lunes, 18 de abril de 2016

Críticas Periodísticas


Los invitamos a apropiarse de este espacio, vidriera de las diferentes producciones escritas que vayan generando a lo largo del cuatrimestre.
Aquí encontrarán diversas opiniones periodísticas vinculadas a los más variados ámbitos de la cultura, atravesados por la mirada crítica de cada autor. 









Uno para uno y todos para todos 
Por Evangelina de la Cal 

El gerente de una empresa sale de su despacho con una urna llena de papeles en sus manos, y le dice a sus empleados que vayan a la sala de reuniones para hablar de algo importante. Una vez allí hace un relevamiento expresando su conformidad acerca de que en 11 años la empresa sólo creció. Ningún empleado renunció ni murió. Entonces propone un sorteo, quien salga sorteado va a morir. 
“Democracia” tiene una perfecta utilización del lenguaje audiovisual. El montaje y los planos mostrando la totalidad, haciendo referencia a la sociedad. Es capaz de llevar al espectador por las dos perspectivas fuertemente marcadas. 
El guión plantea una temática radical y la expresión de los actores la aborda desde lo absurdo. Además tiene una utilización fascinante de la música, mantiene la expectativa y concentración hasta último minuto. 
El cortometraje se burla de los métodos “democráticos”, haciendo razonar acerca de la honestidad y la importancia del trabajo en conjunto, mostrando el individualismo extremo con la intención de perjudicar al otro con tal de sacar ventaja. 
Siempre es interesante ver cortometrajes. No lleva mucho tiempo y presentan temáticas de interés social con gran profundidad, haciendo juicio de valor implícitamente e invitando a la libre interpretación; también suelen tener un trabajo de preproducción meticuloso notable y perfectamente llevado a cabo. En este caso, recomiendo Democracia porque se asemeja a las relaciones que se establecen, aunque de forma exagerada, en cualquier lugar y a cualquier escala: trabajo, familia, escuela, gobierno, etc. 

Cortometraje: Democracia 
Género: Comedia 
Duración: 11 minutos 
Reparto: Óscar Ladoire, Luis Bermejo 
Música: Aránzazu Calleja 
Director: Borja Cobeaga 
Año: 2013


Deadpool 2 
Por Rebeca Casal

Deadpool es una película de comedia cinematográfica estrenada el pasado 18 de Mayo. Esta misma fue dirigida por David Leitch y producida por Lauren Shuler Donner, Simon Kinberg, Ryan Reynolds. 
La trama cuenta la historia Wade Wilson (Ryan Reynolds) quien se ha convertido en un mercenario que trabaja alrededor del mundo, matando a varios criminales bajo el apodo de Deadpool. Después de fallar en matar al líder del cartel de drogas en Nueva York, Wilson regresa a su hogar con su novia Vanessa Carlysle (Morena Baccarin), para celebrar su aniversario. Más tarde, esa noche, el principal vendedor de las drogas ataca su casa y asesina a Vanessa. Wilson lo persigue a través de las calles y lo alcanza antes de ser golpeados por un camión que mata a este traficante.
Desde sus primeros avances, hasta en sus posters se pudo ver que la película tuvo la intención de seguir con su tono humorístico. Esta vez el personaje principal demuestra una mayor necesidad en hacer un equipo de acción y un lado mercenario más humanístico, aunque esto pareciera difícil de creer para quienes vieron los comienzos de Deadpool. 
Se puede analizar que esta película está dirigida al mundo de los comics. Sin embargo también se pueden escuchar en ella chistes referidos a otras películas, a la televisión, sobre política y hasta escenas con humor que involucran a la música, dándole un toque más cómico. 
Cabe destacar la actuación de Ryan Reynolds, donde sus gestos van acompañados de su arsenal verbal riéndose de lo que va ocurriendo en la aventura y rompiendo la cuarta pared para dirigirse al público en escenas determinadas, con un gran efecto en la mayoría de sus chistes. 
En un par de actuaciones Deadpool bromea sobre la pereza creativa del guion, siendo esta una gran estrategia de los productores para demostrar la unión de esta trama. Si la anterior película era divertida, que generaba la sensación de no querer que se terminara, las dos horas de estas se sienten en el cuerpo cuando pensamos en lo cómica que es, o en volver a verla.
En cuanto a los personajes secundarios, se pueden rescatar algunas actuaciones como la de Domino (Zazie Beetz) una de las integrantes de X- Force, que le daba un toque de humor con sus miradas cómplices o con algunos de sus comentarios. Pero el resto de los personajes realmente se ven como secundarios, algunos con un poco más de humor y otros desastrosos y aburridos como lo es el de Russell, que pareciera que no tiene expresión en su rostro o no le interesara estar en la película. 
Pero definitivamente es recomendable para verla, ya que sin duda alguna quien concurra al cine o espere que sea subida a las páginas de reproducción se va a divertir.

Título: Deadpool 2 
Director: David Leitch 
Actores: Ryan Reynolds, Morena Baccarin, T. J. Miller, Leslie Uggams, Brianna Hildebrand, Stefan Kapičić, Zazie Beetz, Josh Brolin, Jack Kesy 
Duración: 2 horas. 
Género: Comedia, acción y cine fantástico.


Al filo del mañana
Por Gabriel Linch

La película está basada en una novela ligera japonesa militar y de ciencia ficción, All You Need Is Kill, y es protagonizada por el gran Tom Cruise, interpretando a un coronel que se encuentra en contra de su voluntad involucrado en una batalla para salvar el planeta de una invasión alienígena.
Al filo del mañana presenta el papel de un hombre atrapado insoportablemente en el tiempo, condenado a repetir una y otra vez el mismo día, reiterando las últimas 24 horas de su vida. Aunque en un principio parezca que la repetición de escenas agotara al público, es ahí donde reside la virtud de este film, las pequeñas variaciones que se van acumulando en una interminable batalla que lo hacen cada vez más hábil y eficaz en su lucha contra los alienígenas. Solo conseguirá salir si logra eliminar al Omega, el cerebro que se encuentra detrás de la invasión de la letal raza de los miméticos.
El director juega a la perfección con el bucle temporal, agregando correctamente a través de Willian Cage (Cruise) una dosis de humor y comedia dándole fluidez al metraje. 
Los últimos minutos y escenas finales quedan a criterio de cada cinéfilo, aunque parecieran sobrarle algunos minutos o el final podría haber sido otro, no hay que olvidar que esta clase de films, están realizados para complacer a un público mayoritario. 
Gran parte de la película es una versión futurista del Desembarco de Normandía, extrayendo solo lo justo y necesario de la novela original, Al Filo del Mañana es un claro ejemplo de buena y entretenida ciencia ficción, un nuevo triunfo de Cruise en este tipo de género.

Título original: Edge of Tomorrow
Año: 2014
Duración: 113 min.
País: Estados Unidos



Brava! El décimo disco de Paulina Rubio
Por Luciana Barragán

“Brava!” así tituló Paulina Rubio su último trabajo discográfico que salio a la venta el 15 de Noviembre de 2011 y desde ese entonces no sacó más discos sólo singles y colaboraciones con otros artistas. 
Brava! Es un disco en el cuál Paulina se involucra más en la composición de sus letras, de las diez canciones que componen el álbum nueve las escribió ella, la inspiración surgió de dos momentos muy marcados en la vida de la artista, primero el nacimiento de su primer hijo y segundo la pérdida de su padre. El track número 9 titulado “Que estuvieras aquí” no cabe duda de que es la canción más emotiva del disco no solo por la letra sino también por ese ritmo lento y el tono melancólico con el cuál lo interpreta. El resto son muy alegres, ideales para bailar de principio a fin. 
Se puede decir que es un álbum mixto, no sólo por los ritmos fusionados y las mezclas musicales que tiene como las rancheras mexicanas, hip hop, pop, rock y dance-techno, sino también respecto al idioma ya que no es español en su totalidad, hay dos canciones que están completamente en ingles “All Around the word” y “Heat of the night” y otra que en Spanglish “Hoy me toca a mí” la cual la acompaña Taboo, integrante de la banda The Black Eyed Peas. 
Sin duda alguna Brava! tiene la pura esencia de Rubio. Algo curioso es que la única foto que posee el libro que compone el disco, es la de la tapa en la cual aparece en primerísimo primer plano la cara de Paulina con un efecto fotográfico. La contra tapa no combina mucho respecto a lo que es el diseño del disco, ya que tiene fondo negro con el nombre de las canciones en color rosa y en el centro de estas aparece una “P” en gran tamaño. Si tuviera que calificar éste disco musicalmente le pondría 5 estrellas porque se destaca el gran trabajo que hay detrás de cada canción, ahora bien si lo tuviera que calificar a nivel estético en cuanto al diseño le pondría 3. 

Ficha de Brava! 
Tracks Nombre de la canción Minutos 
Track1: - Me gustas tanto 3:44
Track2: - All around the world 3:47 
Track3: - Cásate con tu mamá 3:04
Track4: - Olvídate de mi 2:54
Track5: - Sabes que te amo 3:26
Track6: - Hoy me toca a mi 4:04
Track7: - Heat of the night 3:19
Track8: - Me voy 2:48
Track9: - Que estuvieras aquí 4:55
Track10: - Volvamos a empezar 3:42


En tus manos dejo flor de espadas 
Por Alexis Bernaola 

En 1998 la banda bonaerense ALMAFUERTE lanza su tercer disco cuyo nombre se titula “ALMAFUERTE”. 
A finales de los noventa el rock nacional se encontraba en pleno desarrollo, por lo que la discografía de la banda se postulaba como una más entre la gran cantidad y variedad de bandas que salieron a la luz en esos años. 
El disco ALMAFUERTE, es uno de los cds más emblemáticos de la banda Argentina liderada por RICARDO IORIO. Hoy, a 20 años de su lanzamiento la temática, ideales y valores transmitidos durante los 40 minutos que dura la placa, son más actuales que nunca. 
Los temas son portadores de un gran contenido de verdades e historias que nacen de una sociedad dura y violenta, donde la soledad es la única que los invita a escapar por la gran puerta de este mundo de hoy, donde quien no calla verdades está destinado a sufrir los rechazos de la sociedad, y solo hay que ser uno mismo para poder triunfar. 
Un disco muy recomendado para todo amante del rock en español, de los solos de guitarra eufóricos y la mezcla entre poesía y realidad que convierten a Ricardo Iorio en uno de los principales referente del rock Nacional Argentino. 

Artista: ALMAFUERTE 
Título: ALMAFUERTE 
Publicación: 1998 
Genero: HEAVY METAL 
Duración: 40 MINUTOS 
Discográfica: INTERDISC 
Productor: RICARDO MOLLO

K-Pop el nuevo fenómeno musical en Argentina 
Por Rocío Arguello 

El K-Pop es el género musical nacido en Corea del Sur en los años 90. Comenzó su fenómeno mundial luego del hit de PSY “Gangman Style” y actualmente causa furor en los jóvenes argentinos. 
La novedad invadió Argentina, se multiplicaron los fans y las locuras que el K-Pop provoca en los adolescentes. 
Bandas con muchos integrantes, impactantes coreografías que ya se han hecho presentes en escenarios del país donde sus entradas se han agotado en tiempo récord. 
El K-Pop impone un estilo novedoso, con ritmos alegres, pegadizos, vestuarios coloridos y detalles que van marcando tendencia. El uso de barbijos que algunas bandas aplican en sus videos de Youtube, son una manera de expresar la nueva fiebre coreana. 
Likes y más likes ganan los “nuevos ídolos juveniles” en cada publicación que realizan a través de las redes sociales, herramienta que juega un papel fundamental en la inserción de las nuevas tendencias. 
Parece que no existen barreras para esta “ola coreana” que va creciendo día a día, muchos hasta estudian el idioma para poder entrar en una cultura que, aunque, muy diferente a la nuestra, cada vez genera más incertidumbre conocer un poco de ella.


