. A lo largo de las dos largas horas de film, se pueden apreciar los paisajes de los diferentes lugares que la protagonista visita y también tienen lugar las diferentes costumbres y tradiciones de los mismos a los que ella intenta adecuarse.
Titulo: Comer, rezar, amar.
Año: 2010
Actriz: Julia Roberts
Director: Ryan Murphy
Una vuelta de tuerca a la concepción de la vida
Por Agostina Pitton
“El cielo es de quien lo vuela” es una narración de Guillermo de Pósfay, un escritor independiente nacido en la ciudad de Buenos Aires, actual residente de Capilla del Monte, que tiene un sentido mucho más amplio que el del generar mero entretenimiento. Es que la característica que distingue a este autor es la capacidad de trascender la fantasía literaria para encontrar la verdadera magia en su propia vida, y por tanto, transcribirla al papel.
Dotándose de un sentido minuciosamente descriptivo, hasta puntos donde resulta insoportable o gracioso la cantidad de adjetivos que utiliza- según cómo se recibe el relato-, este autor merece ser llamado único. Porque está claro que no copia estilos, y resulta tan anárquica su prosa que apenas si usa puntos y comas para organizar la lectura más formalmente- aunque, en otras publicaciones, dispensa totalmente de ellas, dejando al libre albedrío su verdadero orden y por tanto significado.-
Una obra que se sale del común de los libros, donde la trama no es más que un panorama que acompaña y embellece el mensaje que se está dando, a través del uso de la metáfora.
Ya partiendo desde el título, un proyecto más bien humano, relato inventado o no, pero al fin verídico, que incorpora un lenguaje cotidiano y suelto, que se permite evadir los juicios sociales sobre los términos utilizados, para darle una impronta inocente y reinterpretativa.
Una historia que encarna la felicidad del autor, los secretos que descubre en su propia vida y que sabe que son comunes a la humanidad si está dispuesta a abrir los ojos. El relato de un hombre iluminado y consciente en cada instante de su misma existencia.
“El cielo es de quien lo vuela” es una narración de Guillermo de Pósfay, un escritor independiente nacido en la ciudad de Buenos Aires, actual residente de Capilla del Monte, que tiene un sentido mucho más amplio que el del generar mero entretenimiento. Es que la característica que distingue a este autor es la capacidad de trascender la fantasía literaria para encontrar la verdadera magia en su propia vida, y por tanto, transcribirla al papel.
Dotándose de un sentido minuciosamente descriptivo, hasta puntos donde resulta insoportable o gracioso la cantidad de adjetivos que utiliza- según cómo se recibe el relato-, este autor merece ser llamado único. Porque está claro que no copia estilos, y resulta tan anárquica su prosa que apenas si usa puntos y comas para organizar la lectura más formalmente- aunque, en otras publicaciones, dispensa totalmente de ellas, dejando al libre albedrío su verdadero orden y por tanto significado.-
Una obra que se sale del común de los libros, donde la trama no es más que un panorama que acompaña y embellece el mensaje que se está dando, a través del uso de la metáfora.
Ya partiendo desde el título, un proyecto más bien humano, relato inventado o no, pero al fin verídico, que incorpora un lenguaje cotidiano y suelto, que se permite evadir los juicios sociales sobre los términos utilizados, para darle una impronta inocente y reinterpretativa.
Una historia que encarna la felicidad del autor, los secretos que descubre en su propia vida y que sabe que son comunes a la humanidad si está dispuesta a abrir los ojos. El relato de un hombre iluminado y consciente en cada instante de su misma existencia.
Las Voces
Por Adrián Guber
Una historia que puede que no guste a la mayoría de los espectadores, de humor oscuro y escenas que rozan el terror.
Una historia que puede que no guste a la mayoría de los espectadores, de humor oscuro y escenas que rozan el terror.
La historia cuenta las vicisitudes de Jerry, un personaje positivo y simpático que contagia buenas ondas, pero en la intimidad sufre de rezagos del pasado que nublan su razón y hace que busque exteriorizar sus personalidades a través de sus mascotas (Bosco y Mr Whiskers) uno encarna las buenas costumbres y otro toda la maldad representada con un tono de voz extremadamente británico.