Avengers Infinity War
No solo un hito para el cine de superhéroes: Avengers Infinity War, el principio del fin de un acontecimiento épico 
Por J. Ignacio Ucci

Thanos, un ser extremadamente poderoso que va de planeta en planeta dejando muertos y destrucción por doquier, quiere incrementar su poder por medio de las Gemas del Infinito, y comienza a recolectarlas. Estas son unas gemas que contienen fuerzas asombrosas y se encuentran dispersas por el universo, pero en manos de Thanos nadie le podría hacer frente. Recaerá en los héroes más fuertes del planeta Tierra, y la ayuda de un montón de seres provenientes de otros rincones del espacio luchar contra el Titán Loco (como es conocido este temible villano) y defender la vida. ¿Tendrán la fuerza para conseguirlo?
Es imposible analizar esta película como eso, como solo una película, porque es una parte crucial de un gran evento cinematográfico que se viene gestando desde hace más de diez años, y es solo el comienzo del fin de una historia que se estuvo construyendo pedacito a pedacito a través de las 20 películas que le precedieron. 
Avengers Infinity Wars tal vez no sea la mejor película del mundo, tal vez no sea una pieza de arte revolucionaria, y seguro que no será la más conocida en la historia de la humanidad. Pero no se le puede negar el mérito de significarle un montón de alegrías a su público, y no hay motivo alguno para desprestigiar ni su calidad visual como su audaz guion. Sin ser la mejor película que vas a ver en tu vida, igualmente merece ser reconocida como una película de diez sobre diez. 
Es más de lo que se espera en cualquier película en todos los aspectos, y porque merece que se recuerde bien todo lo que lleva a sus espaldas. No todas las películas realizadas por Marvel fueron demasiado memorables más que por el mero entretenimiento, y es verdad que su público principal son los jóvenes y los niños, pero lo cierto es que la dedicación puesta en cada una de las películas rompió esa barrera. 
Sin embargo, no es igual de disfrutable para todas las personas. Los niños, quienes no necesitan para disfrutar de una buena película de acción y superhéroes, pueden admirarla con toda tranquilidad. Para aquellos un poco más despiertos a los detalles, pero que no hayan visto las películas que le preceden, no les significará lo mismo que a quienes si las hayan visto. Porque a pesar de que esta tercera entrega de la saga Avengers desarrolla su historia como un nuevo conflicto único para esta película, y logra integrar a todos los personajes que venimos conociendo de a poco (en una locura de guion, una hazaña increíble realmente), la película juega con muchas contextualizaciones que enriquecen la historia si, y solo si, la conoces al completo. Por no mencionar todos los sentimientos que recibes si es que ya tienes un conocimiento previo, y hasta un encariñamiento, de estos maravillosos personajes. 
El ritmo también es muy destacable, porque tratándose de una película tan larga que fácilmente podría tornarse aburrida, fue muy inteligentemente agilizada mediante el clásico humor de Marvel, aunque en este caso se lució. Bien implementado, sin perturbar la seriedad del relato, los chistes se usan en el momento justo y te hacen doler las costillas.
La cantidad de actores, y todos grandes pesos de la industria del cine como también muchas futuras promesas, lo dan todo de sí. Su compromiso con la historia que quieren contar y la forma en que encaran sus papeles es ejemplar, se preocupan por respetar la esencia que los personajes traen de sus orígenes en los comics y les aportan mucho más. Hacen suyos los papeles, y pisan tan fuerte, que nadie puede imaginar a otros ocupando sus lugares. 
Esta es una película diferente, definitivamente no es “otra más de superhéroes”. Avengers Infinity War cambia las reglas de juego, centra el eje en el villano, te hace emocionar, te hace sentir miedo por los personajes que tanto queres, te llena los ojos de alegría al ver como se unen todos los héroes que admiras desde chico… Y, aunque esta maravillosa historia esté cerca de su fin, te deja con ganas de mucho más. Dejaron la vara demasiado alta para el resto de las entregas pero, tratándose de Marvel Studios, estoy seguro de que tienen guardada infinidad de sorpresas para nosotros. 

Título: Avengers: Infinity War
Año: 2018
Duración: 156 min. 
País: Estados Unidos
Productora: Marvel Studios


Victimas espirituales
Por Patricia Berrutti

“Las Inocentes” está basada en hechos reales que ocurrieron durante la Segunda Guerra Mundial, cuando los miembros del Ejército Rojo llevaron a cabo una violación masiva de mujeres en su avance hacia Alemania. Entre las víctimas están las monjas polacas del convento que aparece en la película.Mathilde, médica francesa de la Cruz Roja, será quién ayude a las hermanas en el parto. 
Además de ser una crítica a los soldados que hicieron lo que quisieron en los países liberados tras la II Guerra Mundial, se plantea la disyuntiva moral de las monjas, que tienen que decidir entre guardar secreto o recibir ayuda del mundo exterior. La vergüenza y la culpa son los sentimientos que marcan el film. 
El aborto no estaba instalado como alternativa y menos aun siendo parte de una educación religiosa, aunque si sale a la luz podría significar el cierre del convento y quedar expuestas en la sociedad. Por esto se puede apreciar las diferentes reacciones de las hermanas con respecto a la maternidad. A través de un relato histórico, brinda un mensaje de fe y a favor de la vida.
Los planos son excelentes, fotografiados en tonos oscuros y sombríos. Además la ausencia de luz durante el film nos permite meternos de lleno en ese ambiente de los conventos, dedicados a la oración y el trabajo.
Una muy buena película, de excelente fotografía. La música es lo más bajo del film. Para recomendar.

Ficha técnica
Título: Las inocentes 
Director; Anne Fontaine
Reparto: Lou de Laâge, Agata Kulesza, Joanna Kulig, Agata Buzek, Anna Próchniak, Vincent Macaigne
Duración: 117 minutos 
Año: 2016
País: Francia
Género: Drama 



In-Justicia
Por Evangelina de la Cal

Justicia por mano propia es una serie brasilera distinta a lo que se encuentra en la televisión regularmente. Cuenta la historia de cuatro personas que son arrestadas la misma noche por distintos delitos. Muestra que todas las historias están unidas por lugares y personajes secundarios, quienes se develan de distintas formas según cada perspectiva.
La primera historia se basa en un femicidio, un hombre descubre a su novia con otro hombre y la mata. La segunda es la de Fátima, una mujer que mata el perro del vecino porque es una amenaza para sus hijos, el vecino se venga poniendo droga en su patio para que la lleven presa. La tercer historia es la de Rose, quien es llevada presa por tener droga en una fiesta y ser la única revisada por la policía por ser negra. La cuarta, por último, es la de Mauricio, quien mata a su esposa porque ella se lo pide luego de ser atropellada y quedar con todo el cuerpo inmóvil. 
Sin duda que Justicia por mano propia muestra delitos, injusticias y venganzas dentro de las realidades de cada clase social y el punto donde se unen todas. Así como también la culpabilidad e inocencia de cada personaje, y poniendo en evidencia abusos de los que toda América Latina está siendo víctima actualmente.
Lo “innovador” es el relato. Tiene 16 capítulos los cuales son divididos en 4 para contar las historias desde su protagonista, es decir, el primero corresponde a la primera historia, el segundo a la segunda historia, y así sucesivamente. Al llegar el 5º episodio se vuelve a la primera historia, en el 6º se continúa con la segunda, y continúa.
Este formato innovador no lo es tanto. A muchos fanáticos de Los Simpsons les hará tener presente el capítulo “Trilogía del terror” donde se relata un día de primavera desde el punto de vista de Lisa, luego de Homero y por último el de Bart. A su vez, ese capítulo se inspira en la película “Viviendo sin límites”.
Es divertido para el espectador ver los puntos de enlace de las historias, lo que se vio un día desde una perspectiva, al otro se ve desde el otro lado. Algo que seguramente fue un desafío para los actores y camarógrafos, ya que en muchos casos se entrelazan dos planos secuencia.
Es una serie que promete mucho en sus primeros cuatro capítulos pero que en el camino va perdiendo la tensión y el enganche que fue la principal atracción. Sin embargo, promete cerrar cada historia con justicia, lo que mantiene la expectativa de que algo sucederá a lo último de forma inesperada.
A pesar de las interpretaciones que surgen de ésta crítica, la serie es buena. Tiene muy buenos actores, que son conocidos de forma internacional, argumentos interesantes, que logran conmover y poner piel de gallina, y una calidad filmográfica fascinante. Sería muy interesante que haya más producciones como esta en la televisión. 

Serie: Justicia por mano propia
Director: José Luiz Villamarim
Elenco: Débora Bloch - Adriana Esteves - Cauã Reymond - Jéssica Ellen - Leandra Leal - Marina Ruy Barbosa - Jesuíta Barbosa - Luisa Arraes - Marjorie Estiano - Pedro Wagner.
Género: Drama
Año: 2016


Otro punto de vista
Por Agostina Monzón

La película “No soy un hombre fácil” abarca muchos temas referidos al patriarcado (sociedad donde el hombre es superior), pero en un mundo al revés, es decir donde el hombre es el que sufre de una sociedad puramente feminista.
Dicho filme, rompe con el esquema de que la mujer es inferior, las mismas hacen las actividades que la sociedad de hoy en día dice que es específica para ellos y lo más importante, las empresas están dirigidas por ellas. El empleo del hombre es denigrante y su vestimenta es corta y ajustada. El abuso de poder, de parte de las mujeres, queda claro en cualquier situación de la vida cotidiana que se da a lo largo de esta película.
Es interesante como explica el acoso que las mujeres sufrimos día a día, ya sea en el trabajo o en la calle, pero desde otro punto de vista. Quizás no explica mucho cómo era la vida machista del personaje principal, lo muestra muy por arriba al principio, el giro de la historia se da muy pronto y eso hace que se cree una confusión y sea un poco difícil entender el eje principal de la historia. Quizás la mayoría sepamos los comportamientos que tiene un hombre machista, pero no todas las personas lo saben.
Hay que aclarar que en dicha comedia la historia principal es romántica, pero eso logra que sea una historia atrapante, cada detalle es importante y hace que no se pierda el interés, además sirve para concientizar que ninguno de los extremos están bien. También muestra el rol de un movimiento similar al feminismo de hoy en día, pero a cargo de los hombres.
Es una película altamente recomendable por su forma de mostrar todo lo que se vive cotidianamente pero desde el humor con los roles invertidos, la pueden ver adolescentes y adultos, en ella se especifica que es para mayores de 13 años. La podemos encontrar en muchas plataformas, pero la oficial es Netflix, con el nombre traducido en español.