Existe la posibilidad de confundir al actor Ryan Reynolds en otros personajes, casi como ver a Nicolas Cage, que al verse en tantas películas hacen ver al personaje como al actor y no como la personalidad que intentas desarrollar los escritores y el director del film.
El director Marjane Satrapi, de origen Iraní recrea escenas como de cuento de Disney, mostrando las alucinaciones que la esquizofrenia le crea al personaje.
El film cuenta con un flash de realidad fuera de la fantasía del personaje principal, de imágenes grotescas y un completo desagrado de Jerry de ver la realidad detrás de sus delirios.
Un historial familiar deja a Jerry con factores genéticos y psicológicos de sufrir estos trastornos, que terminan por desencadenar asesinatos culpa de sus patologías mentales.Nombre original: The Voices
Año de estreno: 2014
Género: Comedia, crimen, horror.
Duración: 1 hr. 43 min
Director: Marjane Satrapi
Actores principales: Ryan Reynolds, Gemma Arterton, Anna Kendrick
Malala, mi historia
Por Lautaro Peñaflor
Hay historias que merecen ser contadas, y la de Malala Yousafzai es una de ellas. La niña pakistaní que logró sobreponerse a los mandatos de la sociedad conservadora en la que nació, decidió contar los hechos más importantes de su vida en un relato autobiográfico relativamente breve, en el que vale la pena sumergirse.
A lo largo de sus páginas, la autora y protagonista cuenta sus pocos pero intensos años de vida, haciendo hincapié en cómo se transformó en una militante del derecho a educarse de las niñas, que se veía-y aún se ve- coartado por la visión extremista del Islam, que los talibanes llevan a la práctica- incluso- asesinando personas, llevando adelante atentados, incendiando escuelas, etcétera.
No obstante, el relato fluctúa entre comentarios de la vida de una niña común, que juega, quiere sacar buenas calificaciones en la escuela, se enoja con su mejor amiga, pelea con sus hermanos… y maduras preocupaciones, que tienen que ver con su trabajo por la paz y la educación, que la hacen exponerse a los medios de comunicación, los micrófonos, discursos y grandes auditorios desde muy pequeña.
Asimismo, todo el texto se encuentra atravesado por elementos de la cultura propia de Medio Oriente. Este aspecto descriptivo contextualiza, y ayuda a no perder el eje en ningún momento, pero está presente en su justa medida, para no obstaculizar ni entorpecer la lectura.
Debe mencionarse, que la explicación ofrecida de la compleja situación en la tierra de la protagonista resulta muy simplificada. A menudo, la concepción binaria de “amigo- enemigo” parece no ser explicativa del panorama social que involucra talibanes, cuestiones religiosas y hasta políticas. De todos modos, la visión simplista se vuelve una buena primera aproximación, para aquellos lectores no muy inmersos en el tema.
Se trata de una obra de lectura rápida y ágil, ideal para público adolescente. La trayectoria de la coautora- Patricia McCormick- así lo demuestra. Aun de esa forma, estamos frente a una historia recomendable para personas de toda edad. Su escritura sencilla y su lectura agradable, lo hacen ideal para leerlo en el colectivo, en una pausa de trabajo o durante un fin de semana.
Poco podemos decir sobre la historia de Malala, que es- en términos generales- conocida. Fue merecedora de numerosos premios, entre los que se destaca el Premio Nobel de la Paz 2014. Pese a ello, su autobiografía contribuye a entender su lucha y su militancia, pero además su pensar y su sentir, al involucrarse en el contexto personal y familiar en el que nació y creció.
“Malala, mi historia” es clarificador y esperanzador. Muestra que, aún ante las peores adversidades, vale la pena luchar por las convicciones y las verdades de cada uno. El optimismo de la protagonista, aún en las peores y más dramáticas circunstancias de su vida, resulta totalmente inspirador para quien se encuentre con ella mediante la lectura.
Ficha Técnica:
Título: “Malala, mi historia”
Autor/autora: Malala Yousafzai y Patricia McCormick
Editorial: Editorial Alianza
Número de páginas: 250
Año de publicación: 2015
Género: Autobiográfico
La verdad duele
Por Adrián Guber
Estados Unidos, un caso verídico. La historia de Bennet Omalu un medico nigeriano de altos estudios dedicado a la medicina forense descubre un patrón en jugadores de futbol americano que pierden la cordura.
Siguiendo su instinto Omalu va hasta el fondo con la investigación dando con una hipótesis que hace que el deporte nacional que para un país cuando se desarrolla el Superbowl (final del campeonato de la liga americana de futbol) se vea en riesgo.
Es ahí cuando las bases más estructuradas de esta nación empiezan a perseguir al doctor, destituyéndolo de su trabajo y con una serie de amenazas a él y a su familia por su condición de inmigrante.
Omalu que desde joven quería vivir el sueño americano y tenía gran admiración por este país, sus habitantes y las posibilidades de desarrollarse sin límites solo con trabajo duro comenzó a ver la otra cara al cuestionar sus costumbres.
Desilusionado de esta sociedad continua su lucha por el reconocimiento del síndrome postconmoción cerebral, aun yendo contra los intereses económicos millonarios de este deporte para proteger a los deportistas que terminaban por suicidarse en muchos casos por este trastorno mental.
Tal tesón termina en una propuesta laboral para trabajar para el estado que siempre admiró pero que después de ver la realidad de un estado corrupto hace cambiar al personaje que encarna Will Smith.
Nombre original: Concussion
Año de estreno: 2015
Género: Biografía, Drama, Deporte
Duración: 2 hr. 3 min
Director: Peter Landesman
Actores principales: Will Smith, Alec Baldwin, Albert Brooks
Año de estreno: 2015
Género: Biografía, Drama, Deporte
Duración: 2 hr. 3 min
Director: Peter Landesman
Actores principales: Will Smith, Alec Baldwin, Albert Brooks
“Sin hijos”
Por Abigail Biragnet
Él está separado hace cuatro años y su hija se convirtió en el centro de su vida desde ese momento. Negado y sin interés por rehacer su vida amorosa, Gabriel se dedica a su trabajo y su hija.
Después de escenas muy graciosas dejando en claro la obsesión del personaje por su nena, de ocho años, no tarda en aparecer el conflicto con Vicky, un amor platónico de la adolescencia, transformada en una mujer hermosa y madura. El problema es que a Vicky no le simpatizan los niños y esto termina poniendo la vida del protagonista en una clase de malabarismo y ocultamientos.
Situaciones relacionadas con la vida real cotidiana de los matrimonios separados y de sus hijos pueden reflejarse a lo largo del film. Con una actuación desopilante de Guadalupe Manent, la hija, que sin dudas es el papel que se roba las miradas y la atención de los espectadores.
Ficha técnica
Titulo: Sin hijos
Año: 2015
Director: Ariel Winigrad
Actores: Diego Peretti, Maribel Verdu.
Conducta
Por Agostina Pitton
‘Conducta’ es una producción fílmica cubana con un guión muy fiel a la realidad del país. Cuenta la historia de Chala, un niño de 11 años, que lleva una vida muy dura entre una madre prostituta y adicta a las drogas, y un ‘trabajo’ de entrenar perros de pelea para sustentar su hogar. Pese a estas condiciones acude a la escuela, donde establece un vínculo muy estrecho con su maestra.
El film, si bien con un guión sencillo y tal vez un poco ‘trillado’ en cuanto a la estructura y detalle del escenario de acción, cuenta con muy buenas actuaciones de sus actores, nutridas de gran naturalidad y una increíble calidad en sus tomas fotográficas.
El entorno donde transcurre la película se enfatiza en las miserias del país, poniendo especial acento a las realidades crueles que atraviesan sobre todo a los niños nativos, pero que muchas veces suele tildarse de exageración y monotonía en el guión.
Por demás, relata una historia centrada en uno de los ejes más discutidos de aquella sociedad: la educación; y cómo se entrelazan las historias personales con los derechos básicos de los niños.
Una producción aunque dramática realmente atractiva, dotada de un dinamismo constante, que la hace más entretenida en su visualización, pero que no deja de marcar un punto de reflexión, sin necesidad de recurrir obligatoriamente a recursos exagerados para lograr su objetivo. Sin duda, una película que da qué pensar y nos deja una emotividad dando vueltas dentro.
Ficha técnica
Director: Ernesto Daranas
Año:2014
Fotografía: Alejandro Pérez
Reparto: Armando Valdés Freyre, Alina Rodríguez, Silvia Águila, Yuliet Cruz, Amaly Junco, Armando Miguel Gómez, Miriel Cejas, Idalmis Garcia
¿Qué democracia?