Ficha Técnica:
Título original: Je ne suis pas un homme facile. (No soy un hombre fácil) 
Año: 2018.
Duración: 1 hora 38 minutos.
Género: Comedia.
Dirección: Eleonore Pourriat.
Reparto: Vincent Elbaz (Principal), Marie-Sophie Ferdane (Principal), Pierre Bénézit, Blanche Gardin, Moon Dailly, Céline Menville, Camille Landru-Girardet

Dos más dos
Por Gabriel Linch

Diego y Emilia (Adrián Suar y Julieta Díaz) cardiólogo y meteoróloga respectivamente, son matrimonio desde hace 16 años con un excelente pasar económico y un hijo adolescente. Con el fin de mejorar la relación, aceptan la propuesta de una pareja amiga; Richard y Betina (Juan Minujin y Carla Peterson) dos experimentados en ser swingers. 
Dos más dos presenta una estructura propia de una comedia, no se excede en provocar la carcajada del público, lo cual hace que todo sea más natural. Cada escena encaja perfecta, todo luce atractivo ya que se da en ambientes del alto estrato social. Cuatro figuras conocidas en el ámbito interpretan perfectamente a dos modernos matrimonios que se animan a jugar al intercambio de parejas y ponen al cinéfilo en la incómoda situación de qué decisión tomarían ellos en su lugar.
La propuesta caerá en Diego como un balde de agua fría, que se resiste hasta que se lo permite la presión del entorno. Inmerso en este novedoso terreno sexual, el director Diego Kaplan, acierta plenamente con su elenco actoral, convocando a dos bellezas argentinas y dos grandes cómicos.
Una vez lanzados al juego, los cuatro pensarán que esto solo lleva a involucrarse corporalmente, pero no cuentan con que la realidad y el futuro inmediato les colocará el sentimiento por encima de todas las cosas.
Este filme no debería decepcionar a nadie, salvo a aquel que se haya encontrado en situación similar. Una comedia de las de toda la vida, de las buenas. Disfrutable por su guion, resolviendo perfectamente las escenas en la que los actores deben permanecer desnudos, tomando precauciones para no herir susceptibilidades y con un tramo final que no desentona, resulta ser una película más que aceptable; partiendo de la premisa y la cuestión: ¿Ser o no ser swingers?

Fecha y lugar: 2012. Argentina
Dirección: Diego Kaplan
Elenco: Adrián Suar, Carla Peterson, Julieta Díaz, Juan Minujín, Alfredo Casero 
Duración: 107 minutos
Calificación: apta para mayores de 16 años.


El poder del silencio
Por Blas Martínez

“Deja que las palabras que hables sean las palabras que me lleven de nuevo a ti”. Con esa frase decide Eric Howell empezar el filme que nos dejará más de 90 minutos expectantes a los extraños sucesos que ocurren en un antiguo caserón italiano.
Malvina, una mujer joven (Caterina Murino) muere frente a su hijo Jacob, pidiéndole que sus palabras hacia otra mujer que llegue evoquen su recuerdo. Siete meses después, el niño (Edward Dring) no ha pronunciado palabra alguna, y su preocupado padre (Marton Csokas) decide contratar a Verena (Emilia Clarke), una nodriza para ayudar en su recuperación. Verena se muda a la Rocciosa, caserón en el que también viven el mayordomo, Alessio (Remo Girone) y Lilia (Lisa Gastoni), la abuela. La nodriza se dedica a acompañar a Jacob mientras intenta que el niño vuelva a hablar, pasando por situaciones de lo más extrañas y perturbadoras.
La planta de cámaras del director ha ambientado perfectamente la producción: Cada plano se asemeja una pintura renacentista. Además de la composición, cada escena aporta a la generación del ambiente dramático y de suspenso, el cual se mantendrá durante toda la película -y es posible que hasta después de terminarla-.
Actores de primer nivel, una trama fascinante y un montaje espectacular se unen para formar esta pieza de una calidad excepcional para tratarse de una producción independiente.
El soundtrack del film es simplemente majestuoso. Interpretado por una artista de alto calibre, aporta mucho más de lo que podría parecer a la construcción de la realidad dentro del relato.
Presenta algunas escenas subidas de tono, por lo que no es aconsejable verla con menores. Fuera de esto, una película muy recomendable.

Título original:Voice from the Stone
Año: 2017
Duración: 94 min.
País: Estados Unidos
Director: Eric D. Howell
Reparto: Emilia Clarke, Marton Csokas, Edward Dring, Caterina Murino, Remo Girone, Lisa Gastoni
Género: Drama sobrenatural


Ha vuelto
Por Luciana Barragán

“Ha vuelto” es una película de David Wnend, la cual está basada en la novela homónima y bestseller escrita por Vermes Timur. Es un film muy llevadero y entretenido, su recurso sustancial sin duda alguna es el humor, juega mucho con la dualidad ficción/realidad. Si bien el personaje principal es nada más y nada menos que Adolf Hitler, una figura muy importante en la historia militar a nivel mundial, este mismo se ve un poco ridiculizado ya que por arte de magia se despierta en pleno siglo XXI, donde se encuentra con una Alemania muy diferente y moderna con las nuevas tecnologías que hoy tenemos. Respecto al actor (Oliver Masucci) que le dio vida al personaje de Hitler a pesar de que compartía algunas características faciales, por ejemplo el bigote, no se parecía mucho al Adolf original, es decir, en otras películas de esta misma índole han puesto actores más perecidos o los han lookeado para que luzcan casi iguales, cuestión que, a pesar de que lo caracterizaron, no se logró muy bien, sin embargo el nivel actoral del mismo es excelente y bien logrado. 
En cuanto al vestuario no es la gran cosa, básicamente para el personaje principal utilizaron el típico traje gris alemán que solían utilizar los militares del siglo XX, por consiguiente la ropa del resto del elenco era muy simple, y es sumamente notorio que no fue diseñada para la película en sí, sino que eran prendas comunes que uno mismo puede comprar en cualquier sitio. Si tuviera que calificar este film, le pondría cuatro estrellas por el simple hecho de que logra sacar reiteradas risas a las personas que la ven. 

Ficha: 
Año : 2015
Título original: Er ist wieder da / Ha vuelto
Duración: 116 min 
Director: David Wnendt
País: Alemania
Genero: Comedia.



ROOM
Por Valeria Villavicencio

Room es una película dirigida por Lenny Abrahamson y escrita por Emma Donoghue, basada en la novela del mismo nombre de Donoghue.
Para Jack, un niño de cinco años, la habitación es el mundo entero, el lugar donde nació, donde come, juega y aprende con su madre. Por la noche, mamá lo pone a dormir en el armario, por si viene el viejo Nick. La habitación es el hogar de Jack, mientras que para su madre es el cubículo donde lleva siete años encerrada, secuestrada desde los diecinueve años. 

Con gran ingenio, la joven ha creado en ese reducido espacio una vida para su hijo. Su amor por él es lo único que le permite soportar lo insoportable. Sin embargo, la curiosidad de Jack va en aumento, a la par que la desesperación de su madre, que sabe que la habitación no podrá contener ambas cosas por mucho más tiempo.
Comienza la película con esta habitación, que fotográficamente está muy bien lograda, la forma en que se mostró la interacción y las distintas actividades que generan la madre y el hijo para estar en ese lugar, porque a pesar de que más adelante en la película nos damos cuenta de que era un lugar muy pequeño, a través de la vista de Jack se ve como un universo bastante expandido. Podríamos pensar que una película que empieza con una joven secuestrada con la compañía de su hijo y, por supuesto, el secuestrador, va a ser algo deprimente, morboso e insano. Nada más lejos de la realidad. Room es un film de auto superación, Lenny Abrahamson retrata la vida cotidiana de madre e hijo en su encierro. Por momentos se vuelve imposible apartar los ojos de la pantalla, la tensión que acompaña a las imágenes es admirable y casi inaguantable para el espectador.
El escape resulta un tanto inverosímil, partiendo de la repentina decisión de la madre por salir de la habitación comienza a idear un plan de escape donde vuelca toda la responsabilidad en el niño, además de desmentirle de un momento a otro todo el universo que le construyó durante años. Una vez que la situación de Joy y Jack ha cambiado, ambos se enfrentan a la adaptación en el mundo exterior después de tanto tiempo de cautiverio, lo que le da a la historia un giro interesante, pero donde quedaron varios conflictos sin resolverse que se podrían haber utilizado para analizar la psicología de los personajes. Aun así, resulta en su conjunto una película que despierta muchas sensaciones y reflexiones acerca de cómo se puede empezar a reconstruir una vida completamente rota por una experiencia demoledora.

TITULO: LA HABITACION (Room), Canadá / Irlanda, 2015.
Dirección: Lenny Abrahamson
Producción: Ed Guiney, David Gross 
Fotografía: Cohen Morrison
Reparto: Brie Larson, Jacob Tremblay, Joan Allen, Sean Bridgers, William H. Macy
Duración: 118 min.


Escrito con el corazón
Por Patricia Berrutti

Esta crítica puede estar teñida de subjetividad ya que Virginia, además de ser una gran escritora, es una entrañable amiga personal. Una compañera de vida, una persona que suelo llamar: Alhama, mi ángel de la guarda.
Trataré de ser objetiva y les presentaré el libro dejando de lado la admiración que siento por la escritora.
“Conversando en tus ojos. El antes y el después de un cáncer” se basa en la experiencia personal de Virginia García. 
Una mujer madrileña que sufre de cáncer durante una etapa de su vida.
De esta forma Amanda (nombre del personaje) se sirve de una parte de Virginia/Alhama y escribe un relato lleno de enseñanza y simbología.
La lectura es “amigable”, ya que es un texto contado con un lenguaje muy claro. Además, hay que resaltar la utilización de un tipo de letra y tamaño de fuente, porque es adecuado para facilitar la lectura a personas que tienen algún tipo de limitación visual.
Nos muestra otra mirada ante una situación límite. Con mucha fortaleza sacando lo positivo de una situación muy dolorosa, guiada siempre por su propia luz interior. 
El libro dividido en dos partes, muerte y renacimiento, emociona y nos plantea una literatura que invita a seguir avanzando. 
La primera parte habla de su muerte, no física, de sus vivencias en cuanto al diagnóstico y los tratamientos que tuvo que atravesar por el cáncer de mama. En realidad, nos conecta a un pasado, un dolor que puede sufrir cualquier persona ante una enfermedad.
“El cáncer está a la orden del día. Ataca a niños y a ancianos, a ricos y a pobres, a creyentes y no creyentes, a buenas y a malas personas, a cualquier tipo de ser humano. Es como una plaga que te deja un mal sabor de boa, tanto a ti como a todos los que te rodean”. 
En su segunda parte, narra ese “renacer” y cómo Amanda (en primera persona) consigue ver en los lugares de quimioterapia los ojos de otros ese dolor, la tristeza y la soledad. Para luego convertirlos en entusiasmo, fortaleza y trabajo interior. 
“De pronto, una pequeña chispa de luz encendió de nuevo la vela para dar paso a una llama cada vez más y más centelleante”.
Como lo dice en su título, el cáncer de mama es un antes y un después. Pero luego de leer su relato, les aseguro que recuperarán la autoestima, valorarán esas pequeñas cosas que nos ofrece la vida. 
Sin lugar a dudas y parafraseando a Héctor Alterio, un reconocido actor argentino diré: “La Puta que vale la pena estar vivo”.
El único aspecto negativo que puedo resaltar, es que es un libro que se comercializa solo en España, no está a la venta en Argentina. Aunque se puede solicitar por correo a su autora (alhamamarcos@hotmail.es )
Un libro que llena el alma, plantea una nueva mirada y la enriquece. Deja huella, esperanza y aprendizaje. 
Muy recomendable.

Ficha técnica
Título: Conversando en tus ojos. El antes y el después de un cáncer. 
Autor: Alhama Marcos (seudónimo)
Editorial: Ediciones Amaniel
Páginas: 125
Encuadernación: tapa blanda
Año de edición: 2009. Segunda edición 2010
Género: narrativa
País: España

Una serie como pocas 
Por María Sol Medek 

Merlí es una serie que tiene mucho éxito en su país (España) y se hizo muy popular en Argentina. Consta de tres temporadas de aproximadamente 13 capítulos cada una. Resulta muy atrapante de principio a fin. Mantiene el hilo a lo largo de la historia y, también, en cada capítulo presenta algo nuevo. 
Se basa en la vida de un profesor de filosofía que empieza de un día para el otro a convivir con su hijo, y, a su vez, a conocerlo, ya que antes no se hacía cargo. Además de compartir la casa y el parentesco, Merlí toma un cargo en el instituto donde asiste su hijo, Bruno, y tienen que aprender a convivir allí dentro también. Paralelamente, cada uno de los alumnos y demás profesores van mostrando su historia y aunque en un principio Merlí es algo inusual y estresante, terminan teniendo una relación muy allegada con este nuevo profesor. Él les enseña a pensar por sí mismos, a reflexionar y cuestionar las cosas. 
La serie es muy real y abarca distintos aspectos muy profundos y problemáticas de la vida, en las cuales muchos se sienten identificados. A su vez, para el que le gusta, aporta sobre filosofía de una manera muy llevadera y entretenida. 
En cuanto a los personajes, están todos muy bien interpretados, sobre todo el personaje principal (Francesc Orella). Merlí es una especie de referente, es el profesor que la mayoría desearían tener. Con sus virtudes y defectos, de alguna manera u otra, en la serie todos lo terminan queriendo. 
Tiene un buen final, muy emotivo, dramático. Es original y acorde al resto de la serie. 

Tìtulo: Merlí 
Año: 2015 
País: España 
Temporadas: 3 
Episodios: 40 
Duración: 50 min 
Dirección: Hector Lozano, Eduard Cortés, Menna Fité 
Reparto: Francesc Orella, Pere Ponce, Pau Durà, Mar del Hoyo, David Solans, Carlos Cuevas, Elisabet Casanovas, Ana María Barbany, Marta Marco 

Contratiempo 
Por Camila Butassi 

Adrián Doria (Mario Casas) es un exitoso empresario que despierta en la habitación de un hotel junto al cadáver de su amante. Al ser acusado del asesinato, decide contratar los servicios de la mejor preparadora de testigos y coartadas del país, recomendada por su abogado. En el transcurso de una noche, ambos trabajarán para encontrar una justificación razonable. 
Los detalles son los que garantizan a la película el gran éxito que ha tenido desde el momento en que fue lanzada. Es muy notorio en el guión del film que lo que buscó el director es poner al público en papel de detective, ya que “Contratiempo” logra mantener la atención del espectador desde el arranque buscando pistas u otros elementos que se muestran para la resolución del caso. 
Pero, su guión entre giros y giros, hace que en partes la película quede con algunos agujeros y resulte un poco agobiante. Sin embargo, lo que resulta interesante destacar es que el trato entre los personajes resulta un tanto frío, lo que le da más credibilidad al film. 
Contratiempo denota un profundo trabajo de revisión para pulir casi todos los detalles. La actuación de los protagonistas es muy buena y se puede considerar una de las mejores películas de suspenso del último tiempo. 

Título: Contratiempo 
Dirección: Pablo Oriol 
Música: Fernando Velázquez 
Guión: Lara Sendim y Pablo Oriol 
Protagonistas: Mario Casas, Bárbara Lennie, José Coronado, Ana Wagener, Francesc Orella, Paco Tous. 
Duración: 104 minutos

Conociendo al héroe mas grande en la historia de las viñetas 
Por Ignacio Ucci 

La editorial norteamericana DC Comics demuestra, en su historial de 80 años de publicación ininterrumpida de su superhéroe más icónico, Superman (recién cumplidos este abril de 2018), la costumbre por refrescar ciertos conceptos. Y es que cada cierta cantidad de años, y con las intenciones tanto de acercar la historia de sus héroes a tiempos más actuales como de renovar su público e introducirlos de forma sencilla, acostumbran la decisión de publicar una nueva historia de orígenes que narre los comienzos de sus personajes. “Superman: Origen secreto” es otro ejemplo de esto. 
Pero la renovación del superhéroe más famoso del mundo, en esta ocasión tuvo mucho más valor que en otras ocasiones. No solo se buscó renovar la vigencia del personaje cambiando los que lo limitaban épocas y contextos ya no vigentes de la era corriente, sino que la renovación acarreaba motivos mucho más profundos. Geoff Johns, quien cuenta con una extensa carrera dentro de DC Comics, se encargó de adentrarse en los sentimientos más profundos e inexplorados del personaje. Así vemos que el foco de esta historia no es la carrera superheroica del superhéroe máximo de todos los tiempos, sino su infancia, su adolescencia, y todo lo que llevará al personaje a tomar la iniciativa de ser un héroe. 
A lo largo de los 6 capítulos que conformaron Superman: Origen Secreto se logra evidenciar que el personaje se convierte en un héroe gracias a los valores inculcados por sus padres adoptivos, y esa idea prevalece por encima de los combates y las escenas increíbles que plantea. Ese merito se lo debe al excelente guion que no para de remarcar en los valores positivos del personaje, de formas muy trasladables a nuestra vida cotidiana e indiscutidamente positiva para la moral de los lectores, especialmente los más jóvenes. 
También cabe destacar el gran nivel que se lleva el equipo encargado de las ilustraciones en este producto. El dibujo de Gary Frank es capaz de humanizar los rasgos de los personajes de manera muy lograda, pero su fuerte realmente es el asombroso traslado que decidió y logró realizar, al inspirar y reinterpretar múltiples escenas de la película Superman de 1978. 
La reinterpretación definitiva de Superman es, claramente, esta historia. Tanto para aquellos que siguen todas las aventuras del personaje como para las personas que se quieren adentrar en sus aventuras y comenzar desde cero, no cabe duda que su lectura obligada es Superman: Origen Secreto. 

Nombre: Superman: Origen Secreto 
Publicación original: 2009-2010 
Editorial: Dc comics (EEUU) 
Traducido y reeditado por: Salvat (ESPAÑA) 
Guion: Geoff Johns 
Ilustraciones: Gary Frank (dibujo), Jon Sibal (inta), Brad Anderson (color)


Un camino a casa (Lion)
Por Rocio Arguello

Una historia de vida basada en hechos reales, lo que genera atracción e incertidumbre al saberlo, un guion que juega con ese drama y que va creando al personaje de un niño de apenas 5 años expuesto a una dura realidad. La película está inspirada en la vida de Saroo Brierley, un joven indio que estuvo perdido por veinticinco años.
La primera parte muestra los lazos familiares de Saroo: a Guddú su hermano mayor, por quien tenía gran admiración, su pequeña hermana y su mamá Kamla. Una familia que vivía en condiciones precarias y en la cual los niños trabajaban junto a su madre para poder sobrevivir. 
Una noche los hermanos salen de su casa para ir a trabajar y es allí donde comienza el calvario del pequeño Saroo. 
Perdido en Calcuta sin entender el idioma y sujeto a las crueldades de las grandes ciudades: abusos, robos y a la mirada indiferente de las personas. 
Un comienzo que nos mantiene expectantes, que logra la atracción necesaria con imágenes y sonidos que perfeccionan ese ambiente durante el día y la noche, con poco diálogo de los personajes, algo que deja volar la imaginación.
Vagando un largo tiempo y miles de kilómetros, pero con “un Dios aparte”, el niño es adoptado por una familia australiana de clase media. Allí fue donde creció, rodeado de amor y educación. Una mitad del film que no despierta tanto interés, muestra a un chico normal con su familia, su novia, sin demasiados aportes a la historia.
Recién en la parte final puede verse a un adulto Saroo perturbado por su pasado y con gran desesperación por encontrar su lugar de origen y volver a tener contacto con su familia biológica. 
Es aquí donde la tecnología juega un papel importante, a través de una aplicación de internet (Google Earth) comienza la intensa búsqueda. Meses pasaron hasta encontrar el lugar que tanto soñó, para poder vivir y hacer vivir un reencuentro más que emocionante que eriza la piel de cualquiera. 
Desde que tenía 5 años Saroo pronunció mal su nombre, el cual era “Sherú”, que significa “León”, ¿casualidad o causalidad?

LION / UN CAMINO A CASA- Australia, 2016.
Dirección: Garth Davis
Duración: 120 min minutos 
Guion: Luke Davies (de la novela de Saroo Brierley)
Producción: See-Saw Films / Screen Australia / Sunstar Entertainment / Weinstein Company.
Reparto: Dev Patel, Sunny Pawar, Nicole Kidman, Rooney Mara, David Wenham, Nawazuddin Siddiqui, Tannishtha Chatterjee, Deepti Naval, Priyanka Bose, Divian Ladwa.


Orphan Black 
Por Rebeca Casal

Orphan Black es una serie de ciencia ficción, que se terminó convirtiendo en una revelación a lo largo de sus cinco temporadas. Creada por Graeme Manson y John Fawcett en el año 2013, donde cuentan la historia de Sarah Manning una joven marginada y huérfana cuya vida cambia tras presenciar el suicidio de Elizabeth Childs, una mujer exactamente igual que ella. Sarah le roba la identidad, el novio y la cuenta bancaria, pero sus problemas se multiplican. 
A lo largo de la serie se puede ver como Sarah descubre más mujeres como ella (clones), que se unirán para averiguar de dónde provienen, y por qué no pueden tener hijos, a excepción de Helena y Sarah, que tiene una hija llamada Kira. Todas se ven atrapadas en una conspiración, donde son perseguidas por un asesino que hace lo posible por acabar con ellas y las personas que las rodean. Deberán hacer cosas impensables para mantenerse con vida mientras investigan quiénes son y de qué tipo de experimento forman parte. 
Esta serie cuenta con cinco temporadas de diez capítulos cada una y sin duda alguna se extrañara en la pantalla por su estimulación visual y entretenimiento. Pero una de las cosas que más se extrañaran de ver es sin duda alguna la actuación de Tatiana Maslany, quien interpreta once personajes a la perfección. Esta actriz le otorga a cada personaje una identidad propia y definida y su nivel de trabajo queda plasmado en todas las escenas en la que varios clones interactúan entre sí. 
La serie tiene la capacidad de desarrollar una trama enérgica, en donde cada temporada se engancha fácilmente con la otra. Hay algunos giros que buscan sorprendernos, pero que no se generan de la nada, siempre vienen enganchados por acciones de los personajes que vamos siguiendo. 
Los personajes secundarios contribuyen al enriquecimiento de la misma, sobre todo el de Felix papel interpretado por Jordan Gavaris, quien es el hermano homosexual adoptivo de Sarah a quien ella recurre siempre que está en problemas y quien deja algunos de los momentos más divertidos de la serie a la vista. 
También podemos ver el personaje del detective Art Bell interpretado por Kevin Hanchard quien podríamos decir que es el personaje menos logrado de todos en los primeros episodios, aunque a lo largo de la trama puede que tome un poco mejor de protagonismo ya que se ve más implicado en algunos aspectos. 
Los villanos no son como estamos acostumbrados a verlos en series, pero sí mantienen un aspecto de personas que se encuentran por encima del bien y del mal. 
Aunque la temática de la serie no explota a fondo temas filosóficos o científicos, deja pensando sobre el comportamiento del hombre, la naturaleza y la influencia que genera en la sociedad. Lo que se puede analizar es que la serie se preocupa de que se muestren cómo son cada uno de los personajes, sus pasiones, las cosas que los motivan, ya que los giros se dan a partir de ellos, como mencionamos anteriormente. 
Orphan Black se despide ejemplarmente. Sus temporadas tuvieron altos y bajos, pero no deja de ser una muy buena serie para recomendar. 