Por Lautaro Peñaflor
Podríamos pasar horas pensando cómo titular esta nota. Sin embargo, no se nos ocurriría nada mejor que el nombre del documental. “¿Qué democracia?” sintetiza a la perfección el sentido de estos minutos 75 minutos de reflexión: problematizar el sistema representativo que conocemos, y animarnos a pensar en otras alternativas de resolución de nuestros conflictos sociales.
Analistas, políticos, profesores, aficionados, consultores y vecinos desfilan por la cinta del Patricio Escobar, dándonos su visión respecto a la política actual y las formas de ejercicio y participación en la misma. De todos los testimonios que se pueden observar sobresale el de Armando Díaz, profesor de matemática al que en algún momento le hizo ruido el sistema representativo.
Es a partir de ese “click”, que investiga los resultados de distintas elecciones pasadas, y saca conclusiones relacionando los cargos representativos y los porcentajes de abstención, votos en blanco y votos nulos.
De la pasión de una manifestante de Tinogasta en medio de una protesta reprimida, al grito de “uno les delega la responsabilidad y se toman atribuciones”, hasta las frías y mentadas reflexiones de Jaime Durán Barba, la película recorre- en sus siete títulos- el problema de la representación en distintos momentos sociales y su falta de respuestas en la coyuntura actual.
De música que oscila entre agradables acordes ambientales y canciones combativas que acompañan el contenido que trata, el documental consigue mostrar un amplio espectro de opiniones y visiones en torno al tema central. No obstante, por momentos se vuelve algo reiterativo y- por el gran bagaje teórico de los contenidos- un poco tedioso. Eso no quita claridad a los conceptos ni impacto al mensaje.
Con escenarios sencillos (bibliotecas, escritorios, plazas, protestas sociales, escuelas), el film genera una sensación de cercanía entre los espectadores respecto y la relevancia del problema que nos ocupa, en la vida cotidiana de cada uno de nosotros: la crisis de la representación política y la falta de participación popular, tienen implicancias directas en nuestro devenir diario, y eso queda claro.
“¿Qué democracia?” se enrola en ese tipo de productos que entienden al arte y la cultura como portadoras de mensajes, que pueden impactar en las personas y motorizar cambios positivos en la sociedad. En tal sentido, no busca que ser estéticamente perfecto sea su principal ni su única virtud. Es, por esta razón, sumamente valioso que el documental esté disponible abiertamente en Internet (se puede acceder al mismo en este link).
De esta manera, cumple su principal objetivo: llamar al pensamiento sobre el sistema político y abrir en un debate sobre ese tema. No caben dudas de que merece ser vista, difundida y- sobre todo- muy discutida.
Ficha técnica:
Título original: ¿Qué democracia?
Director: Patricio Escobar
Duración: 75 minutos.
Año de estreno: 2013
Género: Documental
Reparto: Armando Díaz, Jaime Durán Barba, Juan Manuel Abal Medina, Luis Zamora, entre otros.
El Clan
Por Aldana Génova
El film se remonta a uno de los hechos más destacados en la historia del país: el secuestro, extorsión y muerte en la época de la dictadura de 1976.
Arquímedes Puccio, ex empleado de la SIDE (Secretaría de Inteligencia del Estado) bajo la tutela y encubrimiento de uno de sus superiores el comodoro Victoriano Franco, montó un comando donde realizaba secuestros, extorsiones y asesinatos.
En momentos, el film muestra la convivencia de una familia de clase media alta (el patriarca, la madre, las hijas y los hijos rugbiers -uno de ellos jugador de la selección nacional y con cierta fama-) la cual comienza a lidiar con los hazañas del padre y sufriendo diferentes desgastes emocionales y psicológicos. Uno de ellos decide no volver más y el mayor de ellos, Alejandro, aprovechando su fama y conocimiento de gente empresaria ayuda al padre a encontrar a las próximas víctimas.
La trata también demuestra el momento en que vivía el país, un silencio cómplice de las altas esferas militares de gobierno de ese entonces que eran permisivas a esos actos de violencia que el clan Puccio ejercía, los cuales lograban vivir entre la impunidad y la cotidianeidad.