Título: 'Orphan Black' 
Directores: Graeme Manson y John Fawcett 
Actores: Tatiana Maslany; Jordan Gavaris; Dylan Bruce; Kevin Hanchard; Maria Doyle Kennedy; Évelyne Brochu; Kristian Bruun; Skyler Wexle. 
Duración: 5 temporadas de 10 capítulos. 
Género: Ciencia Ficción.


UNA PELI PARA PASAR UN BUEN RATO 
Por Patricia Berrutti

Hugo y Braulio, dos jóvenes españoles universitarios, cansados de no encontrar trabajo ni futuro en su país de origen, deciden irse a Alemania en busca de nuevos horizontes. Muy pronto descubrirán que no todo es como se lo cuentan y que ir tras un sueño no significa lograr el éxito que anhelaban.

El cine te puede presentar infinidad de temas, algunas películas nos dejan una enseñanza, nos atrapan con suspenso e intriga otras simplemente nos dejan una sonrisa y pasamos el rato.
“Perdiendo el norte” tiene una mezcla, crítica social con humor, aunque presentada superficialmente. Por momentos podemos sentirnos identificados con el problema y a la vez nos reímos un rato.
Los protagonistas del film tienen estudios universitarios y todas las ganas de superación. Como en su país no encuentran lo que necesitan, deciden emigrar a otro lugar. Lo que al principio parece una excelente oportunidad puede terminar siendo una pesadilla. 
La película utiliza el humor para atrapar al espectador y consigue lo que se propone: que lo pases bien y disfrutes de un rato de humor. 
Nos ofrece situaciones y pequeñas reflexiones sobre los prejuicios y realidades de buscar empleo en el extranjero. También se proyecta el mensaje de que tratemos de ser lo que queremos, no lo que podamos ser. Porque de lo contrario podríamos condenarnos a no ser felices.
Realiza una ironía sobre la situación de crisis, la economía y los jóvenes de España, pero a mi entender, la crítica social podría haber sido más profunda.
En definitiva, una propuesta simpática y para pasar un momento divertido.

TITULO: PERDIENDO EL NORTE
Dirección: Nacho G. Velilla.
Guión: Antonio Sánchez, David S. Olivas, Oriol Capel, Nacho G. Velilla
Reparto: Yon González, Blanca Suárez, José Sacristán, Javier Cámara, Carmen Machi, Arturo Valls, Julián López, 
Música: Juanjo Javierre
Género: Comedia. España, 2015.
Duración: 102 minutos.



Artistas de nivel
Por Evangelina de la Cal

“Hablando de eso” es la primera joya de la banda pop-rock platense Teka Rutera, la cual está compuesta por Cristian Blache (voz y guitarra), Julio Ruani (Bajo) y Emiliano Reguera (Batería). 

Es una propuesta fuera de lo conocido en material de composición y edición; muestra un estilo claro y avanzado. Con solo un año, Teka realizó una producción profesional más que satisfactoria. 
El diseño grafico, a cargo de Juan I. Bernasconi y Estudio Groznik muestra una armonía de colores y tonos de grises, con presencia de leyes de la Gestalt. El diseño tiene la particularidad de generar afinidad, tranquilamente ampliable para ponerlo en un cuadro en el living de la casa.
La relación entre el diseño visual y sonoro es perfectamente asociable. Ambos muestran la mezcla de dos estilos distintos: lo clásico y lo innovador. Pintura manual y edición gráfica en computadora en el material tangible, y presencia de electrónico, dando la unión del Pop, el Rock y la cumbia en lo sonoro.
Cristian Blache, tiene una voz inconfundible, su timbre da vida a la banda y el tono particular. Sin embargo, es característica la forma en la que se complementan todos los instrumentos. Bajistas a parar la oreja, Julio Ruani dedica esmero en cada composición, algo destacable porque las bandas que recién comienzan no suelen resaltar la importancia del instrumento.
“Hablando de eso” no va a permitir que te quedes quieto. Es ideal para compartir con amigos, para viajar, y si encontrás su música en la radio, seguro que dejas el dial para seguir escuchando. 

Artista: Teka Rutera
Álbum: Hablando de eso
Año: 2015
Canciones: Si la ves – Paparazzi – Costal – Lolita – Los súper destellos – Horas eternas – Aromas de un clavel – Luz – A la vuelta – Otra vez.
Producción: Mariano Bilinkis y Cristian Blache.
Grabado y mezclado: U! Studio / Afro Recording Studio, Bs. As., Argentina



El futuro es brillante
Por Agostina Monzón

Es una serie original de Netflix donde muestra cómo la tecnología es utilizada de diferentes formas en el futuro y a la vez, cómo dicha tecnología puede afectar nuestra vida de un momento a otro.
Cada episodio cuenta una historia en particular, por ende, cada uno tiene características gráficas diferentes. Algunos episodios son en blanco y negro, otros tienen una calidad más baja que los demás dependiendo de la ubicación y la historia que quieran contar; la mayoría tienen una buena calidad no solo de imagen sino también en audio.
Toda historia toma un giro inesperado y eso lo hace aún más interesante porque resulta atrapante y llevadera. 

Nombre: Black Mirror 
Primera emisión: 2011 
Géneros: Serie. Ciencia ficción, Drama televisivo, Serie antológica y Cine distópico
Creador: Charlie Brooker
Temporadas: 4
Episodios: 19



Acerca de Ramdom
Por Luciana Barragán 

“Ramdom” así se llama el último trabajo discográfico del gran músico argentino Charly García, dedicado a los fallecidos guitarristas que formaron parte de su banda: María Gabriela Epumer y el Negro García López. El CD cuenta con diez canciones compuestas en su integridad por Charly, entre ellas hay una especialmente dedicada a Fabiana Cantilo la cuál tituló “Ella es tan Rubrick” y otra a Marcelo Tinelli titulada “Los amigos de Dios”. Es un disco armónico y de una gran calidad sonora. Se nota el gran trabajo de producción musical, hay mucho teclado y sintetizadores en todas las canciones, en algunas hay efectos sonoros (lluvia, audio de una película, golpes en una puerta, entre otros). Algunos se pueden apreciar fácilmente, otros hay que afinar un poco el oído y escuchar detenidamente, las guitarras están muy marcadas y equilibradas, respecto a la percusión y si mi oído no falla, en algunas canciones me atrevo a decir que hay incorporación de una batería electrónica, por ejemplo en “Lluvia”. 
Sin duda alguna, Ramdom tiene toda la esencia de García, quizás su voz en este disco particularmente no es la misma de antes, tiene otro sonido, un poco más apagado pero aún así sigue siendo una voz inconfundible. 
Ramdom salió después de siete años del último disco del artista, es un poco escueto en cuanto a la cantidad de canciones seleccionas, si bien es excelente cada una de ellas, hubiese sido estupendo si hubiera incluido más tracks. Finalmente la parte estética del disco es maravillosa, la portada es un trozo de una fotografía en la cual se ve una cocina, la misma esta intervenida con un dibujo de una mujer, en la parte inferior izquierda se ve la figura de un pez, el cual posee dentro el nombre del disco. Por otro lado, el libro interno tiene mucho color, figuras abstractas y figurativas, algo que me resultó curioso y aún no terminé de comprender es que el título de las canciones y las letras están tachadas, esto hace que se pierda la legibilidad de las mismas.

Track1: - La máquina de ser feliz 4:43
Track2: - Ella es tan rubrick 3:04 
Track3: - Primavera 4:37
Track4: - Rivalidad 3:07
Track5: - Otro 2:13
Track6: - Lluvia 3:45
Track7: - Believe 2:08
Track8: - Amigos de dios 3:48
Track9: - Spector 3:21
Track10: - Mundo B 3:32


Con cara de velorio
Por Alexis Bernaola 

La ley de la ferocidad nos cuenta la historia de Gabriel Reyes, un personaje cuya existencia está inspirada en las propias vivencias del autor. 
El protagonista enfrenta una de las situaciones más complejas y que más dejan huellas en la vida de cualquier persona normal, como es el caso de la muerte de su padre. La llamada ley de la vida o según el autor, la “ley de la ferocidad”, sería un hecho definitivo en su manera de vivir, en su arrogancia y en su manera de ver al mundo.
El lenguaje explícito y las fuertes temáticas tratadas en esta obra, no solo atrapan al lector, sino que también lo introduce en un mundo lleno de odio y corrupción propio de la sociedad en la que vivimos. Un mundo que se encuentra frente a nuestros ojos y que el autor nos permite conocer por medio de descripciones detalladas y envueltas en una atmósfera de marginaciones y placeres.
La narración en primera persona nos muestra la dureza y confusión del personaje principal y su fuerte deseo por dejar atrás sus hábitos más oscuros y enterrarlos junto con el rencor y la distancia hacia su progenitor.
La ley de la ferocidad es una novela nueva, fresca y muy recomendable para personas que les guste una lectura fluida y realista.

Ficha técnica 
Nombre: La ley de la ferocidad
Autor: Pablo Ramos
Publicación: 2011
Género: literatura contemporánea - Novela realista

Editorial: Alfaguara



 “NIEVE NEGRA”. 2017

Por Gabriela Gomez


Suspenso. Coproducción Argentina-Española. DIRECCIÓN: Martín Hodara. Duración: 87 minutos.

Actores de gran trayectoria como Leonardo Sbaraglia y Ricardo Darín trabajan por primera vez juntos, aunque han tenido participaciones en una misma película, esta vez comparten un set de grabación. Los acompañan actores de renombre con Federico Luppi, Dolores Fonzi y Saia Costa, una actriz española que no es conocida en nuestro país, con participaciones menores.

La locación del filme se desarrolló íntegramente en Los Pirineos, aunque es una simulación debido a que la historia en la ficción, ocurrió en la Patagonia.

Una trama de secretos y mentiras familiares que mantienen al espectador en permanente atención, hay hechos que se van conociendo con el transcurso del tiempo y es difícil imaginarse cuál es el punto de conflicto. El dinero en primer término como el factor de disputa, no dilucida el mayor punto de tragedia. Muertes y codicia esconden una terrible situación familiar.

Es destacada la actuación de Ricardo Darín en un papel en el que cuesta reconocerlo, saliendo del estereotipo del galán para convertirse en un ermitaño y oscuro personaje. Una película que sorprende con el final y que deja al descubierto como la ambición y la avaricia, generan las actitudes más ruines.



Sing ¡ven y canta! 
Por Daiana Eberle

Dirección: Gareth Jennings 
Género: animación, comedia musical 
Duración: 108 min 
Estreno: 21 de diciembre 2016. 

Sinopsis: 
En un mundo de animales, un koala llamado Buster busca recuperar la gloria perdida de su teatro. Para conseguirlo convoca a un concurso de canto en el que le darán $100.000 al ganador. Siendo así acuden motivados por el dinero, la fama y la gran oportunidad de demostrar su talento. 
Película simple y divertida. La musicalización y la puesta en escena son importantes y se desarrolla de manera sencilla para que los chicos puedan comprenderla. Al ser un concurso de música, es increíble la cantidad de animales que buscan audicionar y demostrar sus cualidades. Se van desarrollando múltiples escenas que impactarán al público, por el gran talento de los protagonistas. Divertida e emocionante para grandes y chicos.


Rescatando a Sara
Por Gladys Zubeldia. 

Es una miniserie dramática española en 2 capítulos basada en hechos reales. Dirigida por Manuel Ríos San Martín y escrita por Mónica Martín-Grande, la historia es recogida por el “periodista Javier Ángel Preciado” (quien escribió el libro que lleva el mismo nombre de la miniserie). Fue rodada en el año 2.012 y estuvo en “cajón” por dos años, hasta que la cadena televisiva de Antena 3 de España la estrena en 2.014 -

Sinopsis: 
La historia de vida comenzó cuando una mujer española conoció y se enamoró de un musulmán radicado en España. Fruto de ese amor nace Sara, pero la educación de la niña en un país occidental y tras haber tenido un fuerte conflicto con los hijos que ya tenía dicha mujer, cambiaría la postura del padre de Sara y finalmente se produciría la ruptura de la pareja. Así es que el padre decidió secuestrar a la niña de 9 años de edad y llevársela a Basora, Iraq, aún a sabiendas de que el país seguía en guerra. A partir de ese momento, la madre comenzó a vivir una terrible experiencia, en una lucha más que titánica en cuanto a lo legal y administrativo por recuperar a su hija menor, incluso peligrando también su vida por ir a un país en conflicto bélico, pero nada la detendría. Por suerte, esta “madre coraje” contó por más de dos años con la ayuda de un periodista de investigación que la acompañó además en sus viajes a Iraq. 
Es una miniserie que no necesita más que de estos dos capítulos, porque de extenderla, al ser un hecho de la vida real, seguramente se comenzarían a inventar situaciones que ensuciarían demasiado el guión en la veracidad de los hechos. Deja al espectador atrapado en un estado de suspenso y ansiedad, de angustia y amor, al ver de lo que es capaz una madre por un hijo. Ante cualquier situación que se pueda considerar que se está perdiendo, si se clama, se insiste y se denuncia inmediatamente ante los medios, y estos colaboran, las respuestas serán indefectiblemente en favor de la víctima. Esto se ve claramente en esta muestra de abuso de una nación que regida bajo el poder del islam, data como la afortunada relación con un medio periodístico muy interesado en el caso les abrió puertas antes negadas, como negociaciones, un juicio justo en un país con leyes y costumbres culturales muy aferradas que le niega derechos a la mujer. 
5 pulgares arriba por hacer de este tipo de película o miniserie, para despertar el cuidado de quien se enamora sin medir consecuencias y por la actuación de los protagonistas que se vieron muy convincentes. 

Actores protagonistas y coprotagonistas:
Carmen Machi es: Leticia (la madre)
Sandra Melero es: Sara
Abdelhatif Hwidar es: Abdel (el padre)
Fernando Guillén Cuervo es: Javi el periodista (Fernando Preciado)


Moonrise Kingdoom
Por Juan Manuel Beier

Moonrise Kingdom es una comedia dramática estadounidense dirigida por Wes Anderson que se estrenó en el año 2012. Focus Features llevó a cabo la distribución.
Si uno se deja llevar sólo por el encanto vintage de las estética de Wes Anderson, lo que se desprendería en primera instancia de la historia sentimental entre Susie y Sam sería la puesta en escena del encanto del primer amor pre adolescente, una vuelta a los años inocentes, en clave más o menos nostálgica.
Pero la nostalgia es una trampa de la memoria. Entorpece la acción sobre el presente porque la idea de felicidad parece congelada en un pasado distante, inaccesible.
La película no se queda ahí. No es el cuento de lo que fue y no vuelve. Es la insistencia en la potencia del amor liberado de las presiones sociales, culturales, históricas, que lo oprimen; o que tratan en todo caso de encerrarlo en un sentido “normativo”. Porque ¿qué otro rol cumplen sino los adultos en esta película? Padres con rencores y amores irresueltos, instituciones (policía, scouts, orfanato) tratan de poner los sentimientos de los niños en el lugar donde -se supone- que deberían estar.
Moonrise Kingdon es la celebración del amor sin ataduras. Del descubrimiento permanente. Nada sintetiza mejor esa fuerza que la escena del baile en la playa, y el beso torpe y sincero, entre Suzie y Sam. Ahí está una clave a la que cada uno debería volver en el agotamiento de la vida adulta.



CRÍTICA: “SULLY, HAZAÑA EN EL HUDSON”.
Por Gabriela Gomez

2016, Drama, película biográfica. Duración 1H 36M.
La película refleja lo sucedido en el Río Hudson cuando el vuelo 1549 de US Arways acuatiza debido a una emergencia.
El Director Clint Eastwood elige como protagonista para este film cinematográfico al reconocido y premiado Tom Hanks. Este actor se ha convertido a través de los años y por su trayectoria en éxito garantizado.
Hanks encarna a Sully Chesley el piloto que debió tomar una drástica decisión acuatizando en un Río de los Estados Unidos con el resultado de ninguna víctima fatal, poniéndolos a todos a salvo luego de la increíble e impensada maniobra peligrosa.
Lo destacable de esta película que siendo un evento importante dentro de lo que son los accidentes más recordados de los últimos tiempos, situación conocida y vivida a través de los medios de comunicación y transmitido en vivo para el mundo, este film sostiene en vilo al espectador hasta el último segundo. Las diferentes situaciones que deberán atravesar el piloto y copiloto frente a la tripulación, a la opinión pública y a los que juzguen su proceder mantendrán expectante a todos.

“El tesoro”, lo nuevo de El Mató.
Por Juan Manuel Beier

El single salió hace una semana y ya supera las 80 mil visitas en YouTube.

El mató a un policía motorizado es una banda de la ciudad de La Plata, que tras un largo recorrido en una combi por todo el país y viajando por España y toda Latinoamérica, llevó su música del estilo indie rock, a ser grabada en Texas, Estados Unidos.
Este álbum es el quinto single, que en este formato lo predecía “Chica de Oro” del 2012, aunque llevan tres discos completos, cuatro EP (extended play) y cinco singles (incluyendo “El Tesoro).
En una entrevista realizada por la revista Inrockuptibles Santiago Barrionuevo, cantante de El Mató habló de cómo se siente grabar en territorio texano. “Era muy loco: estás en un desierto, en medio del campo. Siempre me pareció algo muy mentiroso eso de que el lugar donde grabás se te meta en el disco, pero me pasó. Me parecía un cliché. Igual es muy poquito, una frase puntual y me pasó por no tener antes la letra. El paisaje allá es muy extraño, muy de película de terror. Ahí cosechan nueces así que en invierno están todos los nogales pelados y la casa en la que paramos está al lado de un arroyo seco. En la letra hablo de un río sin agua. Siempre me dio demasiado vértigo no llegar con las letras completas, pero Bergallo (el productor) me decía que era muy común que las bandas terminen de escribir los discos en el estudio.”
El nuevo single es el adelanto al próximo disco que en teoría saldría en Junio, y su estreno será en simultáneo con los sellos de España y Estados Unidos. “El tesoro” se puede escuchar en todas las plataformas online y además se puede conseguir el disco en todas las disquerías, en formato CD y vinilo.


La llegada...Película impactante, compleja y conmovedora.
Por Daiana Eberle

Doce naves extraterrestres llegan a la Tierra, ubicadas en diferentes puntos del Mundo, dejando en estado de pánico a la población. Los Militares piden ayuda a una experta Lingüística (Amy Adams) para entender el idioma alienígeno y para dar con la verdadera razón de su llegada.
El director de este film logra jugar con el tiempo, los recuerdos y con la forma en que se desarrolla la llegada de estos invasores. El lenguaje, que le es difícil de interpretar a Louise (Amy Adams) y Ian Donelly (Jeremy Renner, científico), no es impedimento para comprender cuál es el motivo de su llegada y qué pretenden. La protagonista principal es ella (Louise) ya que la mayoría de las escenas transcurren alrededor de su historia de vida.
Dentro de los personajes, llaman enteramente la atención los invasores, no se llega a entender cuál sería su rol en la película, ya que por momentos pierde protagonismo y pasan a hacer secundarios en el film. El comienzo y el final de la película fueron los más emocionantes.

Dirección: Denis Villenueve
Reparto: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Tzi Ma y Mark O’Brien.
Estreno: 18 noviembre 2016.
Género: Ciencia Ficción-Drama.
Duración: 116 Min.


Bailar en soledad.

Por Juan Manuel Beier

“Los paranoicos” es una película argentina de 2008 dirigida por Gabriel Medina y protagonizada por Daniel Hendler.
Los paranoicos nos cuenta la historia de uno de los momentos que atraviesa Luciano Gauna (Daniel Hendler). Es nervioso, tímido e incapaz de soltarse a pleno con su entorno, entretiene a niños y niñas en fiestas con su traje de payaso, se preocupa por el HIV y le pega un portazo a un amigo. Además cocina bien y esconde el porro en un monstruo psicodélico.
Junto a su novia Sofía, desde Europa, llega el egocéntrico y canchero Manuel, un amigo de Gauna que se acerca con la serie que la está rompiendo en España “Los paranoicos”, que tiene como personaje principal a uno que se llama… “Luciano Gauna”.
Me colman de bronca las escenas en donde es llamativa la presencia de presión absoluta por parte de un amigo que quiere que estés online todo el tiempo. Gauna no es así, el tiene un tiempo más lento pero más intenso, con más cuerpo, preocupado por todo.
Las miradas en la cena entre los novios y Luciano resulta increíble, el ambiente que genera la luz cálida, la música independiente y el humo forman la atmósfera necesaria para un juego de emociones tensas.
Estar solo y ser un desecho social significa a veces estar en una serie en donde ni siquiera te preguntaron si querías estar. ¿Cómo un canchero se puede apoderar del humilde y preocupado corazón de un escritor treintañero?
El amor contempla todo y manifiesta definitivamente y en cualquier momento los verdaderos sentimientos, Gauna y Sofía se abrazan en el medio de una calle, después de un recital, después de un baile solo, que al fin y al cabo no fue solo, fue más frenético que nunca, junto a Sofía, la chica intrascendente.



Buenas noches y buena suerte
Por Gladys Zubeldía

Es una película del director y actor George Clooney, que en esta oportunidad hace de productor de David Stratharin, quien tuvo el papel principal como el afamado periodista Edward R. Murrow. Otros actores participantes, también como periodistas de la CBS, estuvieron encarnados por Robert Doweney Jr., Jeff Daniels, Frank Langella y Patricia Clarkson.