Film: El Clan
Director: Pablo Trapero
Producción: Hugo Sigman- Pedro Almodóvar-Esther García
Guión: Pablo Trapero
Basada: en la historia del Clan Puccio
Protagonistas: Guillermo Francella, Peter Lanzani, Lili Popovich, Airoa Bernaola, Franco Masini
Regresión
Por Adrián Guber
El creador de la miltipremiada “Los Otros” nos regala una historia más, una película atrapante y fresca para el género, muy interesante para ver.
Transcurren los 90’ cuando una joven denuncia a su padre por abuso sexual y de la investigación se desprende un problema aún mayor.
El fanatismo religioso de los Estados Unidos despierta la creatividad de Amenábar quien relata un incidente que involucra a la iglesia y adoradores de satán de una secta, tan típicos de las películas como de la vida real.
Ethan Hawke interpreta al detective encargado del caso de Emma Watson, quien junto a Thewlis, el psiquiatra, dan curso a la investigación.
La sensibilidad del caso de abuso llega a obsesionar al detective hasta pasarlo de ser agnóstico a rezar por su vida.
El título de la película se lo vale el tipo de tratamiento que utiliza el psiquiatra para interrogar a los testigos, regresión inducida, una práctica para el entonces presente que era novedad y era poco estudiado.
Un receta de terror con muchos ingredientes que hacen un buen trabajo por esta película.
Nombre original: Regression
Año de estreno: 2015
Género: Crimen, drama, misterio
Duración: 1 hr 46 min
Director: Alejandro Amenábar
Actores principales: Ethan Hawke, David Thewlis, Emma Watson
El patron
Por Abigail Biragnet
Basada en una historia real, un joven santiagueño llega a Buenos Aires en busca de trabajo junto a su mujer. Después de soportar meses de trabajos forzados como recolector de carne desechada, termina en una carnicería como encargado siendo explotado por su siniestro patrón, dueño de una cadena, quien lo obliga a vender carne podrida, mostrando una realidad, no tan conocida en nuestro país, del mercado y el negocio que implica la carne. Este patrón lo somete a una verdadera esclavitud, además de que lo pone en una pieza a vivir, junto con su mujer embarazada, a la que termina echando del lugar. A lo largo del film se muestran diferentes tipos de maltratos físicos, verbales y hasta psicológicos, los cuales llevan al crimen que protagoniza esta historia.
El director usa una manera particular de contar la historia, va y viene, juicio y crimen, lo que hace aun más interesante la película, también el uso del suspenso con un guión fuerte y atrapante evita inteligentemente la distracción. Ésta atrapa de principio a fin.
Titulo: “El patron: radiografía de un crimen”.
Año: 2015
Director: Sebastian Schindel.
Actores: Joaquin Furriel, Luis Ziembrowski, Guillermo Pfening.
'Making the Connection’
Por Agostina Pitton
‘Making the connection’ (Haciendo la conexión), es un documental de media hora de duración que explica y fundamenta una vida sustentable a través de la adopción del veganismo como elección.
Esta proyección, publicada en el 2012, muestra con vías muy cotidianas y por lo tanto cercanas al común de la gente, que este estilo de vida con estas características tiene un porqué bien claro y justificado, fácil de entender para todas las situaciones sociales. Utilizando imágenes y planos simples, con escenarios comunes y no trucados, busca generar una conciencia de esta misma índole, adoptando recursos cercanos en lugar de producciones super desarrolladas.
Si bien utiliza algunas imágenes fuertes, no es el factor principal del documental que, como se tilda erróneamente a las producciones de este estilo, buscan ‘atacar’ la sensibilidad de la gente para tomar resoluciones extremas. Por el contrario, este proyecto intenta buscar vías más pacíficas de conciencia, sin omitir la realidad cruel que conlleva el mercado estándar difundido, pero valiéndose de testimonios reales y sencillos que permiten una mayor empatía y por lo tanto, la escucha sin temor del mensaje expuesto.
A grandes rasgos, puede decirse con seguridad, que se trata de un film con una intención justa, unificadora, que promueve la empatía y el respeto, y mediante sus recursos, la apertura a una conciencia más amplia e integradora.
PRECAUCIÓN: Imágenes fuertes entre el minuto 20:40 y 21:10, y 23:10- 26:40
Producción: Environment Films
Coordinación de la producción: Lauren Simpson
Música Original: Mark Adair
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