La película habla de la censura y de las presiones políticas como patrocinadores de los medios de comunicación. En ella cuenta el enfrentamiento histórico que existió entre Murrow como periodista y presentador de un programa informativo en un estudio de televisión junto a su productor, contra el anticomunista senador Joseph McCarthy en los años 50 en EE.UU.
Se conoció en aquella época como la “caza de brujas” comunista, inventando mentiras sobre un teniente de aviación, acusándolo de que era un peligro para la seguridad nacional. Al ver el senador que el periodista lo ponía en evidencia en su programa, este se lanza en una serie de más mentiras, pero ahora en contra del Murrow, a quien también acusaba de comunista falsificando pruebas.
Es una película ágil, de no muy larga duración, aproximadamente 1 hora 15 minutos. Realizada en blanco y negro, aporta un impacto sensorial muy distinto al acostumbrado, donde se incluyen además las canciones de jazz, el vestuario y la ambientación reflejando una época que marcó la historia del comienzo del periodismo en ese medio.
Si el guion atrapó al espectador, este se puede ver inmerso en aquel mundo de periodistas que corrían a la hora de dar una noticia bomba y en cómo funcionaba además un estudio de televisión con un gran equipo de incondicionales compañeros apoyando la causa pese a las presiones del gobierno y sintiéndose orgullosos cuando veían en la prensa escrita como resaltaban en su favor la noticia en cuestión.
Hoy a casi 70 años de este hecho reflejado en el film, es creíble ver la película y escuchar frases en un discurso de quien hace de periodista, tales como…“las pruebas de nuestra decadencia, escapismo y aislamiento de la realidad del mundo en que vivimos”… ”adolecemos de una alergia innata a la información que nos perturba”…”como no dejemos de considerarnos como un negocio y no reconozcamos que la televisión está enfocada básicamente en distraernos, engañarnos, entretenernos y aislarnos…la televisión, los que la financian, los que la ven y los que la producen, podrían percatarse del error demasiado tarde”.
Porque cualquier parecido con la realidad…no es mera coincidencia.
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Las “Mujeres” de Eduardo Galeano
Por Lautaro Peñaflor

Eduardo Galeano es dueño de una pluma inigualable. Nada hay de novedoso en esas palabras, pero es una afirmación obligada para hablar de su obra. Claro que la situación no cambia en “Mujeres”, su primer libro póstumo.
Un libro antológico, compuesto por varias decenas de relatos referenciales a distintas mujeres que conmueven e inspiran por su desafío a las reglas impuestas en su época. Luchadoras visibles a invisibles, desde la individualidad o en lo colectivo, latinoamericanas y transcontinentales, pero todas ellas dignas de ser conocidas y admiradas.
De Sherezade, personaje de Las Mil y Una Noches, a Eva Duarte; de Rigoberta Menchú a Marilyn Monroe. Así de diversa es la oferta en este libro que se inmiscuye en la esencia de cada una de estas mujeres, para regalarnos lo más jugoso de sus historias.
Las palabras en cada relato están magistralmente ubicadas. Las narraciones son breves, conforme al estilo del autor. Galeano despliega su maestría en este libro y, en pocas frases, logra dejar pensando a sus lectores como muy pocos escritores pueden lograrlo.
Es dueño de una claridad conceptual e ideológica incomparable. Sólo de esa forma, puede lograr mensajes de una estructura muy sencilla, pero tan llenos de contenido, que resultan capaces de hacer sucumbir el ideario de cualquier persona.
Portador más representativo de la ideología de izquierda y latinoamericano, Eduardo Galeano deja su impronta en cada frase, en cada palabra. La lectura merece detenimiento y atención. Es agradable, pero enérgico. La división del libro en historias breves, permite interrumpir la tarea y retomarla en otro momento.
Las Madres de Plaza de Mayo, Juana de Arco, Alfonsina Storni, Rosa Luxemburgo, Frida Kahlo, Marie Curie, entre otras tantas, desfilan a lo largo de la publicación, ofreciendo la interesante visión del autor acerca de la historia de cada una de estas mujeres. Cuando suelen escribirse libros enteros acerca de cada una de ellas, a Galeano le bastan unas pocas líneas para capturar lo más intenso de sus biografías.
“Mujeres” interpela y desafía, a través de la intensidad de las personas a las que refiere. Una obra excepcional, única, imperdible para comprender la lucha de las mujeres a lo largo de la historia, y alrededor de todo el globo terráqueo.
Ficha Técnica:
Título: “Mujeres”
Autor/autora: Eduardo Galeano
Editorial: Siglo XXI Editores
Número de páginas: 237
Año de publicación: 2015
Género: Biográfico


Comer, rezar, amar.
Por Abigail Biragnet

La protagonista emprende un viaje por Italia, la India y Bali en busca de una renovacion emocional, ya que no se siente satisfecha con su vida, aunque pareciera tenerlo todo. En su transcurso descubre lo bien que se siente comer todo lo que quiera, aunque eso afecte su talla, luego aprende a rezar y meditar para lograr el equilibrio en su vida, e inesperadamente encuentra al amor de su vida. A lo largo de las dos largas horas de film, se pueden apreciar los paisajes de los diferentes lugares que la protagonista visita y también tienen lugar las diferentes costumbres y tradiciones de los mismos a los que ella intenta adecuarse.

Titulo: Comer, rezar, amar.
Año: 2010
Actriz: Julia Roberts
Director: Ryan Murphy


Una vuelta de tuerca a la concepción de la vida 
Por Agostina Pitton

“El cielo es de quien lo vuela” es una narración de Guillermo de Pósfay, un escritor independiente nacido en la ciudad de Buenos Aires, actual residente de Capilla del Monte, que tiene un sentido mucho más amplio que el del generar mero entretenimiento. Es que la característica que distingue a este autor es la capacidad de trascender la fantasía literaria para encontrar la verdadera magia en su propia vida, y por tanto, transcribirla al papel.
Dotándose de un sentido minuciosamente descriptivo, hasta puntos donde resulta insoportable o gracioso la cantidad de adjetivos que utiliza- según cómo se recibe el relato-, este autor merece ser llamado único. Porque está claro que no copia estilos, y resulta tan anárquica su prosa que apenas si usa puntos y comas para organizar la lectura más formalmente- aunque, en otras publicaciones, dispensa totalmente de ellas, dejando al libre albedrío su verdadero orden y por tanto significado.-
Una obra que se sale del común de los libros, donde la trama no es más que un panorama que acompaña y embellece el mensaje que se está dando, a través del uso de la metáfora.
Ya partiendo desde el título, un proyecto más bien humano, relato inventado o no, pero al fin verídico, que incorpora un lenguaje cotidiano y suelto, que se permite evadir los juicios sociales sobre los términos utilizados, para darle una impronta inocente y reinterpretativa.
Una historia que encarna la felicidad del autor, los secretos que descubre en su propia vida y que sabe que son comunes a la humanidad si está dispuesta a abrir los ojos. El relato de un hombre iluminado y consciente en cada instante de su misma existencia.


Las Voces
Por Adrián Guber

Una historia que puede que no guste a la mayoría de los espectadores, de humor oscuro y escenas que rozan el terror.

La historia cuenta las vicisitudes de Jerry, un personaje positivo y simpático que contagia buenas ondas, pero en la intimidad sufre de rezagos del pasado que nublan su razón y hace que busque exteriorizar sus personalidades a través de sus mascotas (Bosco y Mr Whiskers) uno encarna las buenas costumbres y otro toda la maldad representada con un tono de voz extremadamente británico.
Existe la posibilidad de confundir al actor Ryan Reynolds en otros personajes, casi como ver a Nicolas Cage, que al verse en tantas películas hacen ver al personaje como al actor y no como la personalidad que intentas desarrollar los escritores y el director del film.
El director Marjane Satrapi, de origen Iraní recrea escenas como de cuento de Disney, mostrando las alucinaciones que la esquizofrenia le crea al personaje.
El film cuenta con un flash de realidad fuera de la fantasía del personaje principal, de imágenes grotescas y un completo desagrado de Jerry de ver la realidad detrás de sus delirios.
Un historial familiar deja a Jerry con factores genéticos y psicológicos de sufrir estos trastornos, que terminan por desencadenar asesinatos culpa de sus patologías mentales.
Nombre original: The Voices
Año de estreno: 2014
Género: Comedia, crimen, horror.
Duración: 1 hr. 43 min
Director: Marjane Satrapi
Actores principales: Ryan Reynolds, Gemma Arterton, Anna Kendrick


Malala, mi historia 
Por Lautaro Peñaflor

Hay historias que merecen ser contadas, y la de Malala Yousafzai es una de ellas. La niña pakistaní que logró sobreponerse a los mandatos de la sociedad conservadora en la que nació, decidió contar los hechos más importantes de su vida en un relato autobiográfico relativamente breve, en el que vale la pena sumergirse. 
A lo largo de sus páginas, la autora y protagonista cuenta sus pocos pero intensos años de vida, haciendo hincapié en cómo se transformó en una militante del derecho a educarse de las niñas, que se veía-y aún se ve- coartado por la visión extremista del Islam, que los talibanes llevan a la práctica- incluso- asesinando personas, llevando adelante atentados, incendiando escuelas, etcétera. 
No obstante, el relato fluctúa entre comentarios de la vida de una niña común, que juega, quiere sacar buenas calificaciones en la escuela, se enoja con su mejor amiga, pelea con sus hermanos… y maduras preocupaciones, que tienen que ver con su trabajo por la paz y la educación, que la hacen exponerse a los medios de comunicación, los micrófonos, discursos y grandes auditorios desde muy pequeña. 
Asimismo, todo el texto se encuentra atravesado por elementos de la cultura propia de Medio Oriente. Este aspecto descriptivo contextualiza, y ayuda a no perder el eje en ningún momento, pero está presente en su justa medida, para no obstaculizar ni entorpecer la lectura. 
Debe mencionarse, que la explicación ofrecida de la compleja situación en la tierra de la protagonista resulta muy simplificada. A menudo, la concepción binaria de “amigo- enemigo” parece no ser explicativa del panorama social que involucra talibanes, cuestiones religiosas y hasta políticas. De todos modos, la visión simplista se vuelve una buena primera aproximación, para aquellos lectores no muy inmersos en el tema. 
Se trata de una obra de lectura rápida y ágil, ideal para público adolescente. La trayectoria de la coautora- Patricia McCormick- así lo demuestra. Aun de esa forma, estamos frente a una historia recomendable para personas de toda edad. Su escritura sencilla y su lectura agradable, lo hacen ideal para leerlo en el colectivo, en una pausa de trabajo o durante un fin de semana. 
Poco podemos decir sobre la historia de Malala, que es- en términos generales- conocida. Fue merecedora de numerosos premios, entre los que se destaca el Premio Nobel de la Paz 2014. Pese a ello, su autobiografía contribuye a entender su lucha y su militancia, pero además su pensar y su sentir, al involucrarse en el contexto personal y familiar en el que nació y creció. 
“Malala, mi historia” es clarificador y esperanzador. Muestra que, aún ante las peores adversidades, vale la pena luchar por las convicciones y las verdades de cada uno. El optimismo de la protagonista, aún en las peores y más dramáticas circunstancias de su vida, resulta totalmente inspirador para quien se encuentre con ella mediante la lectura.

Ficha Técnica:
Título: “Malala, mi historia”
Autor/autora: Malala Yousafzai y Patricia McCormick
Editorial: Editorial Alianza
Número de páginas: 250
Año de publicación: 2015
Género: Autobiográfico





La verdad duele
Por Adrián Guber


Estados Unidos, un caso verídico. La historia de Bennet Omalu un medico nigeriano de altos estudios dedicado a la medicina forense descubre un patrón en jugadores de futbol americano que pierden la cordura.
Siguiendo su instinto Omalu va hasta el fondo con la investigación dando con una hipótesis que hace que el deporte nacional que para un país cuando se desarrolla el Superbowl (final del campeonato de la liga americana de futbol) se vea en riesgo.
Es ahí cuando las bases más estructuradas de esta nación empiezan a perseguir al doctor, destituyéndolo de su trabajo y con una serie de amenazas a él y a su familia por su condición de inmigrante.
Omalu que desde joven quería vivir el sueño americano y tenía gran admiración por este país, sus habitantes y las posibilidades de desarrollarse sin límites solo con trabajo duro comenzó a ver la otra cara al cuestionar sus costumbres.
Desilusionado de esta sociedad continua su lucha por el reconocimiento del síndrome postconmoción cerebral, aun yendo contra los intereses económicos millonarios de este deporte para proteger a los deportistas que terminaban por suicidarse en muchos casos por este trastorno mental.
Tal tesón termina en una propuesta laboral para trabajar para el estado que siempre admiró pero que después de ver la realidad de un estado corrupto hace cambiar al personaje que encarna Will Smith.

Nombre original: Concussion
Año de estreno: 2015
Género: Biografía, Drama, Deporte
Duración: 2 hr. 3 min
Director: Peter Landesman
Actores principales: Will Smith, Alec Baldwin, Albert Brooks

“Sin hijos”
Por Abigail Biragnet

Él está separado hace cuatro años y su hija se convirtió en el centro de su vida desde ese momento. Negado y sin interés por rehacer su vida amorosa, Gabriel se dedica a su trabajo y su hija. 
Después de escenas muy graciosas dejando en claro la obsesión del personaje por su nena, de ocho años, no tarda en aparecer el conflicto con Vicky, un amor platónico de la adolescencia, transformada en una mujer hermosa y madura. El problema es que a Vicky no le simpatizan los niños y esto termina poniendo la vida del protagonista en una clase de malabarismo y ocultamientos. 
Situaciones relacionadas con la vida real cotidiana de los matrimonios separados y de sus hijos pueden reflejarse a lo largo del film. Con una actuación desopilante de Guadalupe Manent, la hija, que sin dudas es el papel que se roba las miradas y la atención de los espectadores. 

Ficha técnica
Titulo: Sin hijos
Año: 2015
Director: Ariel Winigrad
Actores: Diego Peretti, Maribel Verdu.

Conducta
Por Agostina Pitton

‘Conducta’ es una producción fílmica cubana con un guión muy fiel a la realidad del país. Cuenta la historia de Chala, un niño de 11 años, que lleva una vida muy dura entre una madre prostituta y adicta a las drogas, y un ‘trabajo’ de entrenar perros de pelea para sustentar su hogar. Pese a estas condiciones acude a la escuela, donde establece un vínculo muy estrecho con su maestra. 
El film, si bien con un guión sencillo y tal vez un poco ‘trillado’ en cuanto a la estructura y detalle del escenario de acción, cuenta con muy buenas actuaciones de sus actores, nutridas de gran naturalidad y una increíble calidad en sus tomas fotográficas. 
El entorno donde transcurre la película se enfatiza en las miserias del país, poniendo especial acento a las realidades crueles que atraviesan sobre todo a los niños nativos, pero que muchas veces suele tildarse de exageración y monotonía en el guión.
Por demás, relata una historia centrada en uno de los ejes más discutidos de aquella sociedad: la educación; y cómo se entrelazan las historias personales con los derechos básicos de los niños. 
Una producción aunque dramática realmente atractiva, dotada de un dinamismo constante, que la hace más entretenida en su visualización, pero que no deja de marcar un punto de reflexión, sin necesidad de recurrir obligatoriamente a recursos exagerados para lograr su objetivo. Sin duda, una película que da qué pensar y nos deja una emotividad dando vueltas dentro. 

Ficha técnica
Director: Ernesto Daranas
Año:2014
Fotografía: Alejandro Pérez


¿Qué democracia? 
Por Lautaro Peñaflor

Podríamos pasar horas pensando cómo titular esta nota. Sin embargo, no se nos ocurriría nada mejor que el nombre del documental. “¿Qué democracia?” sintetiza a la perfección el sentido de estos minutos 75 minutos de reflexión: problematizar el sistema representativo que conocemos, y animarnos a pensar en otras alternativas de resolución de nuestros conflictos sociales. 
Analistas, políticos, profesores, aficionados, consultores y vecinos desfilan por la cinta del Patricio Escobar, dándonos su visión respecto a la política actual y las formas de ejercicio y participación en la misma. De todos los testimonios que se pueden observar sobresale el de Armando Díaz, profesor de matemática al que en algún momento le hizo ruido el sistema representativo. 
Es a partir de ese “click”, que investiga los resultados de distintas elecciones pasadas, y saca conclusiones relacionando los cargos representativos y los porcentajes de abstención, votos en blanco y votos nulos. 
De la pasión de una manifestante de Tinogasta en medio de una protesta reprimida, al grito de “uno les delega la responsabilidad y se toman atribuciones”, hasta las frías y mentadas reflexiones de Jaime Durán Barba, la película recorre- en sus siete títulos- el problema de la representación en distintos momentos sociales y su falta de respuestas en la coyuntura actual. 
De música que oscila entre agradables acordes ambientales y canciones combativas que acompañan el contenido que trata, el documental consigue mostrar un amplio espectro de opiniones y visiones en torno al tema central. No obstante, por momentos se vuelve algo reiterativo y- por el gran bagaje teórico de los contenidos- un poco tedioso. Eso no quita claridad a los conceptos ni impacto al mensaje. 
Con escenarios sencillos (bibliotecas, escritorios, plazas, protestas sociales, escuelas), el film genera una sensación de cercanía entre los espectadores respecto y la relevancia del problema que nos ocupa, en la vida cotidiana de cada uno de nosotros: la crisis de la representación política y la falta de participación popular, tienen implicancias directas en nuestro devenir diario, y eso queda claro. 
“¿Qué democracia?” se enrola en ese tipo de productos que entienden al arte y la cultura como portadoras de mensajes, que pueden impactar en las personas y motorizar cambios positivos en la sociedad. En tal sentido, no busca que ser estéticamente perfecto sea su principal ni su única virtud. Es, por esta razón, sumamente valioso que el documental esté disponible abiertamente en Internet (se puede acceder al mismo en este link)
De esta manera, cumple su principal objetivo: llamar al pensamiento sobre el sistema político y abrir en un debate sobre ese tema. No caben dudas de que merece ser vista, difundida y- sobre todo- muy discutida.

Ficha técnica: 
Título original: ¿Qué democracia? 
Director: Patricio Escobar 
Duración: 75 minutos. 
Año de estreno: 2013 
Género: Documental 
Reparto: Armando Díaz, Jaime Durán Barba, Juan Manuel Abal Medina, Luis Zamora, entre otros. 


El Clan
Por Aldana Génova

El film se remonta a uno de los hechos más destacados en la historia del país: el secuestro, extorsión y muerte en la época de la dictadura de 1976.
Arquímedes Puccio, ex empleado de la SIDE (Secretaría de Inteligencia del Estado) bajo la tutela y encubrimiento de uno de sus superiores el comodoro Victoriano Franco, montó un comando donde realizaba secuestros, extorsiones y asesinatos.
En momentos, el film muestra la convivencia de una familia de clase media alta (el patriarca, la madre, las hijas y los hijos rugbiers -uno de ellos jugador de la selección nacional y con cierta fama-) la cual comienza a lidiar con los hazañas del padre y sufriendo diferentes desgastes emocionales y psicológicos. Uno de ellos decide no volver más y el mayor de ellos, Alejandro, aprovechando su fama y conocimiento de gente empresaria ayuda al padre a encontrar a las próximas víctimas.
La trata también demuestra el momento en que vivía el país, un silencio cómplice de las altas esferas militares de gobierno de ese entonces que eran permisivas a esos actos de violencia que el clan Puccio ejercía, los cuales lograban vivir entre la impunidad y la cotidianeidad. 

Film: El Clan
Director: Pablo Trapero
Producción: Hugo Sigman- Pedro Almodóvar-Esther García
Guión: Pablo Trapero
Basada: en la historia del Clan Puccio
Protagonistas: Guillermo Francella, Peter Lanzani, Lili Popovich, Airoa Bernaola, Franco Masini



Regresión
Por Adrián Guber

El creador de la miltipremiada “Los Otros” nos regala una historia más, una película atrapante y fresca para el género, muy interesante para ver.
Transcurren los 90’ cuando una joven denuncia a su padre por abuso sexual y de la investigación se desprende un problema aún mayor.
El fanatismo religioso de los Estados Unidos despierta la creatividad de Amenábar quien relata un incidente que involucra a la iglesia y adoradores de satán de una secta, tan típicos de las películas como de la vida real.
Ethan Hawke interpreta al detective encargado del caso de Emma Watson, quien junto a Thewlis, el psiquiatra, dan curso a la investigación.
La sensibilidad del caso de abuso llega a obsesionar al detective hasta pasarlo de ser agnóstico a rezar por su vida.
El título de la película se lo vale el tipo de tratamiento que utiliza el psiquiatra para interrogar a los testigos, regresión inducida, una práctica para el entonces presente que era novedad y era poco estudiado.
Un receta de terror con muchos ingredientes que hacen un buen trabajo por esta película.

Nombre original: Regression
Año de estreno: 2015
Género: Crimen, drama, misterio
Duración: 1 hr 46 min
Director: Alejandro Amenábar
Actores principales: Ethan Hawke, David Thewlis, Emma Watson



El patron 
Por Abigail Biragnet

Basada en una historia real, un joven santiagueño llega a Buenos Aires en busca de trabajo junto a su mujer. Después de soportar meses de trabajos forzados como recolector de carne desechada, termina en una carnicería como encargado siendo explotado por su siniestro patrón, dueño de una cadena, quien lo obliga a vender carne podrida, mostrando una realidad, no tan conocida en nuestro país, del mercado y el negocio que implica la carne. Este patrón lo somete a una verdadera esclavitud, además de que lo pone en una pieza a vivir, junto con su mujer embarazada, a la que termina echando del lugar. A lo largo del film se muestran diferentes tipos de maltratos físicos, verbales y hasta psicológicos, los cuales llevan al crimen que protagoniza esta historia. 
El director usa una manera particular de contar la historia, va y viene, juicio y crimen, lo que hace aun más interesante la película, también el uso del suspenso con un guión fuerte y atrapante evita inteligentemente la distracción. Ésta atrapa de principio a fin. 
Titulo: “El patron: radiografía de un crimen”.
Año: 2015
Director: Sebastian Schindel.
Actores: Joaquin Furriel, Luis Ziembrowski, Guillermo Pfening.


'Making the Connection
Por Agostina Pitton

‘Making the connection’ (Haciendo la conexión), es un documental de media hora de duración que explica y fundamenta una vida sustentable a través de la adopción del veganismo como elección. 
Esta proyección, publicada en el 2012, muestra con vías muy cotidianas y por lo tanto cercanas al común de la gente, que este estilo de vida con estas características tiene un porqué bien claro y justificado, fácil de entender para todas las situaciones sociales. Utilizando imágenes y planos simples, con escenarios comunes y no trucados, busca generar una conciencia de esta misma índole, adoptando recursos cercanos en lugar de producciones super desarrolladas. 
Si bien utiliza algunas imágenes fuertes, no es el factor principal del documental que, como se tilda erróneamente a las producciones de este estilo, buscan ‘atacar’ la sensibilidad de la gente para tomar resoluciones extremas. Por el contrario, este proyecto intenta buscar vías más pacíficas de conciencia, sin omitir la realidad cruel que conlleva el mercado estándar difundido, pero valiéndose de testimonios reales y sencillos que permiten una mayor empatía y por lo tanto, la escucha sin temor del mensaje expuesto. 
A grandes rasgos, puede decirse con seguridad, que se trata de un film con una intención justa, unificadora, que promueve la empatía y el respeto, y mediante sus recursos, la apertura a una conciencia más amplia e integradora. 

PRECAUCIÓN: Imágenes fuertes entre el minuto 20:40 y 21:10, y 23:10- 26:40

Producción: Environment Films
Coordinación de la producción: Lauren Simpson
Música Original: Mark Adair

